Schmerz: EP // Culto Al Qondor: Tannhäuser Tor

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 11 de marzo del 2020.)

Ateniéndome a cierta consonancia vibratoria, si descontase algunos pasajes del debut de Blue Velvet (In Event Of Moon Disaster, 2018) y algunos otros más del Dante Gonzáles posterior a Diseñar Y Construir (2001), puedo jugármela afirmando que Schmerz debe ser el primer acto peruano cuyo ADN se construye a partir del minimal synth y de la coldwave. No son éstos los únicos componentes que figuran en su genoma sónico, donde tercia el dark-gothic, pero sí son los que más resaltan en cada nucleótido.

Schmerz es el unipersonal de Khrome Hitam Laga -desconozco si ése es su nombre verdadero-, quien canta en alemán e inglés. Para los directos, cuenta con el concurso en las vocales de una tal N (¿de “Nana”?). Enrolado en el batallón de InfraVox Records, el alias ya ha ofrecido unas cuantas tocadas a despecho de ser bastante bisoño -me sorprendería que sobrepasase el año de existencia. Lo interesante es que esto último no le pesa en contra.

Se hermanan en el escuetamente bautizado EP la aparatosidad del gothic a lo The Wake (US, no UK), el pop sintético fundido en gris -cuando no en negro- y la letal albura gélida de la coldwave, encajándose las piezas dentro de una estética que favorece sistemáticamente la constitución de armazones minimalistas. Es gracias a este inteligente subterfugio ornamental que Schmerz evita dejarse apabullar por la raigambre kitsch de su secuencia genética, logrando contenerla y dosificarla. El resultado asalta tus tímpanos nada más empezar “Lies”: un cliché que elude el cliché -ingenioso eso de “minimal dark”.

“Let My Heart Die”, “Mein Schmerz” y la mencionada “Lies” recorren estos senderos de nieve negra y noche eterna plasmados desde una monacal economía de conceptos. También lo hacen “Blindead” y “Shooting Star”, si bien éstos no tienen reparos en olvidarse de las bases synth para intentar -sólo intentar- saltar hacia la electronic body music (aguas que KHL ya ha probado como Monöchrome, junto a Nana Aray). El hecho de que “Blindead” sólo complete media acrobacia, con esa voz que parece entonada por el mismísimo Belial, da pie para hablar de un “baile de los condenados”.

Debut en corto redondo, que hará las delicias de los fans de estos subgéneros y de los seguidores del limeño -insólitamente, europeos en su mayoría.

Sorteando la escisión temporal -el baterista Aldo Castillejos radica desde hace ya algún tiempo en San Francisco (Estados Unidos)-, Culto Al Qondor se las arregló para lanzar en mayo pasado su segunda producción, que consiguiese presea de plata en el recuento anual perucho 2019. No satisfecha con semejante proeza, el 15 de agosto último la banda anunció en su página Facebook la inesperada salida de nuevo material. Indicaba el posteo que se trataba de un mini-álbum, y señalaba rumbos algo distintos a los trajinados tanto en Templos (2017) como en Electricidad (2019). Entonces no se previó que el mini-LP tardaría en aparecer hasta febrero del 2020 vía BandCamp, ni que el vinilo recién se publicase hace menos de un mes.

Hoy se conocen, gracias a Miguel Ángel Burga, bajista y frontman de CAQ; muchos de los detalles relacionados a Tannhäuser Tor. Se sabe, por ejemplo, que “Part 1” y “Part 2” formaban originalmente un solo gigantesco track de 29 minutos -que acaba dividiéndose fade in/fade out mediante por obra de Joel Álvarez, encargado de grabación y mezcla del Electricidad. Se sabe además que el nombre del esférico, revelado desde el posteo de agosto, fue escogido porque el mismo día que se grabó (19/7) había fallecido el actor Rutger Hauer -quien encarnase al icónico replicante Roy Batty en el legendario film Blade Runner (1982). Lo más importante quizá sea saber que Tannhäuser Tor es consecuencia de un ensayo que quedó a centésimas de ser abortado: el batero de sesión Renato Sauri no pudo llegar a la cita, por lo que Burga y el guitarrista José Antonio Flores a.k.a. Dolmo decidieron abandonarse a improvisar utilizando como micrófono el celular de Miguel Ángel. Media hora después, para reponer fuerzas los implicados hicieron un alto que se extendió durante otros treinta minutos, escuchando lo que se acababa de grabar. El resto es historia.

El disco, entonces, carece de batería. Eso no implica, por otro lado, que sea huérfano de rítmica: hay una chamba de manipulación de frecuencias y, sobre todo, una persistente iteración drónica en la guitarra; rasgos que nimban a ambos números de TT de una aureola de síncopa prácticamente intangible -o al menos lo suficiente para no interferir con la fisionomía convulsa pero también expansiva y disipada de este jam equiparable al viento solar. Climas magnéticos, sedantes, nebulosos; muy en la línea de lo mostrado en Electricidad, que al space rock de los capitalinos inspirado por Agitation Free, UFO o Brainticket integraba la retórica de la Berlin School. La novedad reside ahora en un acercamiento al post rock de los 90s, guiada la dupla Burga/Flores por la heredad de Flying Saucer Attack, A Silver Mt. Zion o Jessamine.

Entremés cósmico y acaso pretérito, como la luz que nos llega desde estrellas del pasado que tal vez ya no existan, Tannhäuser Tor ha sido planchado en vinilo por la recién estrenada Worst Bassist Records. El sello, propiedad de Lulu Neudeck -bajista de los teutones Electric Moon-, se especializa en space, post punk, motorik y drone music.

Hákim de Merv

Martia Pelepsi: Un Verano Silencioso

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 4 de marzo del 2020.)

#AguanteChile

Rubricando la honrosa tercera posición que viene sosteniendo desde los 90s la escena independiente chilena frente a sus pares latinoamericanas de habla hispana -y ya no es tan descabellado hablar de un segundo puesto, Argentina se ha dejado estar muchísimo tiempo-, hace por lo menos dos lustros se ha cimentado al sur de Arica una estirpe de creadores polifuncionales capaces tanto de articularse a uno o más grupos como de labrar interesantes carreras en solitario componiendo música y letra, acompañándose para los directos de colegas allegados cuando es menester. El inmenso Cristian Heyne -Christianes, Shogún, Tormenta- fue su precursor, cuando se extinguía el siglo pasado, y seguramente también es su figura mayor; lo que no obsta para elogiar otros ejemplos conspicuos de ese linaje, caso Alejandro Zahler o José Tomás Molina (de quienes ya he hablado antes en este espacio).

Sobre el papel, el músico Carlos Torrejón cumple con todos los requisitos conducentes a su adscripción a esta casta. Natural de Concepción, región tradicionalmente considerada cuna del rock chileno, el penquista hoy radicado en Santiago se ha enrolado en muchas bandas de diverso pelaje y duración dispar. De todas ellas -Fosfeno, aM BattOm, Cannguru, Analogic Disorder Attitude, Transistores, Lovecraft-, sólo he podido audicionar material completo de las dos últimas: de ahí, valga la aclaración, mi uso de la muletilla “sobre el papel”. Formaciones ambas oriundas de ‘Conce’, independientemente del género que cada una esgrime (post punk Lovecraft, rock alternativo Transistores), noto en el guitarrista una peculiar sensibilidad garagera -que se ha trasladado corregida y aumentada a su nuevo proyecto.

Martia Pelepsi nace en el 2018. Hacia noviembre de ese mismo año, y por espacio de doce meses, tienen lugar las sesiones de lo que a la larga será su debut en 33. El trío, que completan el baterista Gonzalo Jessen y el bajista Raúl Lorca (respectivamente a izquierda y derecha en la foto), manifiesta en redes practicar un post rock ‘somático’. Quizá justamente por eso, la arquitectura de Un Verano Silencioso (2019) tiene más de sencillo y honesto indie noventero que del post rock 2.0 de Mogwai y compinches. Porque lo de ‘somático’, ni planeado se evidencia mejor: las monocromáticas líneas espiraladas que bosqueja la eléctrica de Torrejón (a) Turk 182, la simplicidad de las formas que sombrea el bajo lorquiano, la descomplicada geometría apolínea que profesan la drum machine y las baquetas de Jessen; cuajan sonoridades profilácticas -cuando no efectivamente curativas- que ayudan a contener el estrés de la vida común y silvestre basculando entre el pop independiente y el de “vanguardia”.

Estas características, presentes en por lo menos cinco de los seis instrumentales que acoge el estreno, son enfatizadas por el registro de las cuerdas con el micrófono de un celular y por la edición de ese input con -digamos- software de bolsillo. A la vez, dicho proceso sitúa al álbum en territorio indie y subraya ese urgente minimalismo expresivo inherente a la poética del garage.

El estallido social que vive Chile desde octubre último no podía menos que dejar su marca en Un Verano Silencioso. Algunos de los temas han nacido producto de la conflictiva cotidianeidad que ahora palpita el hermano país austral, como el cierre “Sanar” -hay títulos que lo dicen todo-, “Hombre Caminando Bajo La Lluvia” o la apertura “Temporada De Luciérnagas”. Otros, como “Se Acerca El Invierno” o “Coma (Umma Song)” (que Carlos dedica a su querendona bull terrier), han obtenido su mezcla definitiva ya en el marco del diario convulsionar mapocho. Todo esto, es evidente, no se traduce en un LP sobrecogedor y doloroso -ni mucho menos. No son el post rock o el indie de los 90s demasiado proclives a la representación dantesca de realidades dramáticas/traumáticas -pero tal vez sí los primeros estilos que se me vienen a la cabeza si se trata de sublimar aquellas terribles experiencias. Gracias a la dilatada extensión de sus tracks y a la ¿“ciclicidad”? de sus motivos y estructuras, UVS le atina al doble cometido de disipar la tensión del Chile urbano sedimentada en la psique y descargarla con ejercicios sonoros de conducción casi zen.

La única excepción del disco: “Billy The Spleen”, corte dedicado a un héroe de juventud (Billy Corgan, de Smashing Pumpkins), único momento equidistante entre el post rock químicamente puro y la pleamar indie de décadas atrás.

Hákim de Merv

Memorias De Un Continente III

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 19 de febrero del 2020.)

Por diversas razones, nunca se me presentó la oportunidad de comentar un título de la serie Memorias De Un Continente, que cada tanto prepara InfraVox Records. Para quienes no lo ubican, es éste un sello peruano especializado en sonidos electrónicos derivados de los que pululasen a principios de los 80s en el Viejo Mundo. Su catálogo, no es ocioso precisarlo, se nutre de artistas provenientes de Latinoamérica y -en mucha menor medida- del resto del mundo.

Después de editar el primer volumen en el 2016 y el segundo al año siguiente, la discográfica de Jacobo Levy se tomó un tiempo para hacer lo propio con el tercero. Esto aconteció en noviembre del 2019, con lo que queda en entredicho esa afirmación incrustada en las notas de BandCamp de “una compilación por año”. Formalidades aparte, en medio de la desmodernidad que nos ha tocado vivir, donde quedan cada vez menos barreras estilísticas y el purismo es prácticamente inhallable; encuentro recontra válido que exista una plataforma en sintonía con iniciativas de otras latitudes como Peripheral Minimal Records o Atemporal Records -con la notoria diferencia de que InfraVox no se consagra a recuperar los tesoros minimal synth y coldwave escondidos en el ayer, sino a testimoniar los del hoy.

Memorias De Un Continente III se ha maquetado implementando algunos no-tan-ligeros cambios. Lo que se percibe apenas iniciada la reproducción es un tangible golpe de timón hacia el electro-dark e incluso el gothic de los 90s a lo Cleopatra Records. En esta nueva línea, sobresalen formaciones como la mexicana-estadounidense Un Hombre Solo (“Solo”) o la del cuate predilecto de la label, Stockhaussen (acompañado de la rusa Anna Utopian en “Multiverso”). Este acercamiento al Lado Oscuro más artificioso no es la única novedad.

También me parece que el criterio de selección del material ha priorizado una aproximación a la cárdena estética marmoleada que manejase en la última década del siglo pasado October Deutschland, subsidiaria del conglomerado sueco Energy Rekords y casa de proyectos como Esrange, KieTheVez y Children Within. Satis de Chile (“Crvel”) y Antiflvx de Colombia (“Cristal”) pueden servir de ejemplo para plantear-y-defender esta hipótesis. El tuétano electrónico inherente a la nómina IR no se ha visto, pues, traicionado; pero sí ha abandonado (¿momentáneamente?) el blanco níveo para teñirse de teatral negro.

La cuota de diversidad, nunca ausente en ninguno de los episodios de la saga, la acreditan en la presente ocasión dos nombres: el del peruano Dante Gonzáles y el de los brasileros Werther Effekt. El primero se acomoda en el contexto de InfraVox como pedrada en ojo tuerto -pero, dados los recientes ajustes practicados en ...III, el synthwave de su “Colapso Geomagnético” destaca como pisada sobre la arena impoluta. En cuanto a Werther Effekt, a quienes secundan las españolas Aurelia Dinamita y Ana Sita en “Pesadelo E Nada”, la desfachatada impericia entre tontorrona y aterradora de la que hacen gala me recordó, más que a los Residents, a Los Iniciados, el delirante/escarapelante proyecto paralelo de Marta Cervera y Servando Caballar (El Aviador Dro Y Sus Obreros Especializados).

Tiempo de remarcar el innecesario hándicap del muestrario. Esta reseña se ha escrito sobre la base de las pistas colgadas en el BandCamp oficial de la disquera, actualizadas al 19 de febrero del 2020. Recalco la fecha porque en realidad se trata de “previews” de dos minutos de extensión en promedio. Si revisas tanto el Memorias De Un Continente (I) como el ...II, advertirás que los tracks están completos, pero al momento de su primer upload también se componían únicamente de “previews” -lo que encuentro, desde todo punto de vista, harto criticable. Ni siquiera puede justificarse aduciendo fecha de estreno físico: el lacónicamente denominado EP del limeño Schmerz salió el viernes 21, y la totalidad del mismo ya podía ser escuchada online el mismo 19.

Hákim de Merv

Los Saicos: Unreleased Recordings! (Garage Punk Rock'N'Roll Peru '65 - '66) EP // Laghonia: The New Juggler Sound Underground Recordings (Psych Rock Garage From Peru '65 - '69) // Reducidos: Represión § Opresión EP //Fukuyama: Los Días Son Aterradoramente Calmos EP // 27 U H F: Spectrum

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 12 de febrero del 2020.)

LOS DISCOS PERUANOS DEL 2019 QUE NO ALCANCÉ A RESEÑAR (III)

(Recuento sobre EPs varios y un LP que nadie consideró... hasta ahora.)

Resulta cuando menos ridículo que, llegada la temporada de balances anuales, algunas voces/plumas se pongan quisquillosas/cachacientas cuando se empieza a enumerar los discos publicados los últimos doce meses y se incorpora a aquellos que carecen de correlato en el mundo real. Digo, ¿en qué siglo viven? El acto de crear música implica exactamente el mismo esfuerzo bien enrumbe el master para la fábrica, bien se le suba a cualquier plataforma online para escucha y/o descarga pagada/gratuita. Así que no es broma eso de las doscientas referencias en promedio que alcanza, desde hace algunos años, la actividad de la escena peruana independiente al finalizar el calendario.

En el 2019, la otrora hiperactiva RePsychLed Records colgó en su cuenta oficial de BandCamp dos volúmenes de arqueología sonora inestimables por diversos motivos. El primero, aparecido en marzo, es el Unreleased Recordings! (Garage Punk Rock'N'Roll Peru '65 - '66) de Los Saicos. El segundo, nada más arrancar noviembre, es el The New Juggler Sound Underground Recordings (Psych Rock Garage From Peru '65 - '69) de Laghonia. Ambos, sumados, no llegan a los treinta minutos; por lo que no es exagerado calificarlos de EPs. Más que por el orden de salida, procedo observando la antigüedad de sendas formaciones.

Unreleased Recordings!... EP rescata seis tomas distintas del repertorio de Los Saicos -disculparás la licencia, no me acostumbro a llamarles Saicos a secas- que es de dominio común desde su rehabilitación en vinilo y en CD. Imposible calificarlas como simples ensayos: todo apunta a que pertenecen a las “sesiones” previas al registro definitivo de cada uno de los seis singles que pusieron a la venta los cuatro de Lince. Cuadraditas, precisas, en caliente y con el entusiasmo desbordado: así lucen las versiones instrumentales de “El Entierro De Los Gatos”, “Fugitivo De Alcatraz”, “Te Amo” y “Salvaje”.

De otro lado, las tomas de “Cementerio” y “Camisa De Fuerza” lucen con el reverb desmontado, sin resentirse por ello la fuerza primordial que inspiró su nacimiento y encarnó en ambas. El talento auroral a lo cavernícola-en-trip de Erwin Flores, César Castrillón, Rolando Carpio y Pancho Guevara está allí intacto -con el plus, en “Camisa...”, de un intro en el que se cuela la voz del ingeniero encargado de la grabación.

Estos tesoros fueron encontrados por Andrés Tapia, frontman de RePsychLed, después de una larga y exhaustiva búsqueda en los archivos de la desaparecida Dis-Perú. Aguantaron más de medio siglo conservados en viejos y desvencijados carretes de cinta. No sé cuánto ha logrado la remasterización practicada en MCA Studios con la aprobación de los Saicos sobrevivientes (César y Erwin), pero el sonido de este EP virtual es sencillamente fulminante.

El de Laghonia es un caso más complejo. RePsychLed le anuncia como adelanto de un nuevo esférico de material inédito, tal como ocurriese con el Unglue (2005, compendio de versiones alternativas y out-takes del estreno Glue, 1969). El nombre induce a la confusión, pues remite a New Juggler Sound, encarnación anterior del grupo y punto de inicio de una saga que terminase con We All Together y el malhadado experimento disco de The Rollets. Aunque la fase NJS fue documentada con una recopilación epónima de lujo (2013), parece que los rumores sobre el más de un centenar de canciones compuestas durante los tres años que existió el quinteto son verosímiles.

De los cinco surcos que conforman The New Juggler Sound Underground Recordings (Psych Rock Garage From Peru '65 - '69) EP, sólo “Speed Fever” ha sido previamente editado (en Etcétera, 1971, segundo y último capítulo de Laghonia). Aquí se le escucha en modalidad ensayo. El resto -esto lo escribo teniendo a la vista todos los CDs existentes de Laghonia y New Juggler Sound- ha permanecido inédito hasta noviembre pasado.

El sonido es menesteroso, por desgracia. Las condiciones en que tales grabaciones han sobrevivido casi el mismo tiempo que las de Los Saicos han sido, presumo, menos favorables. Es, con todo, suficiente para permitirnos apreciar en breve y de manera mucho más profusa aquello que ya se vislumbra en este extended “promocional”. A saber: una rápida evolución desde melodías empapadas de pop británico esencialmente beatlesco, como “Waiting” y “Thousand Miles From My Love”, hacia formas propias del tórrido psicodelismo que imperase entre finales de los 60s y principios de los 70s, como “‘65 SCA” y “Once Upon A Time”.

Lo que hubiera sido degustar apropiadamente estas delicias de vibrante lisergia unas veces amateur y otras plenamente gestada, escondidas por cinco décadas, sin la cáscara con que las rodea la pobreza aural del registro.

Mientras se aguardan nuevas sobre el futuro de Perra Vida, suspendido tras la deserción de su cantante Diana Matos, dirijo tu atención hacia el proyecto paralelo de su guitarrista Alejandro Delgado. Reducidos graba su primer extended en Lima, chamba que realizaran Gonzalo Porturas y Giovanni Lama, y encarga mezcla y masterizado a Will Killingsworth (en Dead Air Studios, Massachusetts). Exactamente como hiciese PV con Eterno Retorno, sólo que tres meses antes.

Además de Alejandro (guitarra), Reducidos son José (voz), Leo (batería) y Beto (bajo). Que yo sepa, Represión § Opresión EP no cuenta con edición física, aunque se le acredita a Circle One Records y Mala Muerte Discos. La difusión de combo y extended se ha dado básicamente a través de programas especializados de Internet. Tocadas y reseñas, muy pocas todavía.

Escucho a Reducidos y pienso en Joy Division. Obviamente, no el del Closer (1980) o el del Unknown Pleasures (1979), sino el que todavía respondía a la denominación Warsaw y tanteaba el terreno que separaba al punk de su correspondiente post (“Digital”, “Ice Age”). Entiendo, empero, que la comparación es excesiva. Más ajustado a la verdad, por ende, es sostener que el cuarteto me recuerda a Malditos Poetas; ese terceto de los 90s del que hoy nadie guarda memoria -no he visto que alguien se haya tomado la molestia de digitalizar alguna de sus dos maquetas-, y del que Óscar Malca (a) Sigfrido Letal escribiera que levantaba “una fortaleza sobre un charco de sangre”.

Represión § Opresión EP, pues, fluctúa entre el DIY punkoide más clásico y el naciente post punk de fines de los 70s. Cuando bracea acercándose al Año Cero 77, su energía es demoledora e incluso frikeante (“La Bestia”, “Odiado”). Cuando se sumerge en la otra alberca, se/te infesta de grises trepidantes y guitarras flamígeras, abducido por una voz equivalente a la de un aguardientoso Mark Smith tercermundista (“Subordinados” y la excelente “Pinto De Negro”). Constantes de principio a fin: el pulso orgiásticamente iracundo del bajo, el nada asolapado nihilismo de las letras, la emoción disparada como desde las entrañas de un géiser. Por lejos, mucho más recomendable que lo último de Perra Vida.

Asaz arriesgado el viraje que ha implementado con su segundo EP Fukuyama, ahora convertido en dúo, pero ya en conversaciones para volver a corto plazo al formato trío.

Hasta el 7’’ escuetamente bautizado Single (febrero del 2019), que vertebraban “El Fin De La Historia” y “Canción Para K”, la entonces terna surconeña manteníase fiel al estandarte del noise rock más agreste -como proclamara su epónimo extended debut (2018). Lo mostrado en Los Días Son Aterradoramente Calmos EP comporta para el sonido Fukuyama una suerte de atomización: si antes el rock ruidoso que practicaba era uno, hoy es trino, ponderados sus principales componentes según el track al que le des play.

El artefacto abre con la pista homónima de esta entrega, cuatro minutos y medio de dinámico y farragoso rockeo lindante con el noise, que sí puede reconocerse como sucedáneo de “Océano” o “El Almuerzo Desnudo”. En cambio, “Blister 2mg” trashuma tirado para el punk e incluso el hardcore, sin obviar del todo el Ruido.

El cierre del EP, “Palestina”, es lo más desconcertante que hayan grabado Gonzalo Pichihua (batería, teclados) y Juan Pablo Villanueva (guitarra, voz, teclados). Con un título así, y conociendo la postura pro-palestina de Villanueva en el conflicto árabe-israelí, me esperaba una molotov tipo “Thieves” de Ministry o “Holy Wars... The Punishment Due” de Megadeth. Todo lo contrario: “Palestina” es un número pop, con su poco de agónica distorsión eléctrica, donde sobresalen mejor que nunca los teclados. Verdaderamente inesperado.

Próximamente en el universo Fukuyama: una placa recopilando los ocho temas expelidos a la fecha, de inminente aparición, y otra enteramente armada con material de reciente factura.

Rubricada en marzo del 2018 su segunda jornada completa, Eternal Sunset, 27 U H F desplegó a partir de septiembre del mismo año una seguidilla de lanzamientos cortos que le mantuvo en activo trece meses. El problema es que aquí prácticamente nadie se dio por enterado. Sea por la exigua divulgación, sea porque el scrolling de la tablet o del celular nunca es 100% eficiente, no son mínimas las posibilidades de que se te escapen noticias concernientes a artistas de extramuros como éste. Felizmente, tampoco son escasas las posibilidades de que el Azar acuda al rescate.

Tres EPs y un split con Babefake han pavimentado el camino de Marco Luján de un LP a otro. Ni en los tres primeros -Lust EP (2018), Fantasma EP (2019), Caribbean Dreams EP (2019)- ni en el último -ｉｎ ａ ｎｉｃｅ ｐｌａｃｅ (2019)- encontramos canales que hayan sido reciclados en Spectrum, el más reciente larga duración de 27 U H F, lo cual habla a las claras de un fecundo periodo de creatividad.

Desconcierta un poco el que su tramo inaugural, que va de “U-Matic Memories” a la efímera “ＬＵｘＸｘＵＲＹ”, nos haga echar en falta la borrosidad kitsch que el vaporwave ha adoptado cual marca registrada. Sección de sonidos cristalinos, aparentemente confeccionados en serie, esta impresión se desvanece con “Spectrum 1”. Junto a “Spectrum 2” y a “Spectrum 3”, esta tríada establece un perímetro que -ahora sí- guarda en su interior todas las virtudes que han encumbrado a 27 U H F como el más célebre exponente peruano de vaporwave. Sintomáticamente, estos tres números contienen sampleos ultradeformados identificables con la señal ochentera de Panamericana Televisión. No por nada PanTel es considerado el proveedor de sampleos vaporwave por excelencia -de la misma manera que el Centro Comercial Camino Real es el espacio público hypnagogic definitivo en Lima (cf. portada del Fantasma EP).

Viejos comerciales de la Pepsi (“Spectrum 1”) y de la desaparecida Telestéreo (“テレステレオｔｅｌｅｓｔｅｒｅｏ８８ｆｍ”), muestreos sonoros de la versión que hace la insufrible Vikki Carr del bolerazo “Total” (“R▲DIO F▲NT△SM▲”) y del jingle paródico de Pataclaun “Pan Con Mantequilla” (“Mighty Manty”, también guiña a la mantequilla homónima que se hizo proverbial gracias a un spot publicitario de la época), esquirlas de reportajes periodísticos sobre la convulsa vida nacional de los 80s (“Spectrum 2”) y del cover -injertado de drum’n’bass- que hace el intragable Julio Iglesias de “Por El Amor De Una Mujer” (“女性の愛のために”, la original es de otro inefable, el asturiano Danny Daniel -quien acusa robo de parte de papito Iglesias-)...

En la medida en que han hecho gala de sampleos cuya cualidad inherente es notoria, rasgo que convierte a cada uno de estos fragmentos sónicos en poderosos referentes capaces de evocar per se un eco cultural definido, los discos de 27 U H F son arcas que dotan de nuevas vida y luminosidad a los vestigios de nuestro imaginario pop común -exactamente como lo propone el canon vaporwave. Spectrum es un plástico divertido y también nostálgico. Así y todo, sigo esperando a que Marco se supere a sí mismo con una rodaja que salte la valla impuesta por Nostalglitch (2017). Por ahora, Spectrum sirve para extenderle el crédito.

Hákim de Merv

Afrosky MF: 13 // Siam Liam: Sul Da Pradaira // El Otro Infinito: EOI // Lego 13: Trece (El Final De Una Década) - Lados A & B

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 5 de febrero del 2020.)

LOS DISCOS PERUANOS DEL 2019 QUE NO ALCANCÉ A RESEÑAR (II)

(Tanda dedicada a Chip Musik Records.)

Toda la paciencia del mundo se tomó Afrosky MF para recién animarse a debutar el año pasado. Y, como si quisiera recuperar el tiempo perdido en decidirse, lo ha hecho por partida múltiple. En efecto, los cuatro largos colgados en Spotify -que no uso- consignan al 2019 como fecha de aparición. De todos ellos -X1x, If You Want, Second Hand 420 y 13-, sólo el último ha sido además publicado a través de Chip Musik, lo que no me deja de causar extrañeza. El dúo, amén de aportaciones para escuderías aliadas como Dorog Records -Panoramas: Una Visión A Los Horizontes De La Nueva Música Limeña, revisado hace siete días-, ha colaborado asiduamente en las compilaciones de la serie Lego. Llegó a editar, para más inri, el 7’’ virtual UVE (2018) bajo el código de catálogo ChMR​-​Single​-​010.

(La única certeza en torno a 13 es que el propio binomio formado por Elihu Orrego -sintetizadores, bajo- y Marcelo Fernández -sintetizadores, guitarra- le considera el álbum debut, tal como afirmó su página Facebook cuando anunció la salida vía Chip.)

Se hace un tanto difícil localizar coordenadas fijas para el opus de un proyecto ciertamente electrónico cuya naturaleza no excluye las cuerdas ni un alto porcentaje de organicidad funk/jazz/rock. El swing asociado a las músicas de raíces negras que acabo de listar queda trasplantado a comarcas binarias ni bien suena “Jaxx”, ruidosa apertura preñada de dub. Con el derrotero predeterminado, las eléctricas matizan la electrónica en diversas proporciones: pueden hacerlo hasta lograr mostrarle indefinida (“Relax”), o enfocarse en el groove atravesando tupidos filtros de rascuacha fidelidad electro (“Afrokaoss”). Algo similar ocurre con el free-noise-jazz-out de la levantisca “NoiseFun”, con las dos versiones de “AcidLatino” (¿o debería decir “AcidLatino” y su ulterior reprise?) donde los beats se revuelven intentando emular primitivas zarabandas, y con “Águila Destroy” -su tempo dislocado alude a ese “arnés lunático” del que se jactaba en los 90s el rey de la melodía cubista, Mike Paradinas (a) μ-ziq.

Sólo en una oportunidad, AMF es tentado a olvidar el swing para abandonarse en brazos del vanguardismo digital que empezase a dar sus primeros pasos hace tres décadas. “Huaca” principia como una construcción IDM de barnices irreales, pero no es lo suficientemente seráfica para evitar la irrupción de las cuerdas. Estreno de eclecticismo a la legua, asistido por Henry Ronceros (batería), Nelson Hernández (guitarra) y Mako Moya (sintetizadores, teclados).

Bastante más tiempo que Afrosky MF se tomó Siam Liam para su puesta de largo. Guiñando no pocas veces en Sul Da Pradaira a ese mood sonoro que ¿entendemos?/¿sentimos? los latinos, la performance del enésimo alias de Alexander Fabián se advierte más relajada y ordenada que la del tándem Orrego-Fernández.

El simétrico intelligent techno que exorciza Siam Liam accede a acoplar una guitarra en medio de la avalancha de efectos, secuencias y softwares varios. Diría que hasta puede considerarse esta “licencia” su invisible punto de apoyo, al emprender la elaboración de esos lienzos donde el Ruido y la Melodía se trenzan a puño limpio -porque eso es lo que hacen. Las consecuencias de esa riña no se conducen según la a estas alturas ya manida ecuación con que se prefiere simplificar al shoegazing, sino que equivalen a melodías distorsionadas prestas a surcar informes sueños líquidos de cálidas otredades.

IDM embebido de noise que se comporta como noise embebido de IDM, el coctel que prepara Siam Liam se sirve usando distintas presentaciones. Puede trepidar como el jungle (“Triângulo Prânico”), predisponer a la duermevela como el vaporwave (“Asuis”, rework del sencillo del 2015 que incorpora un sampleo de The Wonder Years), desnudar al techno (“Escrito A Ciegas (Paisajes En Transmutación)”), mimetizarse con la indietrónica (“Menina Dos Anos 90s” o “Caçadora, Há Dois Gato Cantando No Telhado. Gatinha E Gato Velho” -el consabido tributo felino que nunca está ausente en la obra de Fabián-)...

Bizarro ambient modal para diluir el surrealismo manante de los viajes que realizamos cada noche al cerrar los ojos. Al son de estructuras sugeridas, bases corroídas y atmósferas chispeantes, siempre se sueña mejor.

Qué rara sensación me embarga al escuchar lo nuevo que Alfonso Noriega ha despachado usando su nom de guerre de El Otro Infinito. El también Prados Perfectos se ha distanciado unas cuantas millas de las genealogías que alimentaban su música hasta El Abismo En Cada Objeto, uno de los tres EPs que liberase en el 2018. Era ese extended una suerte de correctivo para la hoja de ruta, que habíase desviado un tanto con 21. Ahora, en cambio, El Abismo... luce como el último estertor del intelligent techno habitual durante la etapa que va de su aparición (2014) al 2017.

No obstante, códigos como el ambient, el IDM o el chill out mantienen presencia en el “acrónimo” disco EOI. La paradoja se resuelve cuando notas que lo que realmente se ha desvanecido es el pathos vinculado a estos sonidos. Piezas del talante de “It Fate.”, “Bela’s Dream” o “Canción De La Más Alta Torre” fatigan parsimoniosamente la acuciante aridez en la que desemboca el centrarse excluyentemente en las atmósferas, en las texturas -y ningunear al beat.

No del todo, por cierto. La excepción a la regla es “Sintas”, corte proto-industrial donde más nítidamente destaca la guitarra, y por añadidura limbo equidistante entre aquello que fue El Otro Infinito y aquello que quiere llegar a ser en lo sucesivo. Claramente, todavía no lo consigue: por más que surcos como “Amanece(s)”, “Amapolas” (rework del track incluido en Fever, su LP del 2017) o “DH1” (de nerviosidad declinante) invoquen insistentemente a Global Communications y a los Sabres Of Paradise más ascéticos; aún hay rumbos que recorrer, fases que atravesar, procesos que madurar.

El horizonte plantea una incógnita enorme sobre el unipersonal de Noriega, pero EOI da como para mirarle entre pasmado y expectante.

La idea detrás de cada entrega de la serie Lego es ofrecer un registro colectivo articulado en torno a un concepto. Este último no necesariamente proviene de los actuales responsables de Chip Musik, Jorge Rivas y Alexander Fabián, pero sí cuenta con su aprobación final.

No adivino si Lego 13: Trece (El Final De Una Década) tiene aspiraciones epocales. Su título no tiene por qué interpretarse más allá de un sentido literal: le sirve a la discográfica, entonces, para cerrar las persianas de los últimos diez años y encarar la entrada al tercer decenio del siglo XXI. La ocasión amerita que el Lego 13... sea doble, aliciente para priorizar a grupos y solistas peruanos, sin olvidar a bandas de otras latitudes que se han integrado a la label o cuyas estéticas le son convergentes.

En el primer capítulo del Lego 13..., subtitulado como ‘Lado A’, los convidados extranjeros son el combo español-colombiano Empty (con el juguetón IDM cuasi-polifónico de “DischargeA01”) y la artista usamericana LI (“Face” es un cadencioso y opaco cruce de bliss pop, lo fi e indie). Cinco casillas más se destinan a nombres por lo visto bastante cercanos a la órbita Chip: El Enano Siniestro (cuarteto aparentemente muy versátil, “Camino A La Guarida Del Diablo” habla de una faceta post rock de filiación electrónica), los prometedores Solenoide (indiegaze de baja fidelidad en “Centinela”), Cashiari (“Criatura Sin Control”), RA (fogoso post house el de “Mutation”), y el buque insignia de la flota pop peruana, Silvania (“En La Playa Del Olvido”).

El resto pertenece a las filas del catálogo: Miyagi Pitcher (“Origen (A. Pizarnik)” pasa como out-take de su reciente Abraxas, oscilante entre el IDM y el vaporwave), Xtredan (cuyo “Vrillon 1977” recuerda mucho a la estética primigenia de los Artificial Intelligence de la Warp), Alcaloidë (una ‘flatulenta’ “Entelequia”) y Puna, con la que tal vez sea la mejor composición de su comentadísimo Sukha -“Ultramar”.

22 convocados, 17 connacionales, 5 provenientes de distintos puntos del planeta.

El segundo capítulo del Lego 13..., subtitulado como ‘Lado B’, es un tanto más representativo acerca de los manjares sonoros que anidan en el regazo Chip. Para empezar, cuenta con más artistas enrolados bajo sus banderas, practicantes de los géneros dilectos de la independiente y empeñados en expandirles. Tales son los casos de la enigmática entidad Philko, que ensaya una simbiosis de trip hop y post house aún fermentando (“Tetris”); del chileno Rodrigo Mardones a.k.a. Música Casual, cuyo “Electro-Tribal” es harto colorido en comparación con la metodología de grabaciones de campo ejecutada en su primerísimo Untitled (si bien la duración acaba difuminando en algo la sorpresa); de la intangible exhibición de bricolage electrónico a cargo de la arequipeña Yume Station (“Operator”); del ominoso “El Último Vuelo Del Hada” de El Otro Infinito, tal vez el rezago culmen de IDM-a-la-usanza-antigua que le queda al chaplín de Alfonso Noriega; del evocador ambient noise de Siam Liam (“Sul Da Pradaira”), y del excelente tema nuevo de Ionaxs, “El Regalo De Las Nubes”.

Otros, como el del individualista mapocho Luis Venegas (a) Argades o el de Mongo No Stars, van por senderos consonantes. El primero decrece revoluciones a niveles de minimal noise con “Galería Subterránea”, mientras que el segundo hibrida techno, proto-EBM y ecos del sonido The Shamen en “La Bestia”, hipnótico canal dance.

La cuota de diversidad es cosa de allegados como el trío mexicano Acty (agradable noise pop en “Nada Es Lo Que Quieren”, tiene editado un larga duración en Chip), el dúo Gelatina Magma (“Nuestros Días”, número al que Giancarlo Samamé y Ángela Ruesta le están sacando el jugo) y Les Replicants. Aportes en varios documentos colectivos me conceden margen para afirmar que este trío fundado en Huamanga se comporta sumamente maleable -y más importante aún, con mucho oficio. “Ilumíname” tonifica aquello que en los 80s se conoció como “psicodelia”, mostrándose su sonido vagamente deudor de Loop.

Los dos volúmenes de Lego 13... constituyen un remarcable esfuerzo que ha venido gestándose durante casi medio año. A diferencia del devastador estío que vivimos en el 2019, es ésta una perfecta compilación para afrontar el verano más bien suave de este 2020. La variedad de registro podrá ser menor que la exhibida por las recopilaciones de Dorog, pero debe recordarse que en ello incide el que Chip Musik Records sea el sello nacional IDM/post IDM por antonomasia -además de muy afín al shoegazing.

Las portadas son cortesía de Ángela Ruesta.

Hákim de Merv