Alcaloidë: Wichq​’ana Ch​’askancha // Nuevas Anormalidades // Nubes Azul Plateado

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 13 de octubre del 2021.)

Apunta la sumilla que de Wichq​’ana Ch​’askancha puede leerse en el BandCamp de Chip Musik Records, que el debut de Alcaloidë fecha en julio del 2007, que responde al nombre de Gliese 581 y que es la referencia fundacional de la label concebida en La Oroya. Con relación a Sensations (febrero del 2009), pues, más de una década se ha desvanecido desde la última vez que este nom de guerre de Alexander Fabián publicase material de estudio en largo.

Lo primero que puede decirse de este Wichq’ana Ch’askancha es que confirma a Alcaloidë como la faceta más ruidosa/ruidista de un músico que sostiene muchas identidades paralelas. En contraste, ni Siam Liam ni Ozono, ni mucho menos Ban And Flap o Miyagi Pitcher; apelan a la cantidad de capas fisionadas de noise digital que invoca de continuo Alcaloidë. Un rasgo invariable que trasciende todos sus trabajos por igual -acaso con la única excepción de Sassy Cat EP (2013), que al menos en mi memoria no ha dejado una huella tan nublada por la barahúnda. El vapuleo decibélico que despachan “Juno” y “Pak Al” pone de relieve esa estruendosa instancia nada más comenzar Wichq’ana Ch’askancha.

“¿Todo en Alcaloidë es bulla y pandemónium, entonces?”. Casi. Aunque un IDM matemáticamente asimétrico sea la médula de la ¿música? registrada bajo la autoría del unipersonal, esa médula se halla rodeada de toneladas de caótica información binaria, en una suerte de sobrenatural harsh bliss elaborado por las máquinas -que copa sus 65 minutos y pico. Por suerte, “casi” no es sinónimo absoluto de “todo/a”. Ocurre contadas veces que ese noise abrumador se torna permeable. Sucede en “Nuragas”, sin que resigne su hegemonía. Sucede en “Autobahn 2082”, primer guiño a los precursores Kraftwerk (y a Florian Schneider, miembro original de la banda alemana fenecido el año pasado), donde tras siete minutos el ruido es abandonado como si de un capullo se tratase. Sucede también en “Wichq’​ana”, engañoso punto de inflexión de la jornada -de hecho, “Moray” parece consolidar esa transformación, sólo para revertirla y volver al caos digital durante su segunda mitad. Y de hecho sucede en “Tanzmusik”, estupenda versión en clave two-step del clásico de los Robots de Düsseldorf.

Queda claro, entonces, que el Ruido se convierte en elemento preponderante y avasallador de Wichq’ana Ch’askancha. La ascesis ctónica que conduce Fabián marcha sobre ruedas en las pistas aludidas, así como en la síncopa metafísica de “Entelequia”. Pero el proceso flaquea durante los últimos tramos, y el CD termina desdibujado. Más que en “Boing Boom Tschak”, redundante tercer guiño a Kraftwerk, este descontrol se evidencia en “Del Fin” y “La Menat”: se pasa aquí de la efectividad al efectismo, desembocando en el mismo callejón sin salida en que cae la experimentación que es todo forma y cero contenido. Discreto cierre para un título que pudo haber obtenido mejor puntaje con las clavijas ajustadas hasta el final.

ADVERTENCIA: La edición física de Wichq’ana Ch’askancha lista diez temas. Once, sin embargo, son los que reconoce el láser. No se consigna debidamente acreditada la relectura de “Tanzmusik”, quizá por problemas de copyright. Pero allí está, ocupando el octavo carril -los que vienen después, corren una casilla.

A poco menos de tres meses para que finalice, me puedo arriesgar a decir que ha sido un 2021 muy complicado para Giancarlo Samamé, y por ende también para Dorog Records. En lo que va del año, la siempre efervescente plataforma limeña ha rebotado el deleznable Cutrismo de Sihuas Infuzzión y el interesante Memorias De Cuarentena de Marmotasdebemorir, en realidad colgados ambos por sus autores en las respectivas cuentas de BandCamp a lo largo del 2020. El único ingreso para el presente calendario que Dorog ha puesto a consideración es Nuevas Anormalidades, y corresponde sumarle a la enorme lista de (excelentes) compilaciones que cada tanto prepara Samamé.

El pródigo muestrario juega socarronamente con esa noción medio idiota de “nueva normalidad” que ha propuesto la mass media. Como siempre, el ciudadano de a pie ha volteado con ingenio el sentido de ese par de palabras, subvirtiendo el fenómeno de asimilación vocálica que suele ser bastante frecuente en nuestro idioma. En este caso, se duplica la vocal con que termina “nueva”, y se la añade al siguiente vocablo, cambiando por completo el tenor de la frase.

Nuevas Anormalidades tiene dos mitades nítidamente diferenciadas. Más ligera, la primera reúne a algunos habituales de la discográfica con otros nombres bisoños -e incluso con otros que no lo son tanto, como la chilena María Pía Navarrete (a) Pía Legonz, afincada en Lima hace muchísimos almanaques. La cantante recicla de su Congénitamente Defectuosos EP (2017) la apertura “Trasnoche”, testimonio de un pop con dosis justas de sobriedad y brillo. Unos cuantos siguen esa estela: Morojo (de medios tempos darkie a lo Interpol en “El Retrato”), El Cosmos (fogoso ímpetu en “Sol”), Marmotasdebemorir (vehemente el arrojo que anega su “El Camino”), Zolar (synth plastificado en “Distante”)...

Acompañan a estas canciones otras de manifiesta ascendencia electrónica, no necesariamente ubicadas en la esquina opuesta. El desnudo trip hop “étnico” a lo Portishead de “Tu Último Refugio”, donde Raydin se asocia a Víctor Chang a.k.a. Vrianch, es un ejemplo de estas diferencias estilísticas que no devienen en antagonismos gratuitos. El mismo Vrianch se acompaña más adelante de Miguel Elescano/DJ Locopro en el house de “A Principios De La Hipnosis” (un tanto melodramático debido al sampleo de -puajjj- Lucila Campos). Por otra parte, amante de la distorsión y del sonido de combos como The Notwist, El Enano Siniestro colude indie y dinámica post rock en la tal vez demasiado larga “Bastardo Sónico”; mientras que el vaporwave lounge/glo-fi de Viktor Torvik -“Problemas Psíquicos”- te hace pensar en la utilería de un set mexicano de televisión en los 70s.

Notoriamente distanciada de la primera, la segunda mitad de Nuevas Anormalidades esgrime un fuerte denominador común. Éste es el digitalismo de Jucsay (“Spiderdance”, de poso house), DJ Locopro (“AndreA” supura tech house durante sus casi cinco minutos) y Triumvirs (“Grief Ravine”, synth de vocalización EBM). Pero, sobre todo, es el de Chip Musik. En un artículo del año anterior, hablaba de las buenas relaciones existentes entre las dos escuderías. Esa hermandad asoma más fuerte que nunca en este panorámico, cuyos seis últimos escaños están reservados para proyectos ChM. Siendo el sello codirigido por Alexander Fabián y Jorge Rivas el depósito IDM de la escena nacional, éste despliega para la ocasión todas las variedades que su nómina cultiva, a través de surcos ya publicados: glitch y clicks’n’cuts (“Sekai Isshü” de Yume Station), intelligent techno (“Say Hi, Say Bye” de El Otro Infinito), digital ambient (“Musgo Del Tiempo” de Ionaxs), drone (“Sol Om On” de Xtredan)... De yapa, se cuela también el shoegazing/bliss pop/post rock de Puna, con “Utopía Del Ser Imaginario”.

Bien escogidos los ingredientes, pese a una cierta ausencia de balance en el trackeo.

Nuevo artefacto compilatorio orquestado por Trilce Discos, a propósito de sus 11 años de vida y dedicado exclusivamente al pop articulado en torno a cantantes femeninas. El concepto termina siendo más un hándicap que un plus, ya que excluye a las hijas de Eva que tocan instrumentos y componen. Además, si bien es plausible la idea en que se basa Nubes Azul Plateado, después de un rato te quedas con la impresión de estar escuchando el disco de un misma formación -en lugar de las trece que aquí comparecen.

Hay excepciones, por supuesto. Una de ellas es La Lauri Fire, cordobesa que define su estilo como mezcla de dream pop y synth, aunque la tosca delicadeza de “Recuérdame” hace pensar más en un baggy de baja fidelidad. Otra es la connacional Camila Salas, hoy radicada en Cataluña, quien adorna a “La Noche Y El Sol” de efluvios que remiten al llamado ‘canto latinoamericano’. Otra es Siempre Perdida, alias solista de la colombiana Ivanna Palacio (Cruel Cruel, Encarta 98), que zambulle a su “Pienso En Ti” en una hormigueante marejada de indie y folk. Otra más es Natalí Jiménez, joven cantautora peruana que cuenta ya con dos LPs, y cuyo “Frío” luce por momentos dark. Y otra más es la del novel cuarteto limeño Rawa (“Eterna”), colaboración de César Augusto Príncipe (Cardenales) incluida.

El resto de Nubes Azul Plateado transita las mismas coordenadas pop/rock moviéndose entre baladas, semi-baladas y medios tiempos -los más abundantes- de moderado punche. Los nombres que aquí calzan se arremolinan en torno a dos moldes. Uno responde al pop diseñado para hacer las veces de acústico, el de Susana Fátima  (“Canto”) o Andrea Martínez (“Lo Siento Todo (Canción Corta)”). El otro, más celebrado, es ese pop lustroso lo suficientemente flexible/elástico para abarcar mucho y apretar poco. A su vera se acomodan Las Tetris (“Brincos”), la capitalina Alejaru (“Pura Luz”), los trujillanos Verano Del 83 (“Deja Que Tu Sonrisa Me Lleve”), el dúo Muchacha Punk (“Dudas Y Fallas”), las uruguayas Niña Lobo (“Barcelona”) y el quinteto Nena Pop (“Mantra”).

No se trata, ergo, de si unos/as son mejores que otros/as. O de tales o cuales merecimientos. Se trata de una carencia de variedad, agudizada mientras más avanza la reproducción. Esta carencia podría haberse mitigado prescindiendo de tres o cuatro nombres -o, por último, reemplazándoles por otros que fatigasen caminos algo más diversos. Bonito esfuerzo colectivo de Trilce, que acaba sonando algo monótono.

Hákim de Merv

Xtredan: Sol Om On // Zetangas: Vacuum Phases // Mongo No Stars: Neofhyte Miscellanea

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 6 de octubre del 2021.)

Inaudito y sobre todo excéntrico el itinerario al que Dante Izaguirre Córdova se ha ceñido para la nueva rodaja lumínica de su acto Xtredan, prácticamente cuatro años después del larguíííísimo Conspiración. Este último sobrepasaba incluso la barrera de la hora y media, lo que hubiese dificultado su producción en cassette, si bien habría sido tremendo detallazo una edición limitada inaugurando la aún inexistente línea de tapes de Chip Musik Records. Sol Om On, por el contrario, no llega a superar los 45 minutos. Su excentricidad, pues, es conceptual antes que formal.

A simple vista, resalta una demarcación tácita y tripartita a través de los nueve canales agrupados en esta entrega. Esa demarcación no conlleva escisión alguna de la personalidad del músico según qué segmentos. Al contrario, ésta es única e indivisible: Xtredan se ha convertido en el esteta que aprovecha los remanentes de la Ciudad Satélite a la que cantaran El Aviador Dro y sus Obreros Especializados en Cromosomas Salvajes (1985), se ha transformado en el reciclador omnipresente de la megalópolis angelina de Blade Runner 2049 (2017). El excedente energético que chorrean las venas de la urbe, la maquinaria automatizada generadora de nuevos ruidos, la randomización de éstos que les convierte en mantras tiznados de drone; son la carne y la sangre que usa Izaguirre al modelar interiores y arquitectura visible de Sol Om On.

Éste abre con el delta que limitan “Marvas”, “Luz Genética” e “Interferencias”. Tres canales, un solo tour de force -en que abundan los flujos discontinuos de noise, los beats veleidosos y disparejos, el ruido textural desestructurado en grados subatómicos... La premisa es el Caos, y a ella se apegan los slaps descoyuntados, la sobrecarga voltaica, los crujientes cracks perniciosos. El siguiente triángulo también es un tour de force, sólo que abortado: aunque “Sol Om On”, “ADN Post Sapiens” y “Conjuro” deberían poder empatar entre sí en fila horizontal, no consiguen hacerlo. El final de uno está a nivel más alto/bajo/filtrado/limpio que el inicio del siguiente, y así. En tal “intermezzo”, desaparece la dañina sobresaturación del primer tercio. Taladros y destornilladores pneumáticos se proveen de un chip que les proporciona inteligencia artificial, lo que les permite convivir con esos arpegios drónicos de ciencia-ficción que parasitan en las profundidades IDM (“Sol Om On” discurre sobre secuencias de relajado intelligent techno a lo Plaid), desembarazarse de éstos para virar hacia el sonido Warp/Rephlex (“Conjuro”), o consentir en que las melopeas drone se muestren en todo su tosco esplendor (“ADN Post Sapiens”).

El último tríptico, de componentes claramente diferenciados, responde a posibles permutaciones de lo exhibido por los dos primeros. En la tensa calma de “Goetia”, la adicción a la drone music se contiene y el reciclaje apenas se insinúa, mientras pululan los reptantes autechrismos del EP7 (que de EP no tenía nada, pues se quedaba cerca de llegar a la hora y cuarto). El IDM de “Contacto 77”, por su parte, funge de áspera reconversión del Aphex Twin degustado en el doble Drukqs (2001). El colofón es asumido por “Baal”, tonada de luminoso despegue que después se hunde en las fauces de la codificación iterativa.

Propone Dante una explicación un tanto mística de la denominación usada y del concepto sublimado en Sol Om On. No la recuso. ¿Se habrá dado cuenta, empero, de que por azar la unión de esas tres sílabas también se corresponde con el nombre que en inglés recibe el no-muy-santo-que-digamos segundo rey de Israel?

Retorna Carlos García (a) Zetangas, “secundado” como siempre por los Monsters De Comida, luego de haber regalado con 22​/​09​/​1953 uno de los mejores discos peruanos del 2019. La vuelta no es simple ni doble, sino triple: Vacuum Phases es su sexto esfuerzo en nueve años -séptimo, si adicionas la recopilación “no oficial” Zetangas 2000-2002 (2015)-, se para sobre los hombros de su predecesor para gestar un nuevo salto mortal (esta vez) hacia coordenadas no tan disímiles, y por fin -sospecho- alcanza esa forma definitiva que el muchachón ha buscado solitario por casi una década. Aunque con lo inquieto que es, nunca se sabe.

García consigue dar en Vacuum Phases con el sonido que, alimentándose por igual del indie y de la electrónica, pone continentes de por medio respecto de la llamada indietrónica. Ciertamente, aquello que la retórica de Zetangas tiene de indie luce en VP una iridiscencia enfocada hacia colores muy vivos y cálidos, matizada por efectos lo fi que le nimban de un brillo tornasolado. En la otra esquina, aquello que de electrónica tiene su música se aliviana librándose de muchos elementos identitarios, de modo tal que casi ni se le percibe -y, cuando esto ocurre, rara vez supera los discretos (pero imprescindibles) segundos planos a que se le ha confinado.

Como sucedía en 22/09/1953, diecisiete rounds en tiempo inferior a cincuenta minutos evidencian la brevedad en que incurre mucho del nuevo repertorio. Concisión idónea para viñetas cuyas pinceladas normalmente las asesta una guitarra vaporosa antes que vaporizada, pulsada durante cualquier ocaso estival y filtrada hasta convertirse en polaroid de narcótico influjo. Así advierto piezas del tipo de “Espontaneidad Vegetal”, “Nunca Vuelve A La Nada”, “The Yellow Monster”, la submarina “Mono Sobre El Hombro/Hombre” o “Monogram” -ejemplo cabal esta última de cómo ensamblar un instrumental en austero mood The Sea And Cake sin perder categoría ni esencia.

Bien visto, Vacuum Phases podría describirse como un Sunkissed (2002) en tono menor, de rigurosa economía de medios pero igual de precioso que el original de los alemanes Guitar: la digitación de la eléctrica que surca el sistema límbico en “La Nostra Nada”, su prístino desenvolvimiento cuasi acústico en la trilogía de cierre formada por “Sol De Otra Galaxia”, “501 Megaciclos” y “Solitarium”... Acaso en esta zona del globo lo sintamos más próximo debido a la sobriedad y el saborcillo groso -infaltable en Zetangas- que ha impregnado el proceso de mezcla.

Me olvidaba de los pasajes en que la electrónica hállase acentuada. En algunos de éstos, como “Río Negro”, no tan manifiestamente. En otros, como “Singularidad Artificial” o el sorprendente “Casa Tranquila” (que se transforma tras 90 segundos en un tex-mex de frecuencias abarrotadas), visiblemente. Los lunares en el contexto de un álbum que de todas maneras lleva integrado al ADN material genético en clave binaria de primer orden. ¿Electrindie, entonces?

De los nuevos proyectos de los últimos años cuyas puestas de largo se han hecho esperar, el que más expectativas ha provocado en el seno de nuestras autárquicas escenas independientes ha sido Mongo No Stars. Otros combos ya han adelantado EPs y aún mini-álbums muy buenos, mas de este elusivo unipersonal han descollado el ingenio y la calidad de los cuatro cortes cedidos desde el 2017, todos a través de lanzamientos cosecha Chip Musik. De ellos, sólo uno ha sido recuperado en el debut -“Early Morning Rain & The Wolf” (dispensado previamente en la primera entrega de la saga Transmisores, 2020)-.

Un debut que entra a la cancha y sale de ella parapetado tras barricadas más propias de parajes como los de esos márgenes cyberpunk en que se mueven Mad Max y Ghost In The Shell (el anime, aclaro). Para mayores señas, “Pequeña Pista 01” y “Fucking Massacre” retumban al filo del industrial más huidizo y cortante, entre S.P.K. y Coil -o mejor, un maridaje draconiano de Leæther Strip y Nine Inch Nails. Decisión harto inusual, porque si bien antes Mongo No Stars había hecho más que flirtear con el EBM, todavía separan unos cuantos peldaños al discurso facturado por Front 242 y A Split Second del industrial a lo Skinny Puppy o Foetus.

Dicho esto, encuentro imperioso precisar que entre la segunda pista y la duodécima transpira, salta, corre, trepa y vuela el MNS que conozco. Ése que germina del encontronazo entre guitarras rockeras y el esponjoso imaginario lisérgico del ambient house, entre orgiásticas drum machines y la tenaz severidad de programaciones proto-EBM, entre el militante pasotismo zippie y los veloces tempos del acid techno. Habilidad ponderable para trasmutar riffs a través del sampleo, para anabolizar los bajos, para infectar de dub los recovecos convertidos en refugios del IDM.

Fermentado en las composteras post-rave, el groove de Neofhyte Miscellanea tiene de indesmayable lo que asimismo de extenso. Puede ser relajante como un porro (“Hallucination REM”, “My Beloved Cat My Hand And It Hurts Like Hell”), deliciosamente estelar (“Brain The Size Of A Planet”, “ItemD 01”, “Bs Magic”), o festivo y pilerazo al más puro estilo 808 State (“Krack It”, “Sueño De Opio”, la genialmente bautizada “Esta Pista No Tiene Título”). Poco más se puede decir de un disco que se presta para el disfrute antes que para la racionalización. Poco más que esto: suene o no raro ponerlo por escrito, parece que ya se perfila un claro ganador de cara a los recuentos de diciembre.

Hákim de Merv

Lluvia Ácida: El Camino De La Memoria / Antiviral / La Isla De Los Pájaros Sombra / Archipiélago Coloane

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 29 de septiembre del 2021.)

#AguanteChile.

Tal cual ha sucedido con todos/as (miente quien diga que no), la vida en tiempos de pandemia impuso severas alteraciones a la hoja de ruta de Lluvia Ácida. Meses antes del arribo del COVID-19 a Sudamérica, el tándem que integran Héctor Aguilar y Rafael Cheuquelaf había colgado para libre descarga la banda sonora del mediometraje El Camino De La Memoria, y se hallaba presto a soltar su nuevo disco conceptual -adjetivo este último que desde hace ocho años no es nada gratuito al hablar de ellos. La emergencia sanitaria mundial se trajo abajo ese estreno, postergándole dos años, a la vez que generó colaboraciones online invirtiendo el cronograma de lanzamientos que LlA tenía esbozado. A (casi) todas ellas intento pasar revista en el presente texto.

Comienzo con El Camino De La Memoria (septiembre del 2019). En modalidad mini-LP, se trata de la música con que la dupla participase en el homónimo documental (2014) realizado por Rafael Cheuquelaf, que presumo debe ser su debut formal tras la cámara. La película acompaña el peregrinaje efectuado por los deudos que dejó la dictadura militar en la región de Magallanes, agrupados en la asociación Hijos Y Nietos Por La Memoria (constituida durante la primera mitad de ese mismo calendario). En calvinista blanco y negro, la cinta expone los lugares que utilizase la administración pinochetista y la milicia para detener/torturar/interrogar   a   quienes   consideraban   sospechosos/as de confabularse   contra   el  tiránico régimen -locaciones algunas de las cuales ya no existen como tales. La cámara no registra miedo, rencor, hesitación, dolor; sino memoria, ésa que a los/as peruanos/as nos falta para evitar repetir errores del pasado, ésa que debería mantenernos vigilantes ante la menor fractura del orden democrático, ésa que también exalta jornadas heroicas -la del Puntarenazo, por ejemplo.

Consonante con la mirada del mediometraje, Lluvia Ácida crea cuatro piezas insufladas de atmósferas exclusivamente tonales. Incluso “El Camino De La Memoria 3”, cuyo gordo redoble de bajo sintetizado parece adquirir ribetes de leitmotiv, pero que sólo contrasta/potencia a los demás sonidos alrededor suyo -el único momento del soundtrack comparable a lo hecho por Boards Of Canada en el maravilloso Geogaddi (2002). La sencillez a que se apela en modo alguno desmerece la elaboración de estos paisajes sonoros decorativos, que tan pronto recrean una fría tarde ventosa del riguroso invierno puntarenense (“El Camino De La Memoria 1”) como una mañanera resolana primaveral en Puerto Williams (“El Camino De La Memoria 2”), y aún una veraniega noche estrellada en compañía amical a orillas del océano (“El Camino De La Memoria 4”). Euritmias que predisponen a la tranquilidad, al sosiego acaso alcanzado por aquellas personas que abrazan la historia de las comunidades a que pertenecen, sin dejarse afectar por sus páginas más negras -hete ahí el efecto sanador, desestresante, conciliador que tantas veces se ha señalado posee la Música.

Muy distintos son el temple y la sustancia de Antiviral (abril del 2020). Con la crisis del COVID-19 ya instalada en nuestra cotidianeidad tercermundista y el nuevo álbum en suspenso indefinido, vocablos como “cuarentena”, “contagio” y “mascarilla” se hicieron de uso común en cuestión de semanas. Paralelamente, los gestores magallánicos concibieron este título llevando a cabo el consabido brainstorming intercambiando avances a través de Internet y puliendo nociones e imaginarios mediante el hilo telefónico. Probablemente el primer material sonoro de la Historia en editarse declarada la pandemia, Antiviral hace las veces de crónica distópica tanto como de tedeum a las víctimas mortales arrebatadas por la enfermedad, y asimismo de agradecida memorabilia al personal médico que se bate en la primera línea de defensa que tenemos los pueblos de la Tierra contra el terrible virus. Es en sí mismo, además, un testimonio de adaptación y supervivencia.

Con estética mutante que tiene de downtempo, de lóbrego synth pop y hasta de dark ambient; la placa guarda ciertas similitudes -¿conscientes? ¿involuntarias?- con el trabajo de Cliff Martínez. Es este músico estadounidense un soundtracker competentísimo, de amplia trayectoria, que ha forjado estrecha relación con su compatriota el cineasta Steven Soderbergh. En OSTs como los de Traffic (2000) y The Underneath (1995), pero sobre todo los de Solaris (2002) y la premonitoria Contagion (2011), Martínez ha ofrecido exquisitas muestras de su talento para la música electrónica de propagación instantánea y tintes intoxicantes -cf. “Is That What Everybody Wants”, “They're Calling My Flight” o “First Sleep”, tremebundos híbridos de intelligent techno y sci-fi a una voz dramáticos y tensionales. Esos exactos rasgos son los que aparecen in crescendo en la apertura “COVID-19”, mientras escuchamos la explicación y recomendaciones que una especialista argentina expone acerca del SARS-CoV-2.

Partiendo de una experiencia real y concreta, Antiviral es todavía más dramático. Los capítulos del primer segmento son dominados por estructuras rítmicas muy marcadas, si bien éstas no necesariamente les acompañan de cabo a rabo. “Contagio”, verbigracia: comienza emponzoñado, y casi de inmediato es invadido por un golpe sobrio de trip hop, que luego declina frente a una dinámica secuencia de lo que parece ser el bajo pre-seteado de algún sinte. En similar situación se hallan la nerviosidad IDM de “Cuarentena”, el insistente downtempo de “Pandemia” y el ambient en combustión de “Confinamiento” (cuyo embrión de síncopa es obliterado por las pesarosas líneas de teclado).

En el segundo tramo, la mayor presencia de números abordados por un dark ambient anubarrado, zumbante, de escasa/nula visibilidad; es notoria. Que no es lo mismo que decir excluyente. “Animales Que Regresan” (toda una advertencia para la Humanidad hecha sonido), la minimal no-percusión de “Necropolítica”, la tensa opacidad de “Respirador Artificial” (g-e-n-i-a-l el detalle de samplear los borborigmos de la computadora de Alien, 1979); subrayan el lado denso, de turbio vaho, que exuda Antiviral. El contrapunto a la severa gravedad de esas suites es aportado en esta segunda mitad por el vigoroso ejercicio proto-industrial de “Primera Línea Sanitaria” y la cadencia maníaca de “Postpandemia”, cierre del opus que sin embargo la deja picando: esta plaga, con la que aún conviviremos años, debe tomarse como apercibimiento y exhortación. Apercibimiento de lo que puede llegarnos en el futuro si no enmendamos el rumbo como forma de vida dominante del planeta. Exhortación a modificar nuestro modus vivendi hasta alcanzar el equilibrio con el medio ambiente que toda especie animal busca de manera innata.

En 1578, el corsario inglés Francis Drake descubrió una ínsula entre el Cabo De Hornos y la Antártida, a la que bautizó “Elizabeth” homenajeando a la reina de Inglaterra. Perdióse su bitácora con la descripción de la isla, a la cual nunca más se volvió a encontrar, lo que ha llevado a suponer que ésta desapareció tragada por las profundidades oceánicas debido a la actividad sísmica. La extraña historia inspiró al escritor magallánico Óscar Barrientos Bradasic el cuento que la directora Tiziana Panizza adaptó en el corto ficcional La Isla De Los Pájaros Sombra, estrenado en el 2017 con música de Lluvia Ácida. Como sucediese con El Camino De La Memoria (5), la banda sonora correspondiente al film de Panizza se subió al BandCamp del grupo para free download años después (3).

De 16 minutos de extensión, la película fue hecha con la técnica de las fantasmagóricas sombras chinescas (shadowplay), derivada de la milenaria tradición oriental del Teatro de Sombras. Su utilización sobre el ecran es tan añosa como Die Abenteuer Des Prinzen Achmed (1926), el largo animado más antiguo que se conserva (dirigido por la alemana Lotte Reiniger). La Isla... está acreditada como creación colectiva de Panizza, Paula Sáenz, Niles Atallah y Francina Carbonell; habiéndose encargado Cristóbal León del proceso de animación.

De nuevo en formato mini-LP, la dupla Aguilar-Cheuquelaf compone ex profeso para el cortometraje seis de los siete surcos dispuestos en el esférico. El séptimo es repescado de Insula In Albis, su plástico del 2013: “Biomarina”. Huelga decir que con buen tino, pues las rugosidades que imitan/deforman el alucinado gorjeo de las aves empatan perfectamente con el hálito de inquietante fábula que trashuma el film -y que se extiende a toda la música incluida. Esas mismas texturas enrarecidas y surrealistas de “Biomarina”, por ejemplo, son reeditadas en “El Lugar Sin Nombre” y en “La Tempestad” -aunque en esta última se perciben más cercanas al rollo dark ambient.

No faltan, por supuesto, los canales en que el dueto se exhibe menos luctuoso. Estando la historia de La Isla... inserta en el marco de la expedición de Drake, no podía prescindirse de cierto guiño a la intrepidez, como el que proporciona el lance epónimo. Igualmente, Lluvia Ácida se aleja -no mucho- de las sombras a través de otras viñetas comparativamente más convencionales, como el synth cosecha 80s a lo Ciencia Sur (2017) de “Golden Hind” (nombre con que el corsario bautizó a su buque insignia), los tintineantes fuegos de San Elmo en “Carta Náutica” o esa distendida coda epigónica que es “Trazado De Rumbo”. No obstante algo distanciadas de los colores predominantes en el relato, es justo remarcar que la (falta de) iluminación de estas postales sónicas participa de la atmósfera entre onírica y surreal de tan singular narración.

Por cierto, La Isla De Los Pájaros Sombra es el tercer soundtrack firmado por LlA, tras Arte Y Shamanismo Paleoindio (2011) y el ya comentado El Camino De La Memoria.

Luego de dos años de espera, el 5 de agosto de este 2021 vio la luz por fin el opus que Rafael y Héctor habían planificado para el 2019. Previsiblemente, son muchas las circunstancias que hacen de Archipiélago Coloane el primer trabajo que rompe los moldes usados por la dupla en los últimos tiempos para encausar sus publicaciones. La más evidente: el eje temático ha dejado de ser Magallanes y las vastas proximidades antárticas. En efecto, el mentado archipiélago no es un espacio geográfico, sino uno metafórico -vertebrado por algunas de las obras del escritor chilote Francisco Coloane Cárdenas (1910-2002), ganador del Premio de la Sociedad de Escritores (1957) y del Premio Nacional de Literatura (1964). Libros como El Guanaco Blanco, Cabo De Hornos o El Camino De La Ballena, y cuentos como “El Témpano de Kanasaka” o “Perros, Caballos, Hombres”; bautizan las esculturas sonoras que Lluvia Ácida ha cincelado para la nueva rodaja.

Derivado del anterior, el segundo cambio que salta a la vista es la ausencia de correlato visual. Insula In Albis, Zonas De Silencio (2015) y Ciencia Sur fueron discos y también películas -en todos los casos, cada pareja abordaba el mismo tópico. Al estar enfocado Archipiélago Coloane en la producción literaria del fallecido escritor, prescinde de su respectiva contraparte visual, si bien Cheuquelaf afirma que sólo temporalmente. Un ensayo del mexicano Jaime Valdivieso -La Épica Del Mar En La Obra De Francisco Coloane, 2002- señala la fuerte relación que existió entre el autor y el océano, algo que se evidencia en el telón arriba “Cabo De Hornos”, donde se lo escuchamos decir al propio literato (en entrevista concedida al programa Off The Record, el mismo año de su deceso).

El tercer rasgo que distingue a Archipiélago... de sus predecesores inmediatos es la fórmula de producción física. Se trata del primer largo de LlA que aparece planchado en poliacetato de vinilo. No sólo calza que ni soñado en AC, de ocho pistas y cerca de dos tercios de hora, con una media de 4 minutos y medio (a la usanza de la mayoría de LPs de antaño). También es el soporte que mejor se acomoda a su eufónica narrativa -llena de referencias tan cercanas a la experiencia vital del binomio puntarenense como las propias vivencias de Coloane, oriundo del archipiélago de Chiloé, circundado por brazos de mar y donde aún hoy sus habitantes residen en palafitos.

Archipiélago Coloane está imbuido de esa electrónica de sesgo naturalista que tan bien ha sabido modelar Lluvia Ácida durante su andadura discográfica en el presente siglo. El arrullo de las olas y el vocerío de las gaviotas hacia el término de “Cabo De Hornos” sintoniza con ese downtempo reducido a su mínima expresión que los sureños han ido refinando desde Hotel Kosmos (2004). De hecho, casi todos los tracks se adhieren a ese código rítmico, algunas veces tanto más acelerado -“Perros, Caballos, Hombres”, sublimes strings de tesitura celestial- que otras -“El Guanaco Blanco”, donde el mismo efecto string abrillanta esa cualidad épica aludida anteriormente, o “Cinco Marineros Y Un Ataúd Verde”-.

Desaparece así cualquier atisbo de conflicto entre la médula percusiva y el ornato cuasi biológico con que los australes arropan este puñado de melodías. Los tumbos de agua que te dan la bienvenida en “Golfo De Penas” no entran en conflicto con el pulsante synth que domina el número, del mismo modo en que los vientos magallánicos no hacen sino destacar la majestuosidad de “Los Conquistadores De La Antártica”, trip hop instrumental en el más amplio sentido de la etiqueta. O la tranquilidad del mar abierto que no se ve tocada por la digitación ominosa del hardware análogo en “El Témpano De Kanasaka”, la pieza más corta de la entrega. Cabe aquí acreditar tanto en “Los Conquistadores...” como en “El Templo...”  a Paula Barouh, la airada performer de Descargo Y Maleficio, que se porta con sendas vocalizaciones preverbales.

Repiques galácticos, palpitantes oscilaciones, timing en sintonía con el que observa siempre Madre Natura... Sería necio negar esto último. El énfasis en la literatura de Coloane recae sobre la presencia del Hombre en un ecosistema tan duro, incluso hostil, para la existencia humana. Énfasis que secundan Héctor y Rafael, pues mientras más al sur de Chile uno/a se adentra, más evidente se hace la degradación progresiva que el ecosistema viene soportando desde hace décadas. En tal sentido, el potencial artístico-didáctico de un registro como el de Archipiélago Coloane es innegable.

Con ilustraciones, diseño gráfico y prólogo a cargo respectivamente de Iñaki Muñoz, Mika Martini y Óscar Barrientos (sí, el de La Isla De Los Pájaros Sombra); Archipiélago Coloane se encuentra por ahora sólo disponible en vinilo. Para los próximos meses se ha planeado la venta de CDs y el upload en las plataformas oficiales del grupo.

PD: Queda en el tintero el single virtual “Kenčenák” (“latido del corazón” en el idioma de la etnia kawésqar), fondo sonoro del corto documental de Vanessa Álvarez estrenado en julio. Pese a la política que sostengo en torno a los 45s online, pude haberme dado un tiempo para reseñarlo en el marco de esta revisión. Para otra vez será.

Hákim de Merv

Slavia: La Potencia Infinita Del Vacío // Aura En El Espejo: Albedrío EP

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 15 de septiembre del 2021.)

Tanto marcó la tragedia de República Cromañón un antes y un después al interior de la movida argentina, que poquísimas cosas permanecieron inmutables en ella tras el luctuoso suceso. Como apunta el crítico porteño Norberto Cambiasso (Esculpiendo Milagros) en su texto para ¡Salgan Al Sol​!​: Avant​-Rock En La Argentina Del Siglo XXI (Buh Records, 2014), los vasos comunicantes entre el mainstream gaucho y los circuitos underground se cortaron, impidiendo que el primero reciclase los descubrimientos de los segundos para renovarse; y que éstos continuasen avanzando a la vez que lograran acceder a audiencias masivas.

De ahí el drástico agostamiento de nombres que superasen las barreras rioplatenses para alcanzar esa internacionalización que otrora se les daba natural. Contadas son, en efecto, las nuevas sangres argentinas que han llegado en los últimos lustros a los demás países de la región -y ello, nunca a escala Soda Stereo o Babasónicos. Por el lado más pop, gente como Las Ligas Menores, Lxs Rusxs Hijxs De Putx, Las Ruinas Circulares o Él Mató A Un Policía Motorizado. Por el lado más experimental, combos como Sales De Baño, Aguas Tónicas, los cordobeses Fonez, Entidad Animada o Para Establecer Un Río. Es este último el ejemplo perfecto para contrastar el debut de Slavia, una dupla rosarina que se inspira en los días del post rock original, a diferencia de la acepción contemporánea -no por ello menos válida- que de la etiqueta esgrime PEUR.

Manejada por Germán (a secas) y Fernando (a secas), la artillería de Slavia consta de sintes, software para el (re)procesamiento de frecuencias, una ocasional guitarra (empuñada por Germán) y la puntual participación de una trompeta en “Austria”, a cargo de Juan Lemos (frontman del también rosarino cuarteto Los Lanzallamas). Nada más comenzar a reproducir “Sustrato”, apertura de La Potencia Infinita Del Vacío, los trallazos de la eléctrica dejan en evidencia la convicción depositada en el credo del drone -uno que no se empecina en copar/ahogar todos los tañidos ejecutados para cada tema. El laconismo armónico del tándem tiene la misma vibración psicotrópica/firma cuántica que gigantes como June Of 44, Labradford, los primeros Gastr Del Sol e incluso Main estampasen en los documentos esenciales del género durante su época de esplendor.

Ello no significa que Slavia suene igual a las agrupaciones citadas, sino que su proceder artístico deviene en consonante con los que éstas pusieron en práctica. El binomio se siente cómodo en medio de la carestía de melodiosidad, sobre todo cuando esa escasez se ve favorecida por el discurso electrónico, lo que acaece de “Fes” en adelante. La improvisación sonora tanteada en “EXP I”,  “Hiperbola” o “Praxis”  moldea  el  leitmotiv  de  números  tipo  “El  Devenir  Del  Tiempo”, la dilatada  “Roto”, “Austria” -Esquivel tronando desde la am de un mundo paralelo- o “EXP II”. Como si fuera poco, dicho modus operandi se ve acicateado por el patógeno del dub, que lo impele hacia altitudes de un ambient desecado y yermo, de estrías psicóticas hasta niveles martirizantes.

Álbum de arisco, doloroso ruido corrugado, que observa los intuitivos dictados de la mente; La Potencia Infinita Del Vacío ha visto la luz, para nuestra sorpresa, a través de una escudería del coloso lusohablante de nuestra región -The Church Of Noisy Goat, con sede social en la ciudad de Porto Alegre (Rio Grande Do Sul).

Según el músico Bersaín Lejarza Abelleyra, su proyecto personal Aura En El Espejo profesa influencias de grupos ochenteros clásicos, del talante de The Cure, Depeche Mode y U2. Debo dejar constancia de no haberlo notado en ninguno de los títulos que le he oído hasta ahora. Sí asoma con sobrada claridad, en cambio, la figura del Brian Eno productor, otra influencia confesa. Las esculturas sónicas de Lejarza son más estados de ánimo que experimentar sin necesariamente padecer, característica que el genio inglés patentó en tanto Padre del ambient -abrillantada por un a veces irritante miniaturismo: sigo escuchando los uploads de AEEE, y todavía no doy con un solo larga duración.

Paisano del trío shoegazer ACTY (Tepeji Del Río, en el estado de Hidalgo, México), la andadura solista de Lejarza Abelleyra se remonta a noviembre del año 2016, cuando cuelga en BandCamp el extended Paraíso Abierto. Desde aquella fecha, su labor ha sido incansable, reflejándose en nada menos que 81 referencias entre sencillos y EPs. Tamaña fertilidad no se ha limitado al arte sonoro: en paralelo viene desarrollando sendas trayectorias literaria y cinematográfica, en el marco de un esfuerzo -digamos “trifásico”- impulsado por la Editorial Objectum (criatura del mexicano, sospecho).

Tratándose de obra tan fecunda, centro mi comentario en el esférico más “largo” que el azteca ha lanzado en lo que va de este 2021: Albedrío EP. Diez viñetas que empujan la estética del bedroom pop hacia rincones insospechados -como el coral (insólitamente “gregoriano” en “Los Resucitadores”, femenino en “Hallazgo En El Barrio De Whitechapel”), el neoclásico (que se prende de las esquinas a partir de “Perdido En La Fiesta De Máscaras”) e incluso el juglaresco feudal. Esta última dirección, que utiliza el hidalguense con mayor propiedad, es la que más aciertos le ha reportado: lo puedes verificar en la recitación de ultratumba que se desliza a través del track epónimo, en los macabros teclados de “El Baile De Los Espíritus”, en la hierática gravedad de “Hallazgo...” y de “La Niebla Regresó A Los Perdidos Que Hubo En Ella” (preciosos strings sintéticos).

El piano, otra sonoridad protagónica en muchos de los surcos de Albedrío EP, se desenvuelve con un registro entre el neoclásico y ese gótico de imaginario oscuro/medieval que he subrayado. Más de una vez, su solemnidad me hizo recordar a los Cranes del siniestro Wings Of Joy (1991), realzando el acabado final de un proceso creativo que se mira en el espejo de la música rock para construirse, pero que termina siendo predominantemente electrónico, nazca de inciertos apuntes sin acabar para la base melódica o la rítmica, o de experiencias y lugares que dejan su huella en el individualista -el azar juega también papel importante en la metodología compositiva del autor.

Hákim de Merv

FEM/BOT: NN // El Otro Infinito: Recopilatorio

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 8 de septiembre del 2021.)

No tener miramiento para con los sencillos virtuales -salvo contadas excepciones en el plano internacional, aún más contadas en el nacional- a veces juega muy malas pasadas. Confieso que una de ellas ha sido “Etérea”, single debut del tándem FEM/BOT, colgado hacia fines de febrero del ’20. De haberle prestado atención entonces, habría hecho estricto seguimiento de cada 7’’ sucedáneo de una banda que manifiestamente se las trae todas consigo. “Etérea” da cuenta de una entidad bicéfala exquisita en cuanto a los ingredientes que escoge acrisolar en su accionar compositivo: las austeras pulsaciones sublunares de sintes analógicos en plan Tangerine Dream o Ash Ra Tempel, la marciana oquedad arty de Red Transistor o Theoretical Girls, las atmósferas herederas del filón más arisco que el after punk erigiese a ambos lados del Atlántico...

Un sino similar seguirían tanto los subsiguientes uploads como los aportes cedidos a las compilaciones Aeon Wave: Neo Synth And Dance Tracks From Lima’s Underground (2021) y Telúrica (2020), esta última segundo tomo del díptico con que celebrase Trilce Discos sus diez primeros años de existencia. Justamente es la participación del dueto aquí, “Klon”, la que me lo da a conocer. Y justamente es Trilce la independiente que ha editado, a inicios de julio, el estreno formal del binomio en modalidad cassette.

Mitad repesca de los 45s digitales y mitad inédito, NN confirma las sospechas que se cernían sobre las virtudes acreditadas por Silvana Tello y Oman Morí. Su dialéctica propende al post punk ‘77-‘84 y al darkwave, invoca al fantasma que habitaba el Soho durante los días de la no wave neoyorkina, incorpora y absorbe el sonido de la escuela berlinesa del kraut rock tanto como el del synth pop y aún el de ese minimal synth que hoy goza de unas justas reivindicación y segunda vida. El fruto de semejante contubernio es una cruza desgarrada entre el feroz antirockismo alucinado de Chrome y el minimalista metal beat de D.A.F., cruza acunada por texturas regurgitadas desde el Abismo.

Esa disección y sus implicancias explican, sin racionalizar, el ominoso post punk de lisuriento automatismo surrealista que ostenta “Scorpio”, la crispada guitarra darkie cosida a un teclado de exigua armonía tonal en “Klon” y su voz salmodiante a lo Brendan Perry, el cárdeno escupitajo críptico de “Sumac”, y aún el insólito proto-psicodelismo marca 80s de “Sonno” -el episodio más relajado de la cinta, funciona como oblicua y límpida versión alternativa del “Just Like Honey” de The Jesus And Mary Chain (“duelo” vocal incluido).

Me quedo con “Etérea” y “MetaMorph”, así y todo. Del primero ya hablé, por lo que me prodigo ahora con el segundo. La fantasmal performance del theremin y la cortante precisión marcial de la drum machine, creciendo enredados ambos recursos alrededor de una programación iterativa y de una eléctrica de neón (que siega como la mejor espada Hanzo), hacen de esta canción un digno par de “Etérea”. Ambos canales resumen lo que acaso sea el mayor acierto de FEM/BOT (¿el chaplín guiña a Futurama?): profiláctico motorik punk para atemperar la esquizofrenia innata en el Hombre del siglo XXI.

Todavía El Otro Infinito no llega a las diez velas por soplar, y ya necesita dos guarismos para consignar el número de sus producciones -el grueso de ellas editado a través de Chip Musik, pero con referencias además en SuperSpace Records (el  single  Art  Is  Resistance! -julio  del  ’19-,  Pequeños  Métodos EP -noviembre del ’18-) y en la mexicana Bifronte Records (Un Antiguo Enemigo EP, octubre del ‘18). De este último extended procede, precisamente, la única pista que el acto individual recupera de entre sus discos fuera de Chip para el escuetamente bautizado Recopilatorio, a descargar de forma gratuita desde el BandCamp de la label limeña de raíces oroínas.

Considerando la valía y extensión del output de Alfonso Noriega, de primera impresión pensé en un yerro épico cuando cotejo el menú seleccionado y el minutaje en Recopilatorio: escasos siete cortes que superan por los pelos la media hora de duración en conjunto. O lo que es lo mismo decir, casi cincuenta minutos desperdiciados y al menos otros siete cortes que pudieron figurar aquí. Debo reconocer, no obstante, que el track list escogido y su finitud hacen pensar más en una primera vez para quienes no conocen aún la música de El Otro Infinito.

Puesto así el escenario, Recopilatorio funciona bastante bien como primer lance. “Los Dioses De Arena” es una muestra in extenso -única en un registro de sugestiva electrónica a disfrutarse en horizontal, el mini-álbum 21 (2017)- de la rigurosa fluidez simétrica con que Noriega lidia al contrapesar la inclinación a las pistas de baile y la poliédrica ascesis ambient que intrínsecamente chocan sables en la retórica IDM. También corren en ese carril el oscuro mesmerismo de “Kali” (placa del mismo nombre, 2016), el inquieto y enérgico intelligent techno de alto octanaje que traspira “Saigón” (El Abismo En Cada Objeto EP, 2018), el hi-fi sepia de “Demons Dress In White” (rework, facturado hace dos años, del original que apareciese en el abigarrado To The Shadow’s Rhythm, 2015), y la desafiante vitalidad de “Say Hi, Say Bye” (del EP endosado a Bifronte). Ejemplos todos de lo bien que ha apre(he)ndido Noriega las lecciones de los estetas británicos noventeros: B12, los inevitables Autechre, Reload, Black Dog Productions...

Con peso sensiblemente menor en el total de la obra otroinfinita publicada a la fecha, temas como “Amanece(s)” (EOI, 2019) o “Las Mareas Traen Tu Nombre” (El Abismo En Cada Objeto EP) ilustran esa laxa estética hidropónica de ensimismamiento ambiental, de espirituosa búsqueda astral que cada tanto acometía la electrónica post-rave a través de sus avatares más misántropos -Global Communications, los momentos zen de Ken Ishii, Biosphere... Números en los que los bpms tienen rascuacha o nula presencia, abandonados a la deriva en un océano de ermitaña placidez, testimonios de inteligencias que parecen vivir sólo en el pensamiento y la especulación -y que condescienden a la manufactura artística para tratar de comunicar a través suyo aquello que los demás podemos admirar, mas nunca realmente entender...

Reformulo mi principal reserva sobre este Recopilatorio, para convertirla en una sugerencia crítica. Es altamente improbable que quien no esté familiarizado con la música que elabora El Otro Infinito, permanezca impasible ante esta recopilación. Pese a ello, si bien no era una exigencia capitalizar el espacio que proporcionan los 80 minutos de un CD, Recopilatorio pudo ser algo más generoso: siete piezas -remasterizadas- pueden bastar para ilustrar la proporción entre las dos facetas que escancia el músico surcano, no para agotar el catálogo de composiciones en que las secuencias fracturadas devienen en patrones rítmicos a fuerza de repetirse sin descanso, o en las que el noise digital se sublima en una envidiable belleza líquida. Mucho menos para recorrer todos los capítulos de este proyecto solista -Games For The Dead (2015), El Infierno En Tus Ojos EP (2016). A tomar en cuenta para un próximo panorámico -eso y buscar un nombre un pelín más ingenioso.

Hákim de Merv

Putzy: Curses // Puna · Rare Tracks II: Oikeiosis / Ecos Fuera Del Camino EP

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 1ero de septiembre del 2021.)

Atascada la música pop contemporánea en un limbo desde hace ya sus cuantos calendarios, hambrienta de las vueltas de tuerca que antaño menudeaban y le aupaban a avanzar, hoy no resulta extraño que los nuevos grupos y solistas desvíen la mirada hacia el pasado -bien deseosos de revigorizar géneros/estilos tenidos por inertes (con la secreta esperanza de hacerles renacer), bien por simple y llana retromanía.

Pocas han sido las nuevas sangres que han apostado a la resurrección -nunca mejor empleado el término- del vetusto dark-gothic rock (que no es lo mismo que el aún más añoso post punk, valga la aclaración). Durante mucho tiempo adheridas al discurso oscurón de los 80s aurorales, las escenas peruanas dejaron atrás esos recovecos lastimeros al promediar la primera década del nuevo siglo. Afortunadamente, porque ya desesperaban un poco las desmesuradas proliferación y consecuente reiteración tanto de bandas de cariz ‘siniestro’ como de aquellas hardcore punk.

En nuestros días, empero, ya no incomoda que este sonido regrese del frío. Diría que es incluso saludable que lo haga, al plantear otra alternativa más de variedad en el panorama del pop independiente nacional (e internacional). Si es de la mano de combos nuevos, tanto mejor: hace dos años, Distorsiones Óseas (Buh Records) de Specto Caligo puso en agenda la cuestión. Prontamente lo hará en físico el dúo Putzy, con Curses. Es éste un debut que ha recorrido caminos bastante azarosos tras su primera aparición, bajo las enseñas de la label californiana Blossöm Records (2019). Año y medio después, la peruana InClub Records volvió a lanzarlo de manera virtual. Ahora se anuncia su pronta salida a la venta en formato físico a través de Blossöm (vinilo, CD, cassette) y de Creaciones Infernales (cassette, sello de Óscar Reátegui).

Harto es el punche que han puesto en Curses César Benavides y Rafael Velarde. Las influencias debemos achacarlas a los sospechosos comunes. Por el lado de los clásicos: los primeros Wolfgang Press, In Camera, Cindytalk, The Danse Society... Por el de los góticos y noventeros: The Wake (US), los Nosferatu, The Mission (UK), algo de Lacrimosa... En conclusión, dark-gothic rock con alto grado de lozanía. A pesar de las varias escuchas que dediqué a Curses, he encontrado poco o nada de otros géneros que el binomio declara como referentes (indie, shoegazing, post rock... ¡gabber!... ¡¡¡kraut rock!!!).

En ese espacio delimitado, pues, Putzy se despacha a sus anchas. Siempre instrumental, el tándem puede sonar denso (“Fash”), sepulcral (las solemnes líneas de teclado en el colofón “Outro”) o hasta metálico (“The Gathering”). Puede, asimismo, soltar amarras y lucir ágil (“Dance, Animal!”), decidido (“Hallways”) e incluso pop (“A Better Place”, flirteo shoegazing que no me convence). Y también puede tentar ese punto medio esquivo en que lo teatral y lo elegíaco sacan lo mejor del dark-gothic: “Ads!” (sus acordes iniciales evocan a “Bela Lugosi’s Dead”, clasicazo de Bauhaus), la desoladora “Kun” (de And Also The Trees no baja) y la magnífica “∇” son excelentes ejemplos de lo que una bien entendida retromanía es capaz de inspirar.

Putzy levanta la misma égida que gente como The Agnes Circle, Sextile o Antiguo Régimen. Si su intención es revivir un sonido al que creíamos muerto y enterrado hace lustros, y si éste resucita a una segunda vida o si lo hace zombificado, es algo que sólo se verá con el Tiempo.

Además de dos bienios, muchas estrellas se han trasladado entre el parto del primer Rare Tracks de Puna y el del que ha sido liberado en julio. Los formalismos instan a que enumere a prima facie su desvinculación de Dorog Records, que en sociedad con Chip Musik coeditaba el material del alias. En realidad el divorcio se produce a partir del inmenso Sukha (2019), pero justo es subrayarlo en tanto el primer Rare Tracks todavía figuraba en la nómina de la escudería de Giancarlo Samamé -como justo es, otrosí, remarcar que esta separación no ha implicado cisma alguno entre discográficas hermanas.

Asimismo, la nueva entrega lleva un ¿subtítulo?/¿nombre? adicional, aparte de la denominación genérica que identifica a estas compilaciones de “rarezas”. Pero la diferencia más relevante estriba en el proyecto en sí. Para la primera ocasión (2017), Puna declaraba ser una banda de formación abierta. Lo sigue siendo, aunque también es verdad que el grupo lleva ya buen rato con miembros estables -Jorge Rivas (Ionaxs), Alexander Fabián (Siam Liam, Ozono, Miyagi Pitcher, Alcaloidë...), Alfonso Noriega (El Otro Infinito, Prados Perfectos) y Leko López (Cabezas Descalzas, Prados Perfectos, Eutanasia).

Las composiciones recogidas en Rare Tracks II: Oikeiosis no sólo anteceden al segundo álbum de Puna, sino que son igualmente contemporáneas a éste y le suceden, toda vez que pertenecen al periodo 2017-2021. Descontando a los sediciosos ya mencionados, en la concepción y grabación de estas tomas se acredita al experimentado Rolando Apolo -músico de la casa, en la práctica. Hablar de “tomas”, se hace imperioso acotarlo, no ha sido gratuito. Para algunos, este Rare Tracks II... acaso podría no ser considerado más que una colección de bocetos, de apenas esbozos, de ideas a medio terminar; si se le juzga bajo criterios técnicos. Yo prefiero enfocarme en la rodaja como el corpus crudo que testimonia el pasado y el presente del cuarteto -y que en cierto modo augura su futuro, salvo por los accidentes de ruta de los que nadie está libre.

En ese sentido, no existe en Rare Tracks II: Oikeiosis número que sea versión -alterna o de cualquier otro tipo- de un tema que haya sido previamente publicado. El mayor porcentaje del track list encaja estilísticamente con la etapa que viene atravesando Puna desde su golazo del 2019. El contraste que proporcionan “Atardecer”, “Utopía Del Ser Imaginario” y en menor medida “Humus”, más próximos al bliss pop de combustión desbocada que inflamaba el estreno Au Dial (2014); sólo reafirma la opinión ya vertida en la oración anterior. Los siete cortes restantes del CD no le huyen al éter, sino que lo dosifican, equilibrándole con programaciones y/o secuencias que funcionan como la contraparte artificialmente replicada del ejemplar bateo que López despliega en Sukha. Más de una vez las explosiones noise in crescendo de ...Oikeiosis (“Eiel”), sus vocales difuminadas (“Nucleus Accumbens Septi”), sus primorosos bajorrelieves digitales (“Oikeiosis”, “El Deleite De Xakt”, el estupendo “Sierra Industrial”); evocan esa vena electrónica que Puna supo cincelar en ese segundo largo con que tocó el cielo.

Un guiño a ese futuro adelantado por Rare Tracks II... Eso es Ecos Fuera Del Camino, el EP que Puna editase hace pocos días, y que atestigua la marcha a toda máquina del buque insignia de Chip Musik, que mantiene las anclas levadas desde hace semanas. Incluso ya está confirmada para septiembre la primera recopilación del conjunto y un nuevo EP para noviembre, y se rumorea la salida de una sustanciosa recopilación de lujo con todos los discos conceptuales de la agrupación a la manera de un box set -remasterizados por lo menos sus dos primeros extended-.

“Bruma”, breve ejercicio de ese bliss pop de gravedad cero que tan natural le sale al colectivo, es tanto un recordatorio de la bellísima pureza textural que éste alcanza al abrazar dicho sonido como de la etapa que parece cerrarse para la banda -espero de verdad que nunca ese cierre sea definitivo.

A 90 grados de distancia con respecto a “Bruma”, el output mutante mitad ambient mitad post rock presente en “Aprendiendo A Morir” y en “Ecos Fuera Del Camino” se erige sobre cimbreantes secuenciaciones entre trip hop e IDM. Huelga decir que ni uno ni otro surco renuncia a las recias capas de disonancia que Puna imbricase durante sus épocas de abundancia shoegazing. Sin embargo, mientras “Aprendiendo...” no las contiene (o no puede), el canal epónimo les aplica un tratamiento funcional al andamiaje rítmico. En ambos, por último, se cuela una guitarra ¿acústica?/¿electroacústica?, cuya delicada performance no se ve empañada por la sobrecarga decibélica en uno y otro caso.

Precisión necesaria, las atronadoras cascadas de ensoñador ambient/post rock que moldean a Ecos Fuera Del Camino EP han sido concebidas y registradas a cuatro manos entre Alexander Fabián y Jorge Rivas.

Hákim de Merv