Salón Dadá/Col Corazón · Lo Que No Existe, Existe: Registros De Una Saga Post Punk En El Perú (1986-1990)

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 4 de diciembre del 2019.)

A punto de abandonar la niñez e ingresar en la pre-adolescencia, mi generación y las inmediatamente anteriores/posteriores fuimos testigos no sólo de la escalada exponencial que el conflicto armado interno implementó en el país. También, de las apocalípticas consecuencias que trajeron los años venideros. Al promediar los 80s, las organizaciones terroristas incursionaron y golpearon brutal e insistentemente en los centros urbanos de la costa -Lima incluida (en el ande y en algunos puntos de la amazonia, tiempo hacía que estaban atrincheradas). Las principales poblaciones de cara al Pacífico se convertirían en zona de guerra, tal cual les sucedía a las del interior: atentados contra objetivos civiles y militares, apagones diarios, cortes de agua a mansalva, bloqueo/toma de las carreteras que abastecían los mercados... En la otra esquina, el Estado se comportaba a la altura: corrupción generalizada, robo sistemático e institucionalizado, inflación crónica de cotas obscenas, incapacidad galopante para mantener el orden social cotidiano, escasez incesante de productos de primera necesidad...

Ése fue el escenario en que emergió la movida subterránea nacional, definida por la repulsa a los medios masivos y a lo que éstos entendían por “música rock”. En principio abrumadoramente punk y hardcore, este en-la-práctica ‘sello de clase’ acabaría convirtiendo todo lo demás en sambenito: cuando las huestes sónicas de la segunda oleada comenzaron a desmarcarse de esos caminos harto trajinados, la reacción contra dichos esfuerzos desencadenó a corto plazo una escisión del movimiento, cuya cepa original subsistió hasta mediados de la década pasada. Sin embargo, la faena de quienes tomasen el relevo de los pioneros subtes sería revalorizada con el transcurrir de los calendarios. Basta con repasar su legado para que esta aseveración adquiera plena vigencia: Sociedad De Mierda, Feudales/Paisaje Electrónico, Éxodo, Voz Propia, Delirios Krónicos, Lima 13, Yndeseables, Masoko Tanga, T De Cobre, Sor Obscena, Disidentes...

A esta falange de recambio perteneció de igual modo un trío que no dejó huellas concretas y oficiales de su existencia, ni siquiera en formato demo. Los nombres que usó, no obstante, siempre afloraron en las remembranzas de quienes estelarizasen ese agitado período del pop peruano off-mainstream. Con la llegada del nuevo siglo, se empezó a saber más de sus avatares y a difundirse su música, gracias a la duplicación y digitalización de algunas cintas caseras que sobrevivieron. Ello, sumado a los reportajes que de cuando en cuando concedía uno de sus protagonistas centrales, avivó lo que hasta entonces se asemejaba a una leyenda urbana en torno al mítico terceto. Una leyenda urbana que acaba de completar su traspaso a la realidad histórica con la publicación de su obra compendiada vía la notable discográfica Buh Records.

Salón Dadá y Col Corazón, pues, no son dos grupos distintos; sino dos fases -sucesivas- de un colectivo inconstante en su alineación, pero homogéneo en su trasfondo creativo. Las biografías de una y otra han sido explicadas en sites especializados de Internet, y se han consignado generosamente detalladas en la edición física de la recopilación, por lo que se me antoja baladí repetirlas. Suficiente con el escueto recuento de rigor.

Los prolegómenos de Salón Dadá datan de 1985, cuando terminan de conocerse todos los integrantes fundacionales: Mónika Contreras De La Jara (guitarra), Juan Huamán Sihuas a.k.a. Hoover (batería) y Támira Bassallo (bajo y voz). Junto a Guillermo Castro y a Riqui Antituco, Támira y Hoover tocaban ya en Excomulgados. Para el verano del ‘86, ambos se asocian a Mónika bajo el alias de Salón Dadá, realizándose a fines de septiembre el primer concierto oficial. Por motivos de viaje al exterior, Mónika se retira pronto de SD y en su reemplazo entra Jaime De Lama, baterista de Zcuela Crrada recomendado por Jorge Revilla. La amistad entre el futuro Cocó Ciëlo y Bassallo nació en los días (1983-1984) en que Revilla frecuentaba el consultorio de la progenitora de la bajista, la psicóloga Telma Rossi. El vínculo entre ambos fue muy estrecho, y Jorge se hizo entusiasta fan del terceto desde un inicio. Gracias a la continuidad de De Lama y a la grabación de un ensayo de cuatro temas a fines del ‘86, que el Tiempo elevase a la categoría de maqueta no oficial y único testimonio accesible -sin portada ni nombre-, el guitarrista se convirtió en el tercer miembro clásico de la saga. Susana Zavala les apoyó con el cello.

Tras la salida de Hoover, en 1988 Salón Dadá cambia de nombre a Col Corazón. En esta etapa, Támira y Jaime incorporan a otra Susana (Torres), quien se encargó de la percusión y los coros, e hizo las veces de performer. Como CC, brindan un recordado concierto en la fabulosa No Helden. El puesto de baterista fue un quebradero de cabeza -por las baquetas pasaron Marisela Young Rabines y Jorge “Pelo” Madueño- hasta que llegó Rodolfo Cortegana. Las composiciones de la fase SD no fueron dejadas de lado, sino que engrosaron el repertorio junto a otras nuevas: Col Corazón se presentaría en La Casona (Barranco) el 30 de julio de 1990 interpretando un set de 13 temas por espacio de una hora, en lo que se ha llamado el concierto más largo que ofreciese grupo subte alguno.

Lamentablemente, ése sería su último live. En el país, la crisis llegaba a su cúspide, situación de la que el rock subterráneo no se sustrajo. La anomia generalizada hizo mella en sus principales figuras, muchas de las cuales apenas si sobrepasaban la barrera de las dos décadas. Así truncóse la aventura emprendida por tres jovencísimos estudiantes ligados al arte. Ante la falta de documentos sonoros, el recuerdo de SD/CC empezó a menguar, como aconteció con el de tantas otras agrupaciones innovadoras, inclasificables y fugaces...

Pero no desapareció.

¿Por qué una saga como la de Salón Dadá/Col Corazón, de la que no sobrevivió ningún archivo audiovisual, que apenas contase con el demo pirateado de un ensayo que no superaba los quince minutos de duración; no se extravió en el Olvido? Razones atendibles hay varias. Yo propongo tres.

1) Estadísticamente, las bandas peruanas más reconocidas y de las que se sigue hablando fuera del Perú son Los Saicos, Los Belkings y la mancuerna Silvania-Ciëlo. A nivel internacional, ningún otro de nuestros créditos ha llegado así de alto. Pues bien, buena parte de las evocaciones que han cosechado Salón Dadá y Col Corazón están en deuda con la repercusión obtenida por Silvania, genial dúo constituido por Mario y Cocó Ciëlo (asesinado en España en septiembre del 2008). “Solineide”, del primer EP de Silvania (Miel Nube Hiel, 1992), es el nombre de una canción escrita por Támira que nunca llegó a grabarse. La maravillosa “Flor De Agua Infinita”, pauteada en el debut en largo (En Cielo De Océano, 1993), va dedicada a Bassallo y a Torres.

2) Reproducida de mano en mano una y otra vez, y pese a las limitaciones del registro, la cinta casera de Salón Dadá habla por sí sola. Relanzado de manera no autorizada en MP3 durante los 00s, el “extended” tiene una saturación inusual de los instrumentos. El efecto hace que la voz de Támira tenga el mismo nivel de volumen que éstos, convirtiéndola de hecho en un instrumento más, y como tal generadora de una atmósfera. Tal vez sea este aspecto el punto de partida para la comparación que siempre se ha postulado entre SD/CC y Cocteau Twins. De cualquier forma, eso los hizo dueños de un sonido único en la escena.

3) Con relación al nuevo siglo, los 80s no quedan tan lejos como los 70s o los 60s. Si bien hubo una fragmentación al interior de la movida subterránea, básicamente acicateada por rencillas que hoy son a todas luces ridículas -“pitupunks” vs “misiopunks”, reivindicación intransigente de la máxima DIY frente a la necesidad vital de evolucionar más allá de los tres acordes oleados y sacramentados por el Año Cero 77-, la memoria colectiva logró sobrevivir hasta la era de la documentación y preservación digitales. Támira, además y como dije, nunca desapareció del todo. En 1998 dispensó una breve entrevista a un fanzine de cuyo nombre no me da la gana de acordarme, y desde entonces se han invocado sus declaraciones para referirse a/escribir sobre el casi legendario proyecto.

Lo Que No Existe, Existe: Registros De Una Saga Post Punk En El Perú (1986-1990) rescata mucho del material de Salón Dadá y Col Corazón salvaguardado a la fecha. No es gratuito que haya dicho “mucho” en lugar de “la totalidad”, pues del archivo que pudo armarse se ha hecho una cuidadosa selección de las pistas a restaurar y masterizar: la mayoría de éstas corresponde a ensayos y directos, acaso de un mismo surco ejecutado tres o más veces, haciéndose en tal caso innecesario recuperar todas las tomas. Por desgracia, del procedimiento no participó Jaime De Lama: aunque en un primer momento aceptara la propuesta, luego la declinó, dejando todo en las manos de Bassallo y del director de Buh Records, Luis Alvarado.

Tampoco es gratuito que hable de un rescate en lugar de “el testamento definitivo de...”. Como parte del lanzamiento de la edición física en doble presentación (CD y vinilo), se ha conversado la posibilidad -nada segura- de interpretar los temas en vivo. Esto abriría la opción de no sólo volver a escuchar la voz y el bajo originales de SD/CC casi treinta años después, sino también la de continuar la travesía de la saga grabando nuevamente los temas rescatados, aquellos de los que no sobrevivieron grabaciones (como es el caso de la canción que De Lama compuso partiendo del poema “Katatay”, de José María Arguedas), y aún de los que sólo se quedaron en bocetos (como es el caso de “Solineide”, ya antes aludido).

“Y, en resumidas cuentas, ¿cuál es la real valía de lo hecho por Salón Dadá/Col Corazón?”, es lícito preguntarse, luego de tanto floro. Nada más presionar play y empezar a sonar las notas de “Lista Ele”, la pregunta misma queda en offside, presos los tímpanos de una opiácea embriaguez. “Lista...” se inspira en la obra de Antonin Artaud, y no será la única: esquivando los arabescos de la eléctrica, la ininteligible voz de Bassallo desencaja por completo aún si se le considera sólo en el contexto de las formaciones subterráneas de la segunda hornada. Esta suerte de “impronta vocal” guía la por momentos frenética exploración timbral que propone el sonido de Salón Dadá -un sonido que empata instantáneamente con el ethos disidente del período post punk, su obsesión punzocortante y su cacofonismo arty. El inicio luminoso de una jornada que recupera la labor francotiradora de la bifronte entidad, reivindicándole en su justa dimensión.

Existen al menos dos maneras de escuchar Lo Que No Existe, Existe... Una es, simplemente, de corrido. La otra es usando el botón de “skip” para audicionar primero los tracks de Salón Dadá, y luego hacer lo propio para los de Col Corazón. Eligiendo la primera, soy consciente de que la segunda proporciona la oportunidad de hablar sobre cómo una fase devino en la otra.

Por encima de las sustituciones de personal y de las circunstancias que debieron afrontar, SD/CC crearon un output atiborrado de textura, destilando de manera intimista dicotomías paradójicas y tirantes como ruido-noise, contemplación-maelström, onirismo cristalino-abrasión tonal. El tratamiento de estos antagónicos binomios comenzaba a ser cuestión de estado en la escena independiente internacional de mediados de los 80s. Cocteau Twins es el ejemplo palmario. Otro podría haber sido A.R. Kane, si le hubieren conocido en aquel entonces. Y mientras grupos como Lima 13 o Sor Obscena ofrecían variaciones emotivamente incendiarias de lo que hizo aquí Voz Propia, pero variaciones al fin y al cabo; gente como Delirios Krónicos, Yndeseables o T De Cobre crearon una estética propia partiendo de géneros como la no wave o el industrial. Es al lado de estos últimos que debe incluirse a la mancha de Bassallo y De Lama, con una atingencia: inscrita dentro de la escena subte, prontamente dejó de sentirse cómoda en sus entrañas. El pop contemporáneo les quedaba chico, y por ello recurrían a otras fuentes.

Entre la sección rítmica grave, disciplinada, y las telarañas tejidas por De Lama; se paseaban Arguedas y Jorge Eduardo Eielson. Dependiendo de la fase, los textos de estos autores podían arropar respectivamente desnudas y cadenciosas percusiones consonantes con nuestra etnografía tradicional, salpicadas de tórrida ecolalia (larguísima “Sisinina”, como Col Corazón, saqsaqa incluida); o impetuosos números de after punk encabritado (“Mutatis Mutandis (Parte 4)”, como Salón Dadá). De otro lado, musicalidades asimiladas como la altoandina suministraban el contrapunto preciso para bajarle las revoluciones a tintineantes extrapolaciones árabes (“Virginia”, como Salón Dadá, ¿el casi inalterable pulso del bajo es de ascendencia jalqueña?), o el catalizador con que estimular una brillantísima performance vocal (“Doce Pupilas”, como Col Corazón).

Después de escuchar los avances colgados en BandCamp, mi querido amigo Walter Rojas -gestor de una impagable entrevista a Támira Bassallo la semana pasada, linkeada bajo estas palabras- se asombraba del sonido de SD/CC, que percibía de una oscuridad más impenetrable que la de actos coetáneos identificados con el dark rock. La contradicción es sólo aparente. En efecto, tanto Sor Obscena como Lima 13 y Voz Propia firmaron trabajos de una calidad extraordinaria, adscritos justamente a un género al que se aproximaron cuando sus postulados estéticos ya habían sido codificados. El post punk, en contraste, nunca arribó al status de “género”: fue un período nebuloso en el que sus principales animadores partieron más de los descubrimientos del kraut o del glam, sin mencionar el naciente electropop de Kraftwerk, antes que de los de la hecatombe punk. No en vano, Simon Reynolds señala que los singles cruciales del ‘77 para la generación post punk fueron “Trans-Europe Express” de los alemanes y “I Feel Love” de Donna Summer (producido por Giorgio Moroder). El zeitgeist del post punk más se condecía con una zona liberada, donde las ideas del pasado fueron insufladas de renovado vigor para crear un nuevo mundo sin barreras estilísticas (cf. “The Experience Of Swimming” de Japan, “As You Said” de Joy Division, “The Sweet Cheat Gone” de The Durutti Column). Tales fueron la ética y la estética que abrazaron Salón Dadá y Col Corazón, como asimismo Delirios Krónicos, Sociedad De Mierda, Conflicto Social o Disidentes: de ahí la conveniencia de la analogía con el post punk anglosajón, pese a que ello no implique una equivalencia de los manantiales en que abrevaban.

Notoriamente, la fase de Col Corazón luce más avezada que la de Salón Dadá. Ésta fue la primera, en que se acotaron las direcciones a seguir y se empezó a experimentar: introspección dramática, borrosas ambientaciones de sesgo surrealista, el pre-verbalismo como estilete con que acuchillar patrones. En cortes como “Clavicordio Sin Fin”, “Virginia” o las partes de su adaptación del poema “Mutatis Mutandis” de Eielson (4 y 7); es evidente un espíritu punk que trasciende sus limitaciones inherentes, sin distanciarse de sus compañeros de trinchera. A la fase de Col Corazón, por ende, los músicos llegaron ya con un background consolidado; más curtidos y ganosos de elaborar música de una mayor complejidad. Afirmar que de a pocos fueron acercándose a una suerte de proto dream pop no es para nada incorrecto: si pistas como “Los Bosques” o “Marlene” dan cuenta de sendos vendavales de distorsión, modulados por una encrespada marcialidad, números como “Ram Ram” o “Debral” parecen reclamar la desaparición del encorsetamiento de la etiqueta “rock”, en la misma línea de acre interpelación sónica de sus pares -mutando de climas vaporosamente fantasmales a densos, e incluso opresivos. Esto es claro sobre todo en “Debral”, cuyos fúnebres teclados colapsan cuando Támira ento(r)na una errabunda voz casi estrangulada. Si hay que escoger uno solo representativo de esta placa, habría que decidirse por el otro de los canales inspirado en Artaud, “Pri Ur Fan Tish” (Col Corazón): sonatina ondulante con la que Jaime De Lama se consagra de ígneo chamán de las seis cuerdas -literalmente, parece rasgar su guitarra envuelta en llamas-, que aparece en dos versiones. Recomiendo la que cierra el esférico, en vivo desde Magia, que suena bastante mejor que la de “estudio”.

Desde hace por lo menos años se venía anunciando la valiosa recuperación de uno de los grupos más originales que han surgido de la escena independiente nacional, a cuyos anales pertenece -le guste o no- el rock subte. Hacerlo realidad ha costado sangre, sudor y lágrimas. Hoy sabemos que la inversión se cubrió gracias al primer lugar adjudicado en los Estímulos Económicos Para La Cultura 2018, otorgados por el Ministerio de Cultura del Perú. Detrás, por supuesto, ha habido un trabajo de colosal documentación no sólo visual, sino también testimonial; reflejado en las copiosas liner notes tanto de la edición en CD como de la edición vinílica. Ad portas de su lanzamiento oficial, que además se hará conjuntamente con la reedición en 7’’ de la maqueta pirata de Salón Dadá (bautizada como Ensayo 1986 EP e incluida íntegra en la versión CD), no queda sino celebrar el haberle ganado otro asalto al Olvido. Merced a esta recopilación largamente esperada, los sueños dispersos de un puñado de músicos visionarios vuelven a condensarse -para, por fin, ocupar en la historia de la música pop peruana el lugar que se merecen.

ACOTACIÓN PERSONAL

Considerando que todo en esta vida es cuestión de tamaño y perspectiva, un “pequeño” desfase espacio-temporal impidió que Támira Bassallo y truly yours mataperreasen juntos cuando niños. Nuestras familias vivieron un tiempo en el mismo distrito, en el mismo barrio, a poquísimas cuadras de distancia. Acaso nuestros mayores llegaron a tratarse, pero yo sólo viví allí durante mis seis primeros meses de existencia, mientras que ella abandonó la querencia recién en 1999. Cualquiera diría que no necesariamente estábamos destinados a cruzarnos, a pesar de estar nuestras vidas signadas por la flama inextinguible de la Música. Pero resulta que ambos estuvimos a las órdenes de Paco Kerouac en La Nave De Los Prófugos, con una década de diferencia (ella en La Colmena, yo en Quilca). En el 2001, conociendo someramente la historia de Salón Dadá/Col Corazón, llega a mis manos el número debut del fanzine de arte, crítica y ensayo Arte Marcial; donde Támira, ya especializada en Historia del Arte, reseña una muestra individual de Patricia Villanueva titulada La Fiesta Del Té. Una amiga en común, Marilú Ponte, entabla el contacto asincrónico, en tiempos en que aún no existían las redes sociales. Debieron pasar algunos años más hasta volver a retomarlo por esos medios, enterándome de su matrimonio con un amigo que siguió el mismo desastroso sino que yo -estudiar Filosofía y escribir sobre música. Hace poco más de una semana, por fin hemos podido conocernos en persona. Da la impresión de que, ciertamente, existe un orden superior que nos empeñamos en llamar Destino -y que éste tiene también sus glitchs/accidentes de ruta.

Hákim de Merv

Días De Crogmanon: Demo // Odumodneurtse: Espectros E Imaginarios De Posguerra // Post Galazer: Terminal // Qué Bueno Que Ya Nada Es Igual // El Estéreo Tipo: Con Una Ayudita De Mis Amigos

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 27 de noviembre del 2019.)

Una de las particularidades consustanciales a la ‘zona franca’ del meta stoner es el espacio reservado a ententes inclinadas a asumir al stoner rock como otra más dentro de la gama de posibilidades estéticas a explorar. Así, tenemos nombres de la talla de Rapa Nui, Búho Ermitaño, Ayahuasca Dark Trip o Aspid Orkesträ; desplazándose cómodamente entre el post grunge, el prog, el heavy metal, la psicodelia de viejo cuño, el stoner y el space más alucinado. A esta división blindada también pertenecía El Cerebro De Gregorio Samsa, entidad de Huancayo que editase hace un lustro ¿Me Percibes, Animal? (Necio Records), magnífico documento con el que asombrosamente sus propios perpetradores no quedaron satisfechos debido a consideraciones técnicas. Tras la publicación, El Cerebro... se separó, hiato a clausurar el próximo año con la aparición de nueva declaración sonora.

Miembro de ECDGS, Jhordan Jurado protagoniza esta revisión por partida doble: primero, gracias a Días De Cromagnon, power trio que viene trabajando material para debutar en el 2020 con todas las de la ley. Y segundo, merced al voladazo primer disco de Odumodneurtse, Espectros E Imaginarios De Posguerra.

Conjunto instrumental, Días De Cromagnon ha adelantado parte de su chamba en el escuetamente titulado Demo (2019). En los días antiguos, antes del ingreso definitivo de Internet en nuestras vidas, la maqueta era la opción más económica/democrática para la escena peruana independiente -y vaya que si produjo auténticos joyones. En esta fase de su evolución sónica, Días De Cromagnon guarda ciertas semejanzas con los capitalinos de Rhor, pese a raíces y riffs doom que presidiesen su concepción hace tres años. La terna de Jurado (guitarra), Luis Sarapura (batería, toca además en Esvedra) y Christian Caballero (bajo) se revela ducha en improvisaciones donde se testean decenas de ideas: para tal efecto, no teme caminar, correr o sólo detenerse.

El banco de pruebas de Demo se traduce en bocetos de suites agobiados por un espíritu desértico y metálico. En tanto el stoner nacional cuenta ya con una joven tradición a la cual invocar, puedo afirmar que lo de DDC se refleja en los pasajes más serenos del primer Ancestro y en la experiencia de No Mightier Creatures, pero también en las lecciones que impartiese el maestro de las cuatro cuerdas Mike Inez desde su ingreso a Alice In Chains y durante los 90s. Despejado, oscuro sin ser asfixiante, el output de este terceto todavía no alcanza forma definitiva. Los avances más alentadores, no obstante, vienen de la mano de esbozos que prefieren el polimorfismo a la planitud, el cambio continuo a la monocordia. Quedo expectante a verificar cómo se decanta ese caudal de pinceladas en los próximos meses.

Odumodneurtse es, de otro lado, una banda mucho más copiosa. Incluyendo dentro de sí a la alineación completa de Días De Cromagnon, no puede decirse que el trinomio sea el proyecto paralelo de algunos de sus integrantes, o que Odumodneurtse cumpla el papel de grupo-madre; pues se trata de dos maneras diferentes (y a la vez convergentes) de crear música.

El line up de Odumodneurtse -“estruendo mudo”, al revés y en una sola palabra- enlista a Jurado (en diversos instrumentos), Emerson Vilca (pututu), Felipe Benavides (saxo), Juan Palomares (violín, cello), Sarapura y Raúl Cevallos (percusiones varias), Jhosep Santiago (guitarra), y Caballero (solo de bajo). La abundancia de músicos y de herramientas sonoras -los créditos enumeran palo de agua, xilofón, chacchas y daburka, entre otros- es síntoma evidente de un riguroso plan de acción, cuyas serias aspiraciones han encontrado feliz concreción en el mundo real.

Demostrando pasmosa vitalidad, Espectros E Imaginarios De Posguerra deambula por distintos cajones de sastre, de entre los que sobresalen tres si me atengo a su recurrencia. Uno es el que institucionalizasen las Desert Sessions de Josh Homme, cabeza visible del movimiento stoner mundial. Otro es el que naciera en la Alemania de los 70s, de la mano del siempre venerable kraut rock. Y un tercero es aquel con que se identifica gente como Breaking Benjamin, Staind, Slaves To Gravity o Within Reason -en resumen, el post grunge, lo que nos ofrece nueva ¿coincidencia? con Rhor.

Categorizaciones al costado, Odumodneurtse acredita sobradamente físico e ingenio con qué afrontar canales de larguísimo aliento, el menor de los cuales sobrepasa los 7 minutos de extensión -“Aia Marccai Quilla: Ceremoniales En Torno A La Vida Y La Muerte”. Es justamente éste el único que contiene voz, aunque sampleada: se trata del canto en quechua de una soprano que versionea la lectura realizada por Theodoro Valcárcel de “Pajonal”, un harawi -yaraví- de Chumbivilcas. Súmese al sample el ¿delay de bajo? con que abre “Aia Marccai...”, y se entenderá que este acto juninense está abierto a la asimilación de cualquier música que refuerce la excentricidad de su pedigrí -composiciones gigantescas que constantemente se transforman para desubicar a quien les escucha por primera vez, llenas de reverb, metales y samples. Al octeto no le amilana ni siquiera experimentar con algo tan “ajeno” como el funk -segmento final de “San Gregorio: Canto Funerario Mágico-Religioso Entre Los Ayllus Quechuas Del Sur Del Perú”- para lograr su cometido.

Lo único que no entiendo es por qué diablos nadie se ha interesado hasta ahora en producir la versión física de este soberbio álbum. Está para libre descarga en el BandCamp del combo, así que careces de toda excusa para no escucharlo.

Imposible negarlo: me dejó patitieso el saber que fue SuperSpace Records el sello que apostó por editar y distribuir el primer episodio de Post Galazer. La discográfica de Wilder Gonzales Agreda maneja un militante perfil de vanguardia delineado desde hace años, con el que tiene muy poco que compartir este grupo nucleado en Ayacucho. En efecto, PG cobra vida en Huamanga, pero dos tercios de sus integrantes son de Huancayo -Elvis y Joel, quienes intercambian cada dos por tres los puestos de batería y guitarra. Elvis se encarga de la voz siempre que ésta es requerida. Completa el trío Liliana (a) Lilith, en el bajo.

Decir que la esencia del terceto es el indie no está descaminado, como tampoco afirmar que su feeling es claramente garagero -desparpajado, falto de prolijidad, crudo y directo. Se nota más en el segmento de apertura de Terminal (“Joker” y “Módulo Lunar”), que despide un tufillo a surf sesentero, aunque esa impresión se dilata hasta el epílogo de la jornada. De “Mansandia” a “Paredes Torcidas”, el indie cambia de dirección para acercarse al pop de los 90s y posteriores almanaques -dejando al binomio de arranque como un camino trunco, a sondear quizá en otra oportunidad.

La principal virtud de Post Galazer es la vivacidad. Su sonido ágil es conciso y reconfortante, movedizo, convenientemente provisto de múltiples efectos. Semejante despliegue de agilidad me ha hecho recordar más de una vez al new pop de principios de los 80s, que surgiese de la nebulosa post punk gracias a sociedades como Orange Juice o Fire Engines, y que fuera borrado del mapa por The Smiths -presiona “skip” rumbo a “Verde” y “Mascotas Del Hogar” para constatarlo.

Existe otro rasgo a resaltar en la dinámica de los triates, mencionado entre líneas hace tres párrafos, y ése es su sostenibilidad instrumental. Más de la mitad de Terminal enfila energías hacia números de estructura simple y punchera que no necesitan de la voz de Elvis: “Ciudad Ficción”, “Retorno Del Respiro Extraviado”, “Mascotas Del Hogar”, “Paredes Torcidas”. Sólo cinco de un repertorio de doce pueden llamarse “canciones” -del resto, a lo mucho un par tiene pistas vocales, que no es lo mismo.

Encantador esférico, recubierto de una finísima gasa de textura polaroid que bien puede leerse como leve acabado lo fi -nunca en el mismo grado de quienes se ocupan los siguientes renglones.

Sorpresota en la Ciudad Imperial. Felino Renegado Records es una netlabel cuzqueña que inició operaciones en septiembre del 2018, con la toma demo de “Tú Y Yo” de Machu Michi -ahora Benji- como primera referencia de catálogo. Aún cuando de facto el sello ha cesado toda actividad desde mayo pasado, no ha habido comunicado oficial de disolución. Sería una pena, porque la plataforma ha dado a conocer toda una movida de artistas pop lo fi nacidos en el Ombligo del Mundo.

El último lanzamiento de FRR, fechado a fines de enero, se pensó como regalo adelantado por el día de San Valentín. Qué Bueno Que Ya Nada Es Igual compiló una inédita camada de músicos que probablemente ha crecido nutriéndose de Guided By Voices, Sebadoh y Smog; pero sobre todo de Beat Happening, de The Moldy Peaches y del desaparecido santón de la Baja Fidelidad Daniel Johnston.

Lo que no convierte a esta mancha en derivativa o facsimilar. El muestrario es netamente pop, aunque a veces fuerza ese límite, como en el noisico “Pegamento”, un tema de los chilenos Indenadfin (el otro invitado internacional es el tándem gaucho Sofi Bruun): su segunda colaboración, “No Sabes Lo Que Vi”, es comparativamente más asequible. Otros casos en que se sobresee tal frontera son el filo-electrónico “¿Gokú Por Qué Golpeas a Bulma?” de AkuAku, “I” -léase “i”- de Adrián Vacío y “Meper Donas?” de Benji; estos dos últimos arrejuntando al pop y al electro.

Siempre al interior de la estética lo fi, descuellan actos de pop acústico vagamente inspirados en la obra del músico perleño William Cano (Moon Over Soho, Odín Aleblian Kasparian, Xilofonmático, El Vals De Lucy Smith): Ali You Know (“Ponte Pijama”), PatO GarabatO (hoy Nematodos, “Perdedor” y “Las Personas Que Siempre Quise Conocer Sólo Las Pude Conocer En Sueños”), Super Manzanillas (“Niña Viajera” y “Frances”) o los sensacionales Tornasolada (“Ayayay” y “Lluvia Vieja”). También hay lugar para otros colores, como el lo fi playero de Rabi (“Veraneando” en versión maqueta), el tontipop pro-chapetón de Thunder Michi (“Happy Brownie”) o el divertido pop a cámara lenta de Billy Quién? (“Nos Destruirán A Todos”, guiño a The Grim Adventures Of Billy & Mandy incluido).

Composiciones registradas adrede en condiciones precarias, plagadas de errores técnicos, rebosantes de imaginación y de un temperamento emocional vivo. Iluminado arte naif -o lo que hubiera sido el legendario Vamos A Ser Felices (2004) con un norte excluyentemente pop.

Recién salido del horno, Richard Chuquitaype -Lunes, Fobya- me envía el trabajo fundacional de su unipersonal, El Estéreo Tipo. La instrumentación completa del volumen -sección de cuerdas, batería, teclados y sintetizadores- ha sido performada por el músico arequipeño, registrada en una tablet y mezclada en una lap top común y corriente. Las voces, por otra parte, se grabaron en Carmina Home Studio, de Raúl Begazo (Orquídea, Paisaje 3).

Hay una arista de Con Una Ayudita De Mis Amigos -nombre de elección bien poco afortunada- que luce bastante discreta. Es, en los hechos, un ortodoxo pop/rock correctamente ejecutado, pero algo incoloro. En él se entrampan temas como “Minimum” o “Eclesiastés 3”. También “La Redentora”, “De Esta Noche” o la reinterpretación de “Soy Un Extraño Que Va” (Los Iracundos); si bien el primero golpea enérgico, el segundo se manda unos toques cosecha 80s y la tercera no está exenta de una pasión afectada. En  cualquier caso, ésta es la ribera más modesta del CD.

En la otra orilla, el lado más interesante es campo abierto para aquello que diverge de lo anteriormente descrito. “La Niña De Mis Ojos (A Camila)”, efectiva balada electroacústica, es por contraste lo más convencional en este bolsón de cortes, donde asimismo se encuentran los medios tiempos de “Papá” (que adapta en clave de spoken word un poema del mistiano Alberto Hidalgo) y de “La Vida (Y Muerte) De Artemio Cruz” (indie de brisa a lo Hefner, que alude al personaje del célebre novelista mexicano Carlos Fuentes). Otros momentos estelares son “El Derecho De Equivocarse” (de lo mejor del disco) y la tropicalia de “Patrañas” (con Ricardo Brenneisen al micrófono).

Plástico regular. Hay material con que esperar cosas sustantivas en el próximo paradero. Falta nomás meticulosidad a la hora de refinar impurezas y bruñir acabados. Eso, y plantear mejor obertura y telón abajo -meter mano en un clásico como “Horizonte De Las Estrellas”, de Miguel Bosé, era un arma de dos filos, que esta vez ha resultado adversa.

Hákim de Merv

Miyagi Pitcher: Abraxas // Ancestro: Ancestro // Marfilia: Destellos EP

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 20 de noviembre del 2019.)

Azarosa, como mínimo, la ruta que viene trashumando Miyagi Pitcher. De todos los que sostiene Alexander Fabián, éste fue el alias escogido en un principio para dar luz verde a los devaneos vaporwave del oroíno, con encomiables resultados. Es a partir del Nymph EP (mayo del 2017) que los cambios introducidos desdibujan esa primigenia identificación, proceso acentuado todavía más en Okuraseru (noviembre del mismo año). Opino que, pese a estar lo ofrecido en estos títulos fuera de discusión, el músico debería haber persistido en la senda elegida al inicio. Total, para no hacer vaporwave -estilo sedimentado a nivel underground aún considerando sólo la escena independiente-, Fabián tiene otros proyectos individuales (Okuraseru y Nymph EP podrían haber salido tranquilamente acreditados a Ozono).

Aunque en junio del 2018 las nuevas composiciones de MP cedidas a la compilación Lego 11: Vaporwave Perú prometían una vuelta a los orígenes, el regreso sólo ha sido parcial, pero regreso al fin y al cabo. El novísimo Abraxas llama la atención desde sus singularidades mismas: es el primer esfuerzo del acto con temas sin entrelazar, y también el primero que no ha sido puesto para descarga gratuita en su totalidad, ya que un 25% del repertorio -tres pistas- sólo está disponible en formato físico. Es, finalmente, la primera referencia Pitcher que equilibra muchas variables sonoras; a diferencia de anteriores jornadas en que se exploraba el vaporwave u otros detritos -difícilmente, más de uno en simultáneo y en igualdad de rango.

El nombre del plástico, pues, ha sido bien escogido. “Abraxas” era el vocablo tallado en piedras que ciertas antiguas sectas gnósticas esgrimían como talismanes de una deidad bondadosa y perversa. A dicho ser se lo representaba con una balanza nivelada por sendas cabezas de águila. A lo largo de este Abraxas, Alexander ha balanceado una hibridación a la que contribuyen el harsh noise, el bliss pop, el shoegazing, la electrónica IDM en pequeñas gotas y por supuesto el vaporwave. Dicha ecuanimidad no se roba el protagonismo, ya que hay números en los que levemente predomina uno de estos ingredientes, como en “Bettie Davis Eyes” (vaporwave) o en “Nazco Desde Arriba” y “Dakini” (bliss pop). Pero sí es el origen de un lecho homogéneo que el perpetuo fluir de notas y frecuencias usa para exaltar tal o cual faceta, con la misma rapidez con que le eclipsa.

Subrayo en primera instancia aquellas piezas consecuencia de extrañas mutaciones: “Chos Sku” (deviene casi en angelical explosión de ruido blanco), “Piscis” (¿bliss digital?), la suite epónima (urgente pulso binario). En segunda instancia, aquellas insufladas del género-pastiche por antonomasia de lo que va del siglo: “La Luz Del Sol Siempre Llega Demasiado Pronto” (gestada sobre líneas de la letra de “Nothing Natural”, de Lush), “El Fuego De La Musa” (erigida en torno a un sampleo de “Just Because I Love You”, de BC Camplight), “Bettie Davis...” (el homónimo hit de Kim Carnes) y la insólita vaporcumbiagaze de “Mom”.

Coincidencias como ésta son las que te exhortan a reflexionar en si será verdad aquello de la energía astral/espiritual/de-cualquier-otro-tipo que la Música es capaz de captar. Hace tres años, El Jefazo y Ancestro debutaban emplazando expectantemente y de golpe a la escena peruana stoner en el panorama latinoamericano. Hoy, la coyuntura es casi la misma: la única divergencia radica en que El Jefazo ha publicado su segundo opus, mientras que Ancestro va por el tercero.

Marcando distancias con el sino de su par limeño, el power trio trujillano ha experimentado nuevas modificaciones: Diego Cartulín ha pasado de las seis cuerdas a la batería, posición esta última que dejó libre Víctor García (reemplazo a su vez de Rodrigo Rodríguez). Ahora la eléctrica está en manos de Jorge Quevedo, bisoño integrante del terceto, mientras que el bajo sigue siendo cosa de Boris Baltodano. Repite en los teclados Cartulín, cuya flamante discográfica -Man In The Box Records (¿Layne Staley, presente?)- puso sus estudios a disposición para darle forma a este epónimo episodio.

¿Cuán relevantes han sido las rotaciones en los puestos? Yo diría que se asemejan más a lo que en el fútbol suele catalogarse como “cambio técnico”. La performance de Quevedo no desentona con lo que ha mostrado su antecesor en los dos primeros registros de la banda: hay una fijación hipnótica con el riff, que ahora se ha vuelto notablemente más metálico y pesado. En cuanto a las baquetas, el timing permanece perfecto: distendidas y espaciosas cuando lo amerita el surco, estruendosas y trepidantes cuando éste se pone intratable.

Más allá del rollo conceptual -entre rúnico, pagano, celtíbero y/o chamánico (ver arte interno del CD en BandCamp)-, Ancestro arranca emulando los ‘blueprints’ de El Gran Altar (2017). El fragoroso y fugaz crescendo de los teclados en “I” es el prólogo que los norteños redactan para invitarte a degustar un álbum tan memorable como lo fueran sus predecesores. “II”, sin embargo, no es “Mareación”: medio tempo donde el oleaje hechicero de atmósferas post metal es rasgado cada tanto, cuando la eléctrica restalla firme y suavemente. Por su parte, “III” invierte las proporciones del track anterior: la crecida de stoner y metal se desparrama en breves interludios de reposo, concedidos por la furiosa y crispante guitarra de Quevedo, que es quien lleva ahora la batuta -careciendo de solos, ulula muchas veces en el desenlace.

Constantes en su discografía, las lúgubres ambientaciones de Ancestro se aprecian reptantes y maléficas en todo su aciago esplendor gracias a “IV”, a pesar de ser un número contenido, acechante. Con ligero aumento en el sístole percusivo, éstas repiten el plato en “V” hasta que irrumpen unos teclados en genial modo “On The Run” de Pink Floyd (fase The Dark Side Of The Moon, 1973), que despeñan al instrumental hacia una zarabanda de sórdida lascivia. Cerrando el menú, “VI” ocupa en la práctica casi la tercera parte de Ancestro. Como corresponde a sus dimensiones, es el canal que sintetiza todas las virtudes de disco y trinomio. Su construcción es admirable, no pocas veces virtuosa, llena de arbotantes que modulan la iracundia y de contrafuertes con que direccionar la enceguecedora hebefrenia innata a las tradiciones sónicas de las que se alimenta -el prog más lúcido, la psicodelia, las ordalías glorificadas por el heavy metal, el doom...

Crédito intacto el de Ancestro. Muchísimo más valorados en el exterior que en el propio terruño, lo mismo que los de El Jefazo, sus largos hasta ahora mantienen la promesa de todavía mejores tiempos por venir. La edición física, que incluirá dos pistas adicionales, correrá por cuenta del sello usamericano Forbidden Place Records. Fecha aún por confirmar.

Unas pocas palabras dedicadas a Marfilia.

A raíz del fichaje por Catenaria Discos, el combo de Sofía Araya relanza el artefacto que en su momento distribuyese UnderPop y que le revelase como uno de los gratos hallazgos del 2017. La totalidad del Luces De Neón Y Otras Oscuridades EP ha pasado por la remasterización de rigor, y para la ocasión se ha añadido una nueva canción, que bautiza esta versión reconfigurada del extended de estreno. Personalmente no soy hincha de este tipo de jugadas: pienso que el track list de una obra ya publicada no debería estar sujeto a modificación, pero el grupo o artista es libre de obrar según propio parecer.

Poco que decir, entonces, sobre este EP. En esencia, se trata de hablar de “Destellos”: jubiloso pop de espíritu taciturno, cuando no acicateado por la desazón, cuyo lustroso sonido remite al The Ocean Blue de los 90s; década que ya había revisitado profusamente el conjunto en su previa incursión.

Dos cosas me quedan claras:

1) Araya debe seguir creciendo. La expresividad de su voz goza de energía y aptitud a las que no le vislumbro límites. Ídem su pluma, lúcidamente atribulada de saudade.

2) Si hubiera algo de justicia para con el talento artístico en nuestra sociedad, Marfilia hace tiempo debería estar sonando en todas las radios que dicen ser “rock & pop”.

Lo mismo vale para el resto del repertorio del extended, al que ya me referí en una oportunidad anterior.

Por cierto, la formación se ha convertido en quinteto. Del line up que grabó Luces De Neón... EP -Araya, Dennis Chang, Marvin Gálvez y Jazhiel Benítes-, la única baja es la de Gálvez. Marfilia ahora son Araya (voz y bajo), Benítes (batería), Chang (guitarra), Omar Oré (teclados) y Rubén Valencia (guitarra).

Hákim de Merv

Fantasna: Sentimientos Encontrados EP // Felics: Bosque Sagrado // Rafael Cheuquelaf: Choike EP

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 13 de noviembre del 2019.)

#AguanteChile

A veces pienso que la movida electrónica chilena de unipersonales post house anda tan fragmentada, y ello en más de un sentido, que mapearla se ha convertido en tarea apremiante. No recuerdo cómo, en cierta ocasión me topé con Baltazar Solar (a) Alpha Stronggah, quien comenzara pergeñando hip house y terminó sumergido en la electrónica a tres bandas -house, dub y ambient. Nuestroh EP (2014) fue debut y despedida conmigo, puesto que desapareció del sonar abruptamente.

Lo mismo no ha sucedido con Sebastián Mella, que tiene muchos años ya utilizando el nom de guerre de Fantasna. El mapocho, empero, adolece de los demás hándicaps inherentes al mismo cajón de sastre: prolificidad que se torna sofocante, dispersión de referencias discográficas, sequía de esféricos que sobrepasen los dos tercios de hora... A Fantasna lo sigo desde que le descubrí gracias a Del Cuore, su extended del 2014. Lamentablemente, ha sido muy difícil tanto seguirle el paso como ubicar sus anteriores producciones para ponerme al día. Máxime si Fantasna ha vertebrado toda su carrera esencialmente sobre lanzamientos de escaso minutaje -creo que su primer larga duración recién es Cuéntame (2017).

Lo que suma en favor del santiaguino es la exquisita filigrana que acude a su llamado en composiciones habitadas por robustos bombos y samples de potencial efecto mesmerizante, característica que le ha valido participar en Lollapalooza Chile 2019, así como girar por Asia y Europa en el 2018. Sentimientos Encontrados EP es otra demostración de ese talento: ambient house dulce y rítmico, diseñado para el consumo casero e individual, pero también funcional si se presenta la oportunidad de reproducirlo en locaciones asaz diferentes. Sinuoso -cuando no voluptuoso- pulso electrónico, de vertiginoso como ilusorio desdoblamiento, para sincronizar con el techno del valpeño VNZO (chequear su impresionante Santiago Estado Mental, 2018) y el electro-pop de su compatriota radicada en París Alex June. Magia del Sonido sin fecha de expiración.

Abril vio debutar en soledad al chileno Félix Encina, músico que ha cosechado laudatorios varios por su labor como productor y sonidista, y que se hiciera particularmente célebre a raíz de su chamba en el tercer esfuerzo del grupo de rock alternativo Planeta Mente (El Volar Del Aprendiz, 2017). Oculto tras el rótulo de Felics, Encina ha dado pie en bola a un disco de ensoñador y pedestre indie pop, que se las arregla para navegar entre climas de lo fi sobre la cubierta de una yola de remaches synth pop -en la travesía, Camilo Oyarzún de PM devuelve el favor.

Bosque Sagrado se grabó en una multipistas de ocho canales rescatada de los 80s. Trabajarle empleando este aparato vintage no sólo ha obsequiado a Felics sonidos y texturas templados y acogedores con que esbozar plácidas melodías naif, sino que además las avecina a las costas del vaporwave sin hacerlas atracar en sus puertos. Esto se expresa patente en “Al Menos Hoy” y en el icónico “Miau”, números que evidencian un incremento en el uso de la poética synth. Ésta, por lo general, suele mantener perfil bajo; permitiendo que sea el indie el que se luzca: “Yuvia” (exaltada por los vientos de Camilo Campos), “La Inquisidora Normalidad”, “Decir - Pensar” o “El Lobo Feroz”.

La cavilante serenidad de la narrativa encarnada en Bosque Sagrado levita merced a una suerte de ambientación lisérgica muy tenue, acaso el resultado del proceso de experimentación y aprendizaje que el propio Félix ha subrayado en entrevistas. Esta suerte de transformación que atravesase Encina le ha conferido un ionizado fulgor a cada instrumento, pero es en el sintetizador donde más puede apreciarse ese cromatismo evanescente, ese flujo sinestésico de tonalidades. La pértiga gracias a la que el álbum salta la valla para coronarse como el más primoroso aparecido bajo cielos chilenos en este 2019.

BS cierra con “La Víctima” y “3 5 4”, piezas donde el filón electrónico de Felics emerge en todo su esplendor, sin avasallar a los demás componentes de su retórica.

Desde la ‘terra australis’ magallánica llegaron nuevas sobre la liberación de material solista de Rafael Cheuquelaf (en la foto, al lado de su retoño), músico y 50% de Lluvia Ácida. Los cuatro temas que conforman Choike EP pertenecían a un repertorio más amplio fechado hace unos seis años, cuando el puntarenense consideraba debutar en largo por cuenta propia. El nombre del extended proviene de la lengua aónikenk, que hablase el pueblo homónimo tehuelche de nómades cazadores y recolectores que más al sur habitase Mesoamérica durante miles de años. Curiosamente, la palabra guarda cierto parecido con el vocablo mapuche “cheuque”: morfológico y quizá fonético, pero más que nada semántico -“ñandú”, en ambos idiomas.

Es justo con “Penon Choike”, es decir “la pata del ñandú” (la famosa “Cruz del Sur” entre lobos de mar occidentales), que se abre este breve y muy agradable registro. El track se desarrolla a partir de una acústica sosegada y melancólica en su iteración, debajo de cuya delicada capa bullen lúdicamente sonoridades sintéticas. El pastoralismo de “Penon...” contrasta con el hálito casi abstract techno de “Luces En La Carretera”, gobernado por un beat 8/8 (¿o es 16/16?), que pese a ello no cambia las diapositivas de fondo. Con ellas me refiero a la línea de cotidianeidad naturalista que Cheuquelaf documenta en Choike EP, en cierto sentido derivada de sus andanzas al lado de Héctor Aguilar y que en “Orilla” cuaja de modo menos estilizado o artificioso -punto medio equidistante entre las precedentes pistas.

Dejo para el párrafo final “Hija”, corte que samplea la voz de la unigénita heredera del músico, Antonia Rayén. Inicialmente, el sampleado la codifica en una secuencia que de a pocos va tornándose surrealista, como describiendo aquello que sienten ojos pioneros ante las íngrimas inmensidades que la Tierra oculta de continuo al Hombre -y que debieran lucir encantadas o hechizadas, a la manera de un Algernon Blackwood. Hacia el anochecer del surco reaparece la guitarra, ahora enchufada y enroscada al sintetizador, lo mismo que la pequeña Antonia. Un EP con que siempre recordar esa máxima de Ciro Alegría escrita hace 84 años, que sólo entienden cabalmente aquellas personas que viven en lugares como el Estrecho de Magallanes o el Valle del Marañón: “Aquí, la Naturaleza es el Destino”.

Alejandro Muñoz Linford y Rafael comparten créditos por las fotografías.

Hákim de Merv

Galactic Seed: Nazca // El Jefazo: Simbiosis // Dom Dimadoom: Dom Dimadoom

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 30 de octubre del 2019.)

Salvo aquellas empapadas en estulticia, que nunca faltan, no muchas personas dudan del crecimiento sostenido que atraviesa nuestra escena independiente desde hace un lustro. Con mayor razón en este 2019, que prácticamente hasta el final está deparando lanzamientos y retornos a granel, al punto de reclamar con justicia el título de nuevo 2014.

Prestando atención a otras perspectivas, sin embargo, no han dejado de ser doce meses duros. Si bien la movida no ha sufrido tragedias, algunos de sus personajes han padecido luctuosos dramas personales. Es el caso de Josué Vásquez, animador principal del movimiento UnderPop y uno de los músicos más carismáticos del circuito, quien ha perdido a su padre semanas atrás. Situación similar atravesó Óscar Cirineo, músico conocido como Galactic Seed, cuyo progenitor falleció en junio. El oroíno no dejó pasar mucho tiempo, empero, para publicar nuevo álbum.

Que no es exactamente lo mismo que nuevo material. Nazca consta de nueve composiciones inéditas, las cuales permanecían sin pulir en los discos duros de Cirineo. Aunque no se ha especificado si éstas cubren un periodo de tiempo definido, bien puede arriesgarse la cifra de dos años: quizá desde la primera parte del 2019 en reversa hasta 2017 como máximo -dato este último que sí confirma el autor en las notas de su BandCamp.

Poco puede afirmarse sobre el proceso afrontado por el buen Óscar para terminar, empaquetar y publicar estas pistas bajo el presente título. Vertebrado por bleeps acrimoniosos y beats de techno diluido, Nazca resuelve gran parte de las dudas estilísticas que había regado su predecesor, Sonidos Del Sol (como dije en su momento, mal paso tampoco era). El juninense ha tenido a bien repescar carcasas geométricas construidas sobre aquellos continentes emergidos gracias a la electrónica posterior al auge rave, sobre todo el IDM y el ambient-techno. Consciente o no, esta decisión implica un regreso al modus operandi que cultivase entre Tecnología Desconocida (2012) y el Trascendental EP (2015, última de sus producciones para Chip Musik y con el nombre de Semilla Galáctica).

Con todo, el giro de 180° no ha significado sólo volver. “Poco puede afirmarse sobre el proceso afrontado por el buen Óscar...”, escribí en el párrafo anterior. Al escuchar Nazca, no puedo evitar pensar en la portada del -esperamos los fans que ahora sí- último disco de Pink Floyd (The Endless River, 2014). Galactic Seed conjura efluvios estelares en este trip más allá de las estrellas y del Tiempo, a la par de recuerdos ancestrales. Similares a las del filón apolíneo de cualquier cosmovisión andina, las imágenes evocadas también indican la búsqueda de un fin en el origen y viceversa. Es allí donde puede entreverse la doble funcionalidad de Nazca: actividad o ejercicio con que disipar el dolor por la pérdida de un ser querido, y catarsis estética con que hacer frente al duelo. Cuando te ha tocado pasar por una experiencia semejante, lo menos que te interesa es calificar...

El Jefazo retorna con un esférico de aura tan perniciosa como la que blandía su debut hace tres años.

Sin modificaciones en el line up (Renán Monzón en batería, Carlos French en bajo, Bruno Sánchez en guitarra), el power trio limeño se ha transformado en un Pulso Gravitacional devastador, capaz de dar cuenta de todo lo que le salga al paso/se le ponga enfrente. La veteranía ganada ha afilado las salientes doom y stoner de su sonido sludge, descargando en poco más de media hora siete cachiporrazos atestados de riffs de atronadora contundencia, de ejemplares blast beats que deben ser la envidia para cualquier banda menor del ¿género?, de la gravidez sangrante de un bajo que parece haber estado acondicionado en Júpiter...

Todo arropado tras un volumen que, en vivo, debe ser potencialmente dañino. Por eso prefiero no asistir a un directo del terceto, aunque me lo piense para constatar qué tanta producción puede rastrearse en sus trabajos. Este Simbiosis tiene todos los visos de haber prescindido de ella, lo cual habla de una terna que se acomoda muchísimo mejor sobre la tarima de un evento que entre las cuatro paredes de un estudio. En todo caso, la falta de mayor producción no hace mella en el impacto de la mortífera compactadora en que se ha convertido El Jefazo.

Ésta incluso se traga el menor intento de conducirla por parte de cualquiera de sus integrantes -o de los tres a la vez. Si las opresivas revoluciones de “Serpiente” dan la impresión de ir a media máquina, a partir de “El Hedonista” la adrenalina se apodera del trinomio, empujándole hasta niveles de monstruosos riffs ensordecedores. La iracundia no cede en “Pulsión De Muerte”, si bien se matiza en “El Daño Está Hecho”, que se convierte en el punto de inflexión del plástico. Tras él, sólo queda una seguidilla de paradas -“Uranai Baba!”, “Poltergeist”, “Drone Gato”- que adoptan cada una las múltiples formas y estados de ánimo posibles contemplados en el espectro del sludge, alternada e indistintamente.

Asfixiantes ráfagas de materia oscura, pasajes subterráneos de maligna texturización nebulosa, ambientes abisales que te aovillan hasta combustionar o lograr que cruja todo tu armazón óseo -lo primero que suceda... Lo de Simbiosis es una (otra) rotunda piedra de toque con que adornar el mosaico del stoner de sabor nacional y encarar la agobiante oligofrenia diaria causada por la neurótica vida urbanita en el Perú. A Candlemass y a Josh Homme les han de brillar los ojos cuando le escuchen.

Heredero de ese thrash que viniese al mundo durante los agonizantes 70s, el fastcore o speed punk ya ha cosechado sus primeros adeptos entre los millennials incas. A pesar de no conocerles y de la exánime información disponible en Internet, se me ocurre que la gente de Dom Dimadoom pertenece a esa categoría generacional debido a su alias, creativa deformación del nombre que en Latinoamérica -Don Dimadon- recibe el insoportable multimillonario ¿texano? de Los Padrinos Mágicos (The Fairly OddParents, dibujo animado emitido en el 2001 y que alcanzó diez temporadas).

El epónimo estreno -vía Entes Anómikos- ha sido grabado entre octubre del 2018 y enero del 2019, y publicado a fines del pasado marzo. Créditos de BandCamp hablan de mezcla y masterización, pero la estruendosa bulla que ahoga los canales de audio, la velocidad casi inhumana que asesina al conjunto y la brevedad del vinilo -ocho temas en menos de diez minutos, un metrónomo debe estar marcándoles como mínimo 250 bpms- dan pie para cuestionar tamañas afirmaciones.

Las consecuencias de un sonido tan infame como el de DD se materializan en puro terrorismo del Ruido, mismo que depara infiernos maravillosos a quienes aún hoy niegan las evidentes virtudes de cualquier forma de “música” que no haya salido del conservatorio -la mayoría de ellos tiene una estaca clavada en el culo, que con mucho gusto estos chicos empujarán hasta que salga por delante arrancando cuanta entraña encuentre en el camino, cual alien irracional. Las borrascas ferrosas de fecunda y proterva ira con que Dom Dimadoom azota refrescantes guiños a la cultura pop, tales como el nombre del cuarteto, el falso cover de “Come Out And Play” de The Offspring (“Rptr”), el guiño de las cuatro cuerdas a “Hot Stuff” de Donna Summer (“Producto2”), o el uso de la voz original de Homero Simpson para nuestra región (“Pesménos”); constituyen signo inequívoco de que no es precisamente perspicacia lo que le falta a chibolos y chibolas de hoy, a quienes a veces pulpineamos tan fácilmente. Se agradece el baño de vitalidad, Rodrigo (bajo y voz), Mijel (guitarra y voz), Álvaro (batería) y Eros (guitarra y voz).

Hákim de Merv