En El Fin Del Mundo, Hasta El Fin Del Mundo

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 24 de marzo del 2021.)

Ciclópea, ardua, extensa. Son éstos, y otros análogos, los calificativos que se granjea la compilación con que se presentase en sociedad en agosto último la discográfica santiaguina EMA Records. La novel plataforma, a la que he mencionado no hace mucho a propósito de su segunda referencia de catálogo, ha sido montada por los camaradas chilenos Óscar Burotto, Ottavio Berbacow -es decir, LEM al completo- y Juan Pablo Claro.

En El Fin Del Mundo, Hasta El Fin Del Mundo no es un muestrario excluyentemente mapocho, empero. Ni mucho menos. Nombres pertenecientes a las escenas de avanzada situadas al sur de Tacna, como Embassador Dulgoon, Insecto, Spiritu (la nueva identidad del genial Cristián Heyne), LEM, Diego Morales (Fredi Michel), Trimex Collective o el quilpueíno MUBE; se intercalan con genuinos tótems vanguardistas del Primer Mundo. En efecto, concurren al llamado el austriaco Fennesz, el británico Peter Rehberg (a) Pita, el virginiano Mark Nelson en modo Pan·American, el también usamericano Matthew Azevedo a.k.a. Retribution Body... Juntos y revueltos, ahorman poco más de dos horas de un titánico esteticismo ambient -que oscila entre el bliss pop y el aislacionismo, que salta desde el glitch lúdico hasta la aleatoriedad de los clicks’n’cuts, que va del post rock a la electrónica.

Debido a las pantagruélicas dimensiones del documento, lo escindo en dos mitades para tentar un acercamiento algo menos general. Por suerte son 20 pistas, la abrumadora mayoría de ellas inédita, y cada decena dura una hora y minutos.

Dispara Spiritu el pistoletazo de salida en la hipotética primera parte del “díptico”, con una otra muestra del talento insular de Heyne: su “Sp_1” bracea en medio de asperezas bliss asiéndose principalmente de intervenidas voces loopeadas. Sin repetir el recurso, rutas equivalentes -si bien menos originales- circundan “Still Shimmer” de The Humble Bee y “Cada Año Habrá Menos Palabras” de Trimex Collective. No es que se desvanezca el componente bliss en lo sucesivo, sino que se ventila desde otros (sub)niveles, ubicados éstos siempre al interior de músicas de notorias intenciones decorativas.

“Gyrosphere Starflight” de Embassador Dulgoon explora una veta ambiental cristalina, inclinada hacia sonoridades de ascendencia étnica, minada también por Insecto (“Domic”). De otro talante es Pita (“DS Complete”), sin embargo: Rehberg opta por un ambient subsumido a la vocación experimental del ruidismo avant garde, como suele ser su costumbre. Idéntico sino marca las colaboraciones de Ben Vida (“The Untitled”) y de Oren Ambarchi (“Pas Le Bebe”). Las vibraciones seudo-rocktrónicas de Greg Fox (“Sotaviññāṇa”) y la basal oscuridad dhármica de Retribution Body (“Forest Path”) redondean este primer tramo del panorámico.

El segundo se apertura con el paso en falso -inane, bastante plano- de Abul Mogard (“To Drown Out The Ocean”). Felizmente y pese a su dilatada duración (casi doce minutos), el resbalón se olvida pronto gracias a “Espejo Para Alondras”, surco en el que Cacciuttolo catapulta el ambient al dominio de los clicks’n’cuts. Pan·American se encarga de contrastar éstos reciclando en “April 27 ‘63” el bliss que había pasado a segundos planos y añadiéndole generosas pinceladas de post rock, un sendero en el que se interna igualmente Diego Morales (“Valle Misterioso”).

Conforme progresa este segundo segmento, se acentúa el ingente uso del lenguaje electrónico: “Sunday Evening” de Fennesz (glitcheo de colores cálidos), la novísima “Abyssus Abyssum Invocat” de LEM (me suena parcialmente inspirada en Satie), “Dielie” de MUBE (de afiladas programaciones/secuencias), “Sagas” de Chiodata (que parece refundarse a sí misma/recomenzar constantemente)... En El Fin Del Mundo, Hasta El Fin Del Mundo cierra las persianas con sus números más lúdicos: “Esplendor Asymetrica”, de Philippe Petit, y “Rain Trails”, a cargo de los compas italianos de 大雨-Ooame.

Tremendo esfuerzo de EMA Records, tanto en convocatoria como en réditos artísticos. El largo saldo a favor pone las expectativas al tope respecto de nuevas entregas de similar corte.

Hákim de Merv

Chino Burga: Letanías Remixes

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 17 de marzo del 2021.)

Más allá del plausible gesto de destinarse la recaudación de sus ventas a Niños Del Río, ONG que vela por los infantes sin hogar de Lima, encuentro harto fascinante lo plasmado en Letanías Remixes; artefacto que -digamos- reconfigura muchos de los pa(i)sajes sonoros gracias a los que el debut de Miguel Ángel Burga usando nombre civil (2020) adquiere volumen y espacialidad.

Concebido totalmente en do menor, para dicho estreno el frontman de La Ira De Dios conjuraba ambient no electrónico, post rock de este lado del Atlántico, shoegazing de baja resolución y psicodelia toscamente minimalista. Cómo preservar la fragorosa esencia de ese maelström a cámara lenta y transmutar simultáneamente a éste en un homogéneo dark ambient electrónico cerrado sobre sí mismo, comporta tremendo pase de vueltas apenas superado por el hecho de no ser obra de una única inteligencia, sino de siete distintas.

Antechamber, Danny eM, Desert Drone, Acavernus, IO, Eyes Gone y Halv Drom. Sean o no connacionales -de todos ellos, sólo ubico al peruano Danny eM-, estos actos remodelan algunos de los segmentos dispuestos en el Letanías original. ¿“Segmentos” en lugar de “temas”? Por supuesto: tratándose de dos viñetas hiperbólicas, que sobrepasan cada una la veintena de minutos, el modo más creativo de diseccionarlas para la remezcla de rigor es elegir tramos específicos -pero así y todo el uso del término “remezcla” asoma discutible.

Hablaba de un pase de vueltas líneas atrás. Pues eso: qué hacer con el fragmento seleccionado depende de cada testa, por lo que no deja de sorprender que las siete hayan puesto manos a la obra como si estuvieran sincronizadas. Si bien unas y otras acreditan ascendencia electro, ello no garantiza la coincidencia de planteamientos que se ha producido aquí. Por principio de cuentas, se ha respetado el único ingrediente subyacente a en-la-práctica todo proyecto en que Burga es protagonista excluyente: el drone -que Letanías Remixes mantiene a niveles subcutáneos. A partir de ese reservorio, cada alias ha reconducido el magma sónico de Miguel Ángel utilizando a conveniencia el arsenal de técnicas/tácticas estéticas ofrecido por la audiogalaxia electrónica.

“Acavernus Remix” y “Saeztti Remix”, por ejemplo, utilizan fantasmagóricas bases proto-industriales. La primera, sin embargo, prescinde del más leve andamiaje rítmico; mientras que, en la segunda, Danny eM enrostra una programación tímidamente trance. Por otro lado, “Halv Drom Remix” vira hacia el post techno de Raw Russian y Virtual Ground, en tanto “Eyes Gone Remix” late atragantándose de la incesante pulsión consustancial al ambient binario.

Lo enigmático es sentir casi físicamente en el balance que el output preponderante de la jornada es tributario del obsesivo ambient sibilino/esotérico despachado desde escuderías de punta como Cryo Chamber o Drawing Room. Las tempestuosas atmósferas micrónicas que se suceden en ondas de choque despedazándose contra pétreos acantilados, latigazos incluidos (“Expansión Remix”, de Desert Drone), han reconvenido a escala digital el macizo pedigrí drónico del autor en este Letanías Remixes -el disco que firmarían unos Tomorrowland en shock barbitúrico, nada más.

Hákim de Merv

Sihuas Infuzzión: Cutrismo // Gelatina Magma: Zapatos Ardientes EP

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 10 de marzo del 2021.)

Es posible que Cutrismo sea el Waterloo que intuyo puede llegarme (diferido) el día menos pensado -la constatación tangible/irrefutable de la validez de un imperativo biológico que impida seguir asimilando músicas nuevas normalmente al promediar los treinta. No me resistiré, de ser el caso, a la única salida digna que me quedaría por delante -la del “retiro”. Sin embargo, ¿qué tan probable es? Ensayo un alegato, con la esperanza de que tal vez no sea yo, después de todo.

Sihuas Infuzzión es el proyecto unipersonal del joven músico Nelson Balta Bustamante, ancashino como los Desert Gang. Residente en Huaraz, las canciones que integran su debut se gestaron en los varios periodos de cuarentena sanitaria decretados durante el 2020. Concluido el proceso a inicios de noviembre, Cutrismo es colgado en el BandCamp del individualista el seis de enero, promocionado desde esa misma fecha por Dorog Records como su primer lanzamiento del año.

Salvo que exista un “affaire” previo, siempre reservo la mejor disposición para encarar las nuevas publicaciones que van llegando a mis manos/a mis ojos/a mis oídos. No siendo distinta la figura en relación a Sihuas Infuzzión, el estreno me ha provocado enorme desasosiego. Asentado queda, tanto en la sumilla de BandCamp como en la nota promocional, que el volumen refleja la confluencia de muchos y muy diversos géneros: hay, en efecto, rastros de jazz, drum’n’bass, vaporwave, dub, harsh folk, electrónica, prog rock, gotas de trip hop y de lounge... Estos lenguajes rara vez prevalecen en tal o cual canal: Balta les mantiene en constante cubileteo, de modo que un mismo número puede empezar en clave jazzera y electrónica, y terminar absorbido por el progre barnizado de downtempo (“Otra Noche Bajo La Lluvia”).

Por este diletante zigzaguear, Cutrismo debería hacerme recordar a un artefacto como Entroducing... (1996). Por desgracia, SI no es DJ Shadow. Una cosa es ser versátil y otra harto distinta ser superficial. Aunque algunos tracks tienen lo necesario para funcionar -“Recuerdos De Una Rave” y su trance a punto de desbocarse que implosiona anticlimático en un amasijo de ambient y new age, los deformados ecos andinos de “Tétrica Fiesta Patronal”, el jungle de acústica guitarra de “Adheridos Estamos”-, la inmensa mayoría de ellos no pasa de ser un rosario de frankensteins con los trozos cosidos tan a la mala, que las suturas quedan expuestas. Entonces se resquebraja el espejo en que aparecía el Entroducing... y ocupa su lugar Será (2001), el desafortunado segundo y último disco de Asido Tubalius.

Cutrismo pudo quedar en “regular” o en “discreto” no sólo debido a las excepciones enumeradas. El manejo de los sampleos merece algo de crédito, lo mismo que ese reprocesamiento a través de filtros y cribas que imposibilita determinar a ciencia cierta si estás paladeando un sampleo, la voz de NBB o la del invitado Gustavo Ezequiel Almaraz. Lo que pudo ser un álbum en extremo bizarro simplemente se queda en “malo” por esa licenciosa cuota de (puaj) trap y sobre todo de (puajjjjjj) reggaetón con que el huaracino demerita su primer esfuerzo. “Pacay (𝘌𝘯 𝘦𝘭 𝘮𝘰𝘯𝘵𝘦 𝘥𝘦𝘭 𝘭𝘶𝘨𝘢𝘳)”, “Sencilla MIDI - Fuga + D𝘦𝘮𝘣𝘰𝘸”, “Ocho Eucaliptos Y Un Felino”, “Anhelos De Una Flauta Con Gallos”: cuatro ejemplos de cómo cagarla grandiosamente, insertando mierda de subproductos prefabricados.

¿Errores típicos de la noviciada? No necesariamente. Mal que bien, la escena ha dado su buena cantidad de pasos hacia adelante desde los 90s. Muchos debutantes demuestran que hoy no tienes por qué patinar en tu primer intento, sino todo lo contrario -cf. Dafne Castañeda.

Por cuanto el material que proporcionan para el comentario es bastante exiguo, no soy nada amigo de reseñar singles. Me constriñen a hacerlo las excepciones, sí, pero para calificar tienes que ser un Christian Galarreta, un JJ Castro o un Mario Silvania. O haber firmado un 45’’ jodidamente macanudo.

Descontando la cadenciosa “Fotografía” incluida en 4 EP, placa temática que reúne aventuras tanto de Ángela Ruesta como de Giancarlo Samamé (al alimón y por separado), Gelatina Magma no se manifestaba con título propio desde noviembre del 2018 (Una Nueva Era). Hace poco más de un mes, el grupo inauguró cuenta en BandCamp anunciando la inminente aparición de nuevo extended. La expectativa quedó un tanto desinflada ante la comprobación de que en realidad era menos un EP que un single.

Formalismos a un costado, la relevancia de Zapatos Ardientes EP radica en lo que podría considerarse un pequeño pero importante cambio de dirección en el peregrinaje de la sociedad Samamé-Ruesta. Y es que los ‘brasilerismos’, ésos en los que a veces se ensimismaba el dúo y que adherían aún a “Fotografía” a la carta de navegación configurada por trabajos precedentes, ahora han desaparecido casi del todo. Su lugar lo ha tomado un pop de granítica lozanía, que literalmente refulge a cada nota que avanza. Donde más queda en evidencia la sustitución es en “Lava”, la pieza que funge de lado B -ejercicio de fino pop estilizado a golpe de hiperactivo medio tempo, cuyo contagiante vigor hizo que me acordara de la mejor versión de The Sundays.

Con todo, es el lado A del “extended” el que cosecha los mayores elogios. “Los Zapatos De César Vallejo” puede tomarse de distintas maneras: homenaje al aedo de Santiago De Chuco (la voz masculina sampleada declama con perfecta dicción un fragmento de “Los Pasos Lejanos”, poema del canónico Los Heraldos Negros, 1919), despedida ¿definitiva? a los sonidos de fragancia carioca (revolotean brevemente hacia el cierre del tema, reemplazando los arreglos pentafónicos del inicio), declaración de amor hacia un pop sedimentado a partir del trip hop (no sería la primera vez)... Cualquier posibilidad tiene las mismas chances de ser y no ser.

La única constante válida para ambas caras es la cálida y dúctil voz de Ángela Ruesta, en seráfico estado de gracia. Su registro en “Los Zapatos...”, entonando el poema de Haydee De Benavides inmortalizado en el libro Presencia De La Mujer Peruana En La Poesía (1971), es el contrapunto soñado para la performance vocal del vate sampleado. Corren las apuestas con miras al próximo disco largo -que, presumo, será igualmente producido por el capo Neto Pérez.

Hákim de Merv 

LEM: Portonazos EP // Ascendente: II

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 3 de marzo del 2021.)

#AguanteChile.

Un histórico de la movida en el hermano país sureño regresa a las andadas...

...luego de algunas enmiendas consecuencia de imprevistos en la voceada hoja de ruta. Empiezo por escribir que LEM ha regresado a su primigenia fase binomial. La salida de Roberto Rowe, quien como parte del grupo se presentara en la séptima edición del festival Integraciones (Fundación Telefónica del Perú) y cuyo trabajo quedase registrado en el bootleg oficial En Vivo Yellow Moon Fest 05/04/14 (2014), deja solitaria en cubierta a la mancuerna fundadora.

De los tres nuevos lanzamientos que LEM anunció a su paso por Lima, tampoco llegó a saberse más. En aquella ocasión, y aprovechando la revisión de 13, “three-way CD” de 1997 al lado de Cáncer y de Shogún; la entonces terna mencionó una selección de material grabado en el periodo ‘96-‘05, otra colección de inéditos -40 minutos- que sacaría en cassette la escudería ETCS, y un esférico firmado por los tres. Ninguno de ellos se ha concretado a la fecha -el disco motivo de estos párrafos, publicado a fines de noviembre último, se acredita únicamente a Óscar Burotto y Ottavio Berbacow.

Portonazos EP, que de extended sólo tiene la chapa, marca así el retorno discográfico del combo experimental ad portas de cumplir 25 años de existencia (obviando el hiato ’99-’07, claro está). Lo hace insuflando de renovada vitalidad muchas de las características siempre presentes en su output: el citado 13, la crucial panorámica de Pulsos (1998, jornada que es a la escena experimental chilena lo que Compilación I del colectivo Crisálida Sónica a su equivalente peruana) y sobre todo el lejano debut en largo Música Para Películas De Ciencia-Ficción De Bajo Presupuesto (1999, señero opus del avant pop mapocho que lamentablemente es inubicable en Internet, pero que he escuchado gracias a la generosidad del compa valpeño Raúl Cabrera).

Declarada desde el título mismo de Música Para Películas..., LEM atesora una cualidad cinemática consustancial al sofisticado ambient de terciopelo digital que el tándem permite manar sosegado, como si éste recorriese un lecho libre de recovecos. La maña de Berbacow y Burotto radica en enyuntar este ambient 50/50 cristalino y disonante a las aristas ásperamente evocadoras del post rock, de tal manera que escuchas los dichosos recovecos y tumbos sin que de veras estén allí. Esa onírica alquimia tiene lugar en la colorida “Arquitectura Fallida” y en la acuática “Crepuscular Pero Inquieto”. En la mejor tradición minimal del Eno profeta del ambient, la tenue/liviana guitarra de esta última se amplifica en el enérgico “OST Para Portonazos”, número con que mandar a la chucha el ego y disociarse un rato de esta realidad que a veces nos malogra horrible el equilibrio interior.

Edita la santiaguina E(lectronic)M(edia)A(ctivities) Records, flamante label también curadora de una recopilación que quita el hipo, a comentarse próximamente: En El Fin Del Mundo, Hasta El Fin Del Mundo (2020).

Orbitando la galaxia binaria centrifugada por Un Festín Sagital y Thanatoloop, territorio que todavía no me atrevo a mapear a conciencia dada la inconmensurable vastedad con que acojona, Ascendente ha extirpado desde las entrañas su segundo esfuerzo el 5 de agosto del 2020. Bautizado lacónicamente como II, a prima facie esta rodaja puede ser entendida como una extensión de lo que mostrara el homónimo entrée (2014), cuyas resonancias entre cadavéricas y ultraterrenas sorteaban con solvencia el lugar común de la negrura casi material alcanzando picos verdaderamente dantescos -planteando de paso la pregunta sobre si lo del terceto era post rock, o si no cabría mejor catalogarlo como “meta rock”.

En la práctica un mini-álbum, II consta de dos canciones y dos instrumentales, intercalados; que se emparejan mejor con su ‘opuesto’ vecino -y que consolidan, más notoriamente en el formato cassette, un rostro diferente del trío para cada lado. Con “No Hay Condena” y “Nuestro Otro Despertar”, el A irradia una oscuridad que no cuaja ni mórbida ni amenazante; pese a la grima alimentada por las sordas moquetas tonales confeccionadas a partir de aquello que puede llamarse “drone de fantasía”.

Bastante más accesible es el equivalente al lado B, donde asientan sus reales “Y Resistirán” y “El Siguiente Buen Camino”: dosificadas las atmósferas cargadas a que la banda se engancha tan fácilmente, son aquí bienvenidas las explosiones secas que fulguran efímeras en las inmensidades penumbrosas.

¿Y, en buena cuenta, existen elementos comunes a toda la obra de Ascendente dispuesta en la placa? Unos cuantos, sí: las oblongas miradas instrumentales (erupcionando hasta en los tracks cantados), las soledades sublunares donde se pierde la mente mientras las notas de II brotan de los parlantes/headphones, el shoegazing de antimateria codificado en el ADN de cada pista... Un símil notable, creo yo, lo resume más adecuadamente: “Es como si el The Cure del Disintegration se animara en el post rock, enfocándose más en el sonido que en la estructura” (Iván Aguayo, de Bahía Mansa). La alusión es categórica: por debajo de lo post rock/“meta rock” que nos pueda parecer el armazón calcáreo de Ascendente, el aroma de Robert Smith circa 1989 logra colarse trayendo a la memoria por igual a “The Same Deep Water As You” y “Homesick”, a “Prayers For Rain” y la pieza homónima de ese irrepetible plástico. Me atrevería a ir un poco más allá, afirmando que tanto “No Hay Condena” como “Y Resistirán” tienen algo cureano en sus letras, aunque quizá sólo sea idea mía, deslumbrado/sugestionado por el brillante parangón del músico chileno.

Ascendente son Rodrigo Astaburuaga en batería y percusión electrónica, Carlos Lazcano en bajo, producción y ruido; y el inagotable Michel Leroy en vocales, eléctrica y efectos. Otro planeta que explorar en los confines de ese sistema estelar dual.

Hákim de Merv

Sergio Zevallos · Atem: Piezas Para Acciones E Instalaciones (1999​-​2019) // Sacre-X: Paraísos Artificiales // Hypernaut: Ozymandias // La Agonía De Desear Existir: Blind Them With Kindness // 27 U H F: Rare Tracks/The Last Love Letter/Holograms

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 17 de febrero del 2021.)

LOS DISCOS PERUANOS DEL 2020 QUE NO ALCANCÉ A RESEÑAR (IV)

Sergio Zevallos (59) se define como nómada de múltiples actividades artísticas. En otras palabras, un polímata. Llegó a Alemania en 1989 gracias a Chaclacayo, colectivo de performativa visceralidad que cofundase siete almanaques antes junto al también peruano Raúl Avellaneda y al tudesco Helmut Psotta. Chaclacayo se extinguió en 1994, estando aún en territorio europeo, afincándose Zevallos un año después en Berlín (donde vive hasta ahora).

En octubre último, Buh Records curó una concisa selección de las composiciones sonoras de Zevallos, quien nunca estudió música pero siempre se sintió atraído por ella. Prueba del punto al que llegase esa seducción es la declaración del artista mismo al respecto (“esa necesidad de ritmo volvió a infiltrar lo visual”), reproducida en la consabida sumilla de BandCamp. Todo lo que alguna vez haya realizado en ese campo artístico -ejecución de instrumentos, escritura de arreglos, edición de sonido- se halla por ende asociado a una formación autodidacta muy emocional, justificándose su corpus entero en función de aquello para lo que fuese creado. Esto es: acompañar/musicalizar/potenciar performances que examinaban los contrapuntos entre la vida humana puertas adentro y su gemela pública, que interrogaban las relaciones de poder y autoritarismo, o que especulaban sobre el cuerpo, el comportamiento y el deseo.

Atem: Piezas Para Acciones E Instalaciones (1999​-​2019) está integrada por seis episodios, correspondientes todos a intervenciones efectuadas durante el lapso de su estancia germana, mas no todas dentro de esas fronteras. El equivalente a un hipotético lado A está consagrado a Alemania, donde se grabaron entre 1999 y 2002 “Cello”, “Fragmentos” y el surco titular. El equivalente a un hipotético lado B ilustra, por el contrario, la música de sus presentaciones sobre suelo patrio -“CHTP N°3” y las dos partes de “Callejón Oscuro”, entre el 2013 y el 2019.

La producción sonora de Zevallos se funda en la técnica de la fragmentación y el desmontaje. Extractados de grabaciones de campo realizadas por el propio autor, tanto ruidos como sonidos vocales son reensamblados prescindiendo ineluctablemente de sus contextos de origen. Retazos, jirones y partículas dan lugar a loopeos modulados que se trasgreden y superponen unos a/contra otros (el ejemplo palmario es “Callejón Oscuro Pt. 1”). Se erigen de esta manera soundtracks imaginarios que subvierten/invalidan las nociones inherentes a lo que entendemos por “música”, rindiéndose finalmente a la atonalidad. Como dijese de John Cage el chileno Gustavo Celedón, “hacer música fuera de la música”.

“La honestidad ante todo”, escribí hace no mucho en estos bytes. Pues eso.

Cuando me agencié un ejemplar, habré escuchado unas cuatro o cinco veces La Muda EP (2013), del joven músico Carlos Andrés Ortega. Aunque estaba notoriamente adscrito a la tradición de cruda ruptura que emprendiese Crisálida Sónica al promediar la segunda mitad de los 90s, el extended era más un croquis que un boceto o que una maqueta. No me gustó, lo cual demuestra que no todo aquello que ice estandarte de vanguardia tiene forzosamente que ser bueno -otra muestra: el epónimo EP de Fluorescente Solar.

Siete años después, Ortega se encuentra radicando en Berlín. Establecido allí desde hace algún tiempo, el peruano ha publicado Paraísos Artificiales, estreno de su nueva identidad: Sacre-X. Desde la estructura semi-conceptual que postula, el esférico dista muchísimo de aquel primer amago. Paraísos... saluda y se despide con sendos segmentos de cuatro episodios arracimados entre sí, cual tour de force. Circundando su punto medio, asaltos en cantidad de tres, en los que más de manifiesto se pone la gradual transición de lo analógico a lo digital que empieza sutilmente desde “Mar” y que embandera la montaña con “Ctrl - Z”.

En efecto, mientras que la apertura “Uno” parecía afilar todas las salientes propias de la experimentación sonora más radical, “Mar” las suaviza y difumina; transfigurándose constantemente entre el noise, el ambient y el pop. La voz de Carlos Andrés suena opaca pero segura, muy distinta a lo exhibido en el EP. Conforme avanza, y pese a que el registro puede saltar de hipnótico (“Cielo” y sus “campanas tubulares” sobre la mitad) a zumbante (“0 1 0”), Paraísos Artificiales se transforma en un banco de alba neblina limeña que lentamente se vitrifica.

Repescada del extended y convenientemente reconfigurada, “La Muda” es la piedra de toque con que la recargada atmósfera de Paraísos... empieza a lucir menos rarificada, más próxima a realidades de ciencia-ficción entrevistas en discos, libros, films, sueños... El laxo proto synth tribal de “Desierto” va hermanado con el ritualismo futurista de la especular “Espejos”, atemperado éste cuanto más se acerca a su remate -un díptico entrelazado, sin pausa, con que ingresar al postrer sector de la jornada.

En éste se hace más patente que nunca esa (por analogía) fluida sensibilidad indietrónica que discurre en muchos pasajes de PA. Sensibilidad que permea sin determinar el derrotero de estas euritmias. Verbigracia el remanso angélico de “Dormir”, no exento de esquirlas de áspero ruido. Tampoco “Pornografía”, nombre espontáneamente concedido por la extracción de los sampleos que le alimentan -si bien al principio asoma update viral del industrial de SPK circa Information Overload Unit (1981), no demora en adherirse a un meloso ambient de cuatro dimensiones-. Y menos la epilogal “Ctrl - Z”, poliédrico resumen y cierre de un plástico que podría haber firmado un Uwe Zahn mainstream de ética a prueba de bazookazos.

La preventa de la edición física de Discos Astromelia tendrá lugar el 5 de marzo. Aplausos.

Curiosa entente, Hypernaut. Más que en otras que podrían considerarse correligionarias suyas, clasificables como stoner/space/psychedelic garage, hay además en este quinteto una fuerte influencia grunge. Quiero decir, no es que Hypernaut sea epígono sucedáneo de la asonada Seattle, sino que ésta tiene considerables peso e importancia en la constitución del sonido. Lo suyo es, pues, un punto medio entre el escuadrón de grupos -grupazos- stoner que hoy habitan la escena nacional y las unidades a la usanza de Rhor, seminal banda perucha de post grunge.

Lo que está fuera de discusión, en todo caso, es que Hypernaut tiene la mira puesta en los 70s más heavy y en los 90s grunge/stoner. La fuerza y la contundencia de esos estruendosos referentes quedan evidenciadas en “Bad Hombres” y “Panic Attack”, genéricos pero no por ello menos furiosos cortes con que abre el debut Ozymandias. Es éste, cuya denominación le ha sido dada por un célebre poema del decimonónico literato inglés Percy Bisshe Shelley, el fruto de largas sesiones de creación y ensayo sobre todo en el curso del año pandémico -circunstancia que ayudó a adelantar su salida para diciembre.

Podría deslizar que hay tramos de Ozymandias que suenan mejor. Ello presupone otros que, por contraste, suenan peor. En realidad, este estreno no tiene desperdicio: incluso en sus momentos digamos más convencionales, como “Worlogog”, “Atomic Breath” o “Multiverse... Battleworld”; Hypernaut acredita un vigor y una solidez admirables. Esas canciones rugen montadas sobre compactos riffs de guitarras versadas en las tradiciones de Eddie Glass, Buzz Osborne y Jerry Cantrell; riffs bajo los cuales se agita una cumplidora base rítmica.

Si así andan las cosas en sus pasajes más tranquilos, ya te puedes imaginar la constante tormenta eléctrica de números como “(This Is Where I) Draw The Line”, “Cynicism Is Self-Harm” o el tema homónimo; en los cuales los pistones de la maquinaria que impele al combo intercalan patrones no siempre equivalentes, sin rastro de subsecuentes asincronía o pérdida de timing. Virtudes que les han hecho a Martín Cardich (primera guitarra), Gary Saavedra (batería), Juan Diego Stein (segunda guitarra), Miguel Ángel Yugra (bajo) y Santiago Echecopar (voz); receptores de frases como “Se siente como cuando escuchábamos por primera vez todos esos álbumes de los 90s de Sub Pop”, que figura en su BandCamp oficial. Merecidos elogios para una agrupación a la que autenticidad le sobra por todos lados.

Conocí a Carlos Palacios Hidalgo a través de su desaparecido fanzine Entes Anómicos, allá por el 2000/2001. Llevaba adelante, como ahora, una labor encomiable: escribir sobre bandas de las que mayormente no se escribía ni dos líneas, sean nacionales o extranjeras, y editarlas como mínimo por la vía artesanal. Acaso estas ediciones eran insuficientes en cuanto a tiraje, pero no hay que olvidar la precariedad que todavía imperaba en la escena inca a comienzos del nuevo milenio -entonces todo sumaba.

Fundado en 1996, el fanzine ya no existe. Lanzada en 1999 con el mismo nombre, la escudería aún sigue en pie de lucha, premunida de casi las mismas armas con que antes contaba a discreción: capacidad virtual de edición (ésta no), alcance internacional, un catálogo tan robusto como variopinto -de imaginario hardcore punk al momento de su concepción, ya para el cambio de siglo EA rotaba material de todo tipo. Ergo, si la discográfica se halla en camino de cumplir 22 abriles, su único responsable cumple en este 2021 un cuarto de siglo dedicado a esta quijotesca chamba.

Atrincherado en Frankfurt desde hace varios años, CPH debuta como músico/no músico en agosto del 2014 con el 7’’ Noises. Adjudicado a La Agonía De Desear Existir, aunque no es éste su único alias, será el elegido para el presente comentario. El proyecto lleva ya 16 títulos publicados, singles y EPs en su mayoría, bautizados por terceros desde un principio como fricleknoise -que tiene la acepción sajona de “ruido reciclado”. En esencia un término peyorativo, autoasumido es casi siempre sinónimo instantáneo de buen gusto. Ésta no es la excepción.

La Agonía De Desear Existir es la ruta de escape para música netamente percusiva (“C”), sea ésta de ascendencia abstracta/concreta, electroacústica o digital. Como fortificado por una metodología zen, en su seno Palacios desarrolla una especie de bricolage sonoro entre aleatorio y errático, del que Blind Them With Kindness es su más reciente manifestación. Breves telares compuestos por materia prima sónica de diversa laya -desde las idiófonas kalimbas de “D” hasta los ¿sampleos? de “B”-, cuyo rango de complejidad puede ir de la sencillez que brota de una cajita de música (“Out”, donde repite plato el instrumento africano) a construcciones comparativamente más elaboradas (“D”), pasando del registro desnudo (la seca percusión de “C”) al más arropado (los flirteos electrónicos de “G” y “E”). Poco más puede decirse de experiencias tan minimalistas como efímeras, salvo que induce ésta a relajar nuestras células más ignotas al tiempo de crispar las hematíes nuestro flujo sanguíneo.

Próximamente, -​-​-​-​-​-, el otro seudónimo del buen Carlos.

Mira, pues, Berlín por partida doble y Frankfurt, extrapolados al circuito independiente peruano. Ojalá Kamila Lunae haga pronto buen tercio desde Múnich.

En el mismo sentido que lo fue para Vrianch, el 2020 parece haber sido un gran año para 27 U H F. De marzo a julio, el unipersonal de Marco Luján estuvo coheteadazo soltando un álbum tras otro. Verdad que en algunos casos se trataba de reencauchadas según tal o cual ocasión. Ésas, sin embargo, son las excepciones.

En marzo hace su entrada Rare Tracks, compilación doble de 100 minutos y 27 paradas, inéditas casi en su totalidad. Sin haber cumplido esta colección de rarezas dos meses de aparecida, simultáneamente Luján re-empaca el Lust EP (2018), ahora presentado como “Extended Edition” (pasó de ocho a diez pistas); y edita The Last Love Letter, artefacto ultimado con piezas que ya habían sido publicadas. Tanto Lust (Extended Edition) como The Last Love Letter fueron orquestados a petición del sello ucraniano Naughty Night Records, especializado en vaporwave y similares, que ha reeditado una parte de la discografía de nuestro connacional.

Con quince días de diferencia, en julio se cuelgan dos nuevas rodajas. La primera fue la novísima Holograms. ¿La segunda? Un 50/50 con el acto dominicano S.a.x., intitulado On The Road. Por desgracia, el split no ha sido colgado íntegro en el BandCamp de 27 U H F, lo que veda su análisis.

Me enfoco, pues, tanto en el Rare Tracks como en el The Last Love Letter y el Holograms. Del primero, quedó ya dicho que se trata de una recopilación de material que permanecía inédito casi al 100%. Es revelador que la hegemonía de estos rare tracks recaiga en las cepas vaporwave del muzakcore y sobre todo del mallsoft. Hay de todo un poco, claro, pero la balanza está lo bastante inclinada hacia estos subgéneros como para ser indiciaria de posibles direcciones que en lo sucesivo pasarán a tener rol más preponderante: “$OLO ACΣPTAMO$ 𝙑𝙄𝙎𝘼”, “$MUC​-​03”, “C://Camino Real (Mix 2)”, “S̴̨̪͚̫̥̿͒̎̇ͅͅA̸̘̞̝̲̟͘͘͝B̶̡͚̲͇̄́̽̽̉A̷̬͇̥̖̜͓͒̔̒D̵̬̹̙͋̾̀̉̎͗͠O̴̢̻̺̝͔̯̩̰͖͖̿̏́̓̓̈͠͠”, “29 5 30”, “VHS POEM # 1” (el “# 2” figura en el listado del Lust EP), “Listen To Me”, siguen nombres...

Por lo demás, no hay que esforzarse mucho para sustentar la condición que de “inédito” tiene la inmensa mayoría de estos canales. Su acabado es muy rudimentario, bien porque hablamos de demos, bien porque deficiencias técnicas en su grabación las condenaron a estar arrumadas en un rincón. En buen cristiano, el audio es demasiado pobre como para hacer por ellas algo más que abroquelarlas en torno al rótulo de “rare tracks”.

Para The Last Love Letter, la metafísica del pitch que se cierne surrealista sobre la estética del mall gringo se convierte en la principal herramienta dinamizadora. Su huella no es constante, pero deja poco margen a temas digresores como “Your Face” y “Expectativas”, future funk con que rendirse a esa sugestión del loop que no se cansaba de alabar Daniel Lopatin (Chuck Person). Ciertamente, TLLL es un trabajo donde reinan la fantasmagoría de la insatisfacción frente al mundo que nos ha tocado vivir, la GLOriFIcación de un muzak imaginado para sonorizar mil y una ucronías, el colorismo kitsch suscitado de manipular desde nuestra modernidad aparatos y gadgets más cotizados mientras más viejos sean. Propias del material nuevo -“EVR?”, “Meridiano”, el número titular-, estas características se extienden tanto a los rescates (cf. “R▲DIO F▲NT△SM▲ (Instrumental Version)” del Caribbean Dreams EP, “ＬＵｘＸｘＵＲＹ” del Spectrum, “░1░9░9░1░” del Fantasma EP) como a las revisiones (“𝓲 𝓻𝒆𝓶𝒆𝓶𝓫𝒆𝓻 𝔂𝓸𝓾 (𝓇𝑒𝓋𝒾𝓈𝒾𝓉𝑒𝒹)” o “Ｒ♥Ｍ▲ＮＴＩＫ (Extended Reissue)”).

El problema es que, en Holograms, la novedad ha menguado. No se debe esto a un agotamiento de la emotividad retromaníaca a que apelan las visiones psicodélico-minimalistas despachadas aquí por 27 U H F. Se debe a que las sedantes melodías intervenidas para crear relajantes pa(i)sajes de ambient ornamental tienden a ser autoreferenciales de la obra de Luján en conjunto. El individualista parece haberse instalado en una sola línea, y nada tiene eso de malo, como sí el repetir la técnica/el procedimiento casi mecánicamente. Resultado: una cadena de eslabones bastante parecidos, salvo excepciones como el tímidamente hipnagógico “感傷的な女性”. Loops desacelerados que sirven de base para líneas borrachas de sintetizadores (“高利貸し Hipermercado”) y ritmos cansinos (“Larco Ave.”) por igual. Composiciones narcotizantes de futuros abortados (“𝙤𝙧𝙖𝙣𝙜𝙚 𝙨𝙠𝙮”), de un no-lugar (“雨の日”). Todo bien confeccionado, para qué. Se deja extrañar, sin embargo, una variedad que antes era la norma en 27 U H F.

Hákim de Merv

Estación Abisal: Hoy Fue Ese Día // Alan Roque: Tour Colchón (A Sangre Y Fuego) // The Miguel Aragaki Project: Liberación EP // OC & The Only Band: Hope/Rough // Dolores Delirio: Nuclear

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 10 de febrero del 2021.)

LOS DISCOS PERUANOS DEL 2020 QUE NO ALCANCÉ A RESEÑAR (III)

Tras escucharle tres o cuatro veces, y durante algunas semanas, estuve convencido de sindicar al estreno de los huancaínos Estación Abisal como el hype nacional del 2020. No encontraba nada lo suficientemente sustantivo como para justificar la mayúscula repercusión que Hoy Fue Ese Día recibiera entre los colegas de medios especializados. Entonces decidí volverle a audicionar días antes de sentarme a redactar estos párrafos.

En muy pocas ocasiones, un disco que ya conozco ha logrado revertir la primera impresión haciendo click a último minuto. Ésta es una de ellas. La banda formada por Gerald Álvarez, Marcelo Díaz, Carlos Egoávil y Miguel Yauri concibe su propuesta partiendo esencialmente del indie pop español noventero y de sus ulteriores ecos argentinos -Él Mató A Un Policía Motorizado o Las Ligas Menores, por ejemplo. Este desarrollo es complementado por una pluma sorprendentemente solvente, que dota a las canciones de un sólido esqueleto letrístico, y por el insólito genoma new wave que lentamente deglute.

Hoy Fue Ese Día echa a andar con “Expectativas” y “Ansiolíticos”, sendas romanzas de un pop vivaz y zangolotino. Arranque entusiasta, aunque no muy prometedor. Por fortuna, el fugaz instrumental “Mundo” empieza a bajar las revoluciones en el desenvolvimiento del cuarteto, lo mismo que “Precario”. Iniciando la segunda mitad de la jornada, “Inmerso” termina de estabilizarle la mezcla de ingredientes, balance desde el cual álbum y grupo encuentran el tempo ideal y las tonalidades precisas -la disciplinada frialdad de los sintes fiscaliza tanto las emotivas letras como la marcha indoblegable del bajo.

De ”Inmerso” -su peculiar quiebre rítmico también anuncia la intensificación del accionar de la teba- en adelante, viene la mejor parte de HFED. Viñetas ágiles y de ambientaciones otoñales, donde se patentiza la hegemonía de esa suerte de wave garagero antes insinuado. Se ubican en este tramo de cierre “Arritmia” (ni-tan-solapa guiño a “Play For Today” de The Cure al iniciar, a “La Célula Que Explota” de Caifanes al terminar), “Circular” (single de adelanto publicado en noviembre, un mes antes), “Ella Duerme Nuevamente” (indie wave, etiqueta que los propios EA se sacan de la manga para codificar su estilo) y “Retorno Nocturno”. En sus siete minutazos, rematados por un elegíaco saxo crepuscular, es este último el broche de oro que resume las principales virtudes expuestas en un debut después de todo interesante.

Oí por primera vez el nombre de Alan Roque a raíz del lanzamiento de Rock Lima Sur: Compilatorio Vol. 5, hace poco más de tres años. Como algunos otros de los participantes en la compilación, de su pop/rock no había nada más que decir una vez subrayada su correcta ejecución y su transparente simplicidad. La historia detrás habla de un músico que para entonces tenía ya una docena de calendarios ejerciendo, primero figurando en la agrupación 09 Vidas, después solista en el 2015 -mediando una pausa de 36 meses retirado de toda actividad sonora-. La puesta de largo (Tiempos Intensos), que añade a la paleta tinturas de folk acústico y de indie, queda diferida hasta octubre del 2018.

El año pasado, Roque retomó el hilo de su carrera con Tour Colchón (A Sangre Y Fuego), trabajo que obtuvo cierta repercusión en las movidas del cono sur limeño, de las que siempre es complicado que trasciendan noticias más allá de sus lindes. Contrariamente a lo que título y portada pudieran calentonamente sugerir, Tour Colchón... acoge historias de la vida diaria acaecidas en los barrios sureños, que por extensión pueden suceder en cualquier punto de la ciudad-basural-jardín; en el marco de la nueva (a)“normalidad” impuesta por el COVID-19. Grabado con un celular, Roque formula aquí un pop desnudo, sin mayores artificios y de mínimo acompañamiento (“Te Desvaneces”, “En Tu Mirar”). En algunos minutos, como los de “Mi Niña”, “Tu Abrigo” y “Como Ayer”; el guitarrista deja entrever cierta debilidad por la balada -lo que no estaría mal, si no fuera porque aún arrastra mucho hándicap en las letras. No pocas de éstas son bastante lloronas, cuando no patéticas, como en “El Bus”.

La guitarra es, quedó implícito, la médula del sonido de Alan Roque. Mejores pruebas de su talento son las melodías que se acomodan conforme se acerca el postrer aliento del mini-LP, como “Sediento” y “Casandra”, ambas tanto más dinámicas que las anteriores. Sobre todo esta última, que en definitiva puede sindicarse como el punto álgido del CD. El problema, entonces, no radica tanto en la música como sí en las líricas -que tienen unas de cal (“...Arroz Con Huevo Y Té Sabú...”, canta el surconeño en “Como Ayer” al repasar dulces memorias) y otras de arena (“No Soy Muy Inteligente, Pero... Sé Lo Que Es El Amor”, paradinha incluida, en “Tu Abrigo”). Aunque no del todo mal, necesita ya mismo redoblar esfuerzos y seguir quemando naves.

La música de Textura evoca los días en que buena parte de las nóveles formaciones peruanas aún apostaba, cuando los 90s comenzaba su curva descendente, por el ya entonces añoso rock oscurón ochentero -sin todavía inclinarse hacia el gothic: para eso, habría que esperar hasta el surgimiento de Espergesia, Cleopatra y compañía. En 1996, este cuarteto hacía sus pininos con una maqueta epónima que le granjeó el mote de “los nuevos Dolores Delirio”. Ignorando ese rótulo, Textura trajinó su propio camino, distinguiéndose por la rigurosidad de su batería y el infatigable  desempeño  del bajo, pero sobre todo por la guitarra de Virus -en la mejor tradición del fosco dark de los 80s.

Más de dos décadas después, Virus decide saltar al ruedo recuperando nombre civil y arrellanándose en parcelas pop distintas de las que cursó con Textura. Distintas, mas en absoluto opuestas. Quizá el mayor defecto de Liberación EP es su cortedad, que limita un progreso más amplio del sonido que esgrime el guitarrista como principal responsable de The Miguel Aragaki Project, y que inevitablemente polariza sus esfuerzos.

Por un lado, están los surcos como “Madre Noche” y “Tan Lejos”, copados por un pop electrónico interpretado con sobrada destreza, llenos de luz hasta el apolíneo paroxismo, de colores pastel, apenas technificado. Surcos que procuran un adecuado contrapunto a lo que hace, por citar un nombre patrio, Marfilia. Por otro lado, están los cortes que, si bien se hallan lejos de lo que Aragaki ofreciera como Virus, son reconvenidos por algunas de las fijaciones inherentes a su recordado ex conjunto. En este apartado se estatuyen “Náufraga” y “Ahí Van Los Dos”, cumplidoras muestras de un pop enroscándose en torno a la new wave, algo más sobrias y definitivamente más de medio-tiempo cuasi baladesco/secuencias “tenebrosas”/pródigas concesiones literarias al, ejem, “vil sentimiento”.

El punto medio también hace las veces de epílogo. “Agresión Lunar” es de una ejecución impecable, a despecho de su acabado un tanto más rústico que el resto del extended, lo que sugiere un enfoque mucho más darkie. Acaso no sea sino una percepción, lo mismo que la filiación selenita que parece subrayar tanto este track como “Tan Lejos” (estrenada a mediados del 2019 con el título de “Luz Lunar”). En mi opinión, el de “Agresión Lunar” es el camino que debieran seguir Aragaki y compinches -los bajistas Carlos Velásquez y Luis Carrión, el tecladista Douglas Mendoza (que asimismo pone el hombro en los coros)- en sus futuras producciones.

Iba a empezar a escribir estas líneas con el oxímoron “Noticias desde el Primer Puerto del país...”, cuando me enteré de que el protagonista de turno, si bien vivió en Néstor Gambeta, gestó la música de su proyecto en el limeño distrito de San Martín De Porres (y actualmente reside en Surco Viejo). Ni modo, a guardar la muletilla para la próxima.

OC & The Only Band es cosa de Osmar Cubillas, quien desde el 2015 aúpa la plataforma discográfica Decadencia Records -editora de esféricos para los anfetaminizados hardcore punk de Atropello!! y para los stoner psicodélicos de Reptil, entre otros. Lo de Cubillas músico está fuertemente precintado por el rock psicodélico y aún el progre. Más fuerte todavía es la impronta esteticista de la Baja Fidelidad, desde la que construye los dos tomos acreditados a su alias artístico, Hope y Rough -abril y octubre, respectivamente-.

No existen diferencias tajantes entre uno y otro registro, que calzan en el formato de mini-álbum. Lo observable en Hope es un pequeño sistema orográfico de picos que intercalan el lado más asequible del rock ácido de fines de los 60s y un leve barroquismo prog (“Naee Bhoomi” y sus arábigas extrapolaciones, “El Ascenso”), siempre circundados por un enrarecido éter lo fi. Ocasionalmente, hay espacio para otros gases nobles en esas altitudes, como el jazz (“Dreaming”). Y cuando Cubillas se decide exclusivamente por la psicotropía, le sale algo bien barrettesco (la curiosa “La Captura” se torna demasiado densa al promediar).

Su gemelo Rough raramente va más allá de las pautas establecidas por Hope: “Asleep At Work”, “Surf Your Life”, la excelente “The Big Wave”... Son los dos números que completan el repertorio los que se descarrilan, por así decirlo: “Walking Home” y “What’s Wrong With Me?”. Mientras el primero abraza un formato pop, parecido a lo hecho por los arequipeños The Genius Sex Poets, el segundo es poseído por un sulfúreo arrebato punk que sin embargo no le controla de principio a fin.

Vale el esfuerzo, pero la cuesta todavía luce empinada. Progresos sustanciales a implementar con urgencia.

Ni en mis elucubraciones más desopilantes llegué a alucinar que reseñaría nuevamente una obra de Dolores Delirio. Pero ya ves, la vida te da sorpresas, como dice el sensei Rubén Blades.

Hecho científico del que todos/as somos conscientes: del cuarteto que naciera en 1994, hace mucho que no queda nada. De ese durísimo primer golpe que fue la trágica muerte del guitarra original, el recordado Jeffrey Parra, el terceto sobreviviente jamás pudo recuperarse satisfactoriamente. A lo largo de los años desfilaron por las filas de DD guitarristas experimentados -Juan Carlos Anchante de los trujillanos Ego, Luciano Agüero de Cenizas-, ninguno de los cuales logró consolidarse en el puesto que dejase el finado. Y si bien es verdad Parra no era el único artífice del sonido que facturase la banda desde su epónima maqueta hasta su semi-live Dolores Delirio: Bajo Un Envenenado Cielo Plateado (1997), sin su eléctrica fue imposible mantenerse a flote.

Luego del Raíz (2000), primer esfuerzo por cerrar la brillante época inaugural de Dolores Delirio tentando un giro mucho más electrónico para el que el público limeño mayoritario todavía no estaba del todo preparado, las relaciones entre los miembros sobrevivientes comenzaron a agrietarse, precipitándose la separación momentánea entre el 2003 y 2005. De tanto despedirse en directo, volvieron a juntarse reincorporando al batero fundador Josué Vásquez (se había ido en el 2001) y choteando (en el 2007) al cantante original Ricardo Brenneisen. Sólo tres producciones al 2018 -Histeria EP, Plástico Divino, El Camino EP- testimonian, mucho menos que los desencuentros, los pasos en falso, los divismos y la renuncia definitiva de Vásquez; el irregular camino que sigue el combo -en honor a la verdad, un pálido reflejo de lo que alguna vez fue.

Y sin embargo, persisten con Nuclear, aparecido a fines de noviembre último. Una vez más, el grupo trata de reinventarse. Una vez más, el resultado es incierto. Pero de ello no se deriva forzosamente que sea una rodaja maluca. Pasa que Brenneisen (voz), José Iñoñán (bajo primigenio de DD), Janio Cuadros (guitarra) y Roberto Sosa (batería) han tratado de hacer lo que por tantos lustros evitaron -una versión moderna, no necesariamente actualizada, del mítico Cero (1995). Les sale cualquier cosa menos lo que se han planteado: revisión llena de armonías plastificadas que juntas apenas si logran texturas de grosor infinitesimal, la guitarra y el bajo cumplen eficientemente el juego en pared, mientras el set de batería no aporta sino lo justo. En cuanto a Brenneisen, bueno, como vocalista siempre tuvo un techo que nunca ha logrado trascender. Se esperaba que lo hiciera con los años, y en los 26 que lleva de carrera no pudo. Ni con Dolores Delirio, ni con Fauzto, ni con Cómplices Eternos (ni mucho menos con Terapeutas Del Ritmo).

Nuclear tiene el aire medido, y ése es su principal obstáculo. Por momentos, se parece más al Raíz que al Cero -con una producción que recuerda, sin igualar, al Invisible (1995) de los chilenos La Ley. Ausente Vásquez de las baquetas, ausente la magia de Parra en la eléctrica -una herida que, parafraseando a Mario Vargas Llosa, se abre más que cicatrizar con el paso del Tiempo-, la placa carece de mayores brillos. No es que sea deplorable, es que no consigue estampar su huella en la memoria como sí sucedía antaño. “Retrovisor”, “Vulnerable”, “La Suerte”, “Luces”... Temas todos cortados con la misma tijera que “A Veces Tú”, que se salva porque es el primero de ellos y conserva por esta circunstancia su fuelle.

Al final de Nuclear, se cuela un ligero aroma al Cero. Parece que de un momento a otro fuera a materializarse el espíritu de Jeffrey. No, sólo es un hálito, una leve muestra de su aura. Ése es el sacudón que proporcionan “Dioses” y “Sálvame”, pero sobre todo “Imperfecto”, la única pista que llega a tocarme. Lo demás -la pieza epónima, el discreto cover de “Si Tú No Vuelves” de Miguel Bosé- no basta para ser rescatable.

Hákim de Merv