Attaraxis: Bedroom Background Music // Evah: Meditaciones // Carlos French: Tecnoética // Maribel Tafur: 2106 EP

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 2 de febrero del 2022.)

LOS DISCOS PERUANOS DEL 2021 QUE NO ALCANCÉ A RESEÑAR (II)

Alguna vez me aventuré a afirmar que, mientras personas de leyes para quienes la Música es una segunda pasión hay muchas, pares suyos que a la vez sean músicos no abundan en idéntica proporción ni remotamente. Abogados/as coleccionistas, melómanos/as e incluso ejecutantes de finde, conozco a varios/as. Bogas que con la misma seriedad se dediquen también a la composición sonora, de otro lado, brillan por su casi total ausencia.

(Debe existir un correlato que soporte esa estadística. Entendido como la garantía del ejercicio de las posibilidades, el Derecho se mueve en un ámbito claramente demarcado -el de las normas que fundamentan el concierto sociopolítico de la civilización contemporánea. La razón de ser del Arte, más aún del que ha fermentado al calor del regazo de la cultura pop, es el constante exorcismo de los conflictos existenciales que genera ese orden imperante.)

Me gustaría mencionar a Attaraxis junto a Rü (Bruno Cuzcano) y a Resplandor (Antonio Zelada) como solventes paradigmas de compatibilidad entre el Derecho y el Arte. Todavía es pronto. Alejandro Pizarro estrena alias en marzo del 2021 subiendo en varias plataformas un trabajo cuya denominación adelanta mucho del espíritu del proyecto. Bedroom Background Music consta de siete números gestados a través de la expresividad de un synth pop correctamente manufacturado, pero desigual en resultados.

Delinean la primera etapa del trayecto viñetas enfocadas en melopeas pedestres, de ésas que puedes silbar si las escuchas hasta que la asiduidad las torna familiares. Acorde con el enfoque, las secuencias son bastante elementales -y las texturas, cuando las hay, son peligrosamente vacuas. Llegado a su centro, BBM me recuerda a los demos que ofrecen ya prefigurados sintetizadores y/o teclados. Nada transforma en especialmente recordables tracks como “Cloudy Rain” o el inicial “Believe”.

Afortunadamente, Alejandro se decide a tomar el toro por las astas en el segundo tramo. Los sugerentes detalles ornamentales que con anterioridad lucían algo huérfanos -el scratch, el palanqueado click de las viejas cassetteras-, vibran ahora significativos. Ello, porque el synth que tras la mitad emana Attaraxis aprehende mejor las lecciones impartidas por capos del ayer y del hoy. Visage y Droid Bishop, Pete Shelley y Castlebeat, John Foxx y Emeralds, O.M.D. y TeeeL: el joven estudiante de abogacía insufla software y hardware de emotividades que randomiza con tino.

Programaciones veloces y efectivas (“Sunshine”), lirismo de prístino romanticismo (“Synths Ballad”, tranquilamente puede inscribirse en el repertorio de Blind Dancers), síntesis etéreamente taciturna (“Left U Out”)... Ésas son las características que sacan a flote el primer esfuerzo de Pizarro, las que más afanosamente debe cultivar con miras a su siguiente paso. Mucho por asimilar y corregir, pero me quedo tranquilo sabiendo que el talento está ahí. Depende exclusivamente del muchacho hacerle germinar para alcanzar las alturas que merece.

Del género pop independiente perucho cercano a los estándares que maneja el mainstream, muy poco cabe esperar. La aplastante mayoría de quienes abrazan su filo más rockero viene cortada por la misma trasnochada tijera. Y quienes se mantienen en sus trece, corren el albur de acabar contaminados/as por la osmótica baquelita que secreta la “industria de la música” (¿?). Lo mismo vale para los/as solistas -son contadísimas las excepciones que escapan a este sino.

No me queda claro si Evah sortea ese ineluctable hado o sucumbe a él. Más frecuentemente, me parece lo segundo. Entiendo que Meditaciones es lo primero que saca en largo la comadre, o como mínimo lo primero que saca distanciada de la argolla de “estrellitas” que se mueren por obtener el indulgente desdén del establishment radiotelevisivo local. Cual fuere el caso, Meditaciones se ha visto ¿favorecido? con una producción de primer nivel -o al menos eso dice el material de prensa que medio mundo ha rebotado. El texto en cuestión cita a David Chang, Santiago Aliaga y Alonso Bermejo como productores; nombres que a mí no me dicen nada, salvo el de Aliaga. Mis alarmas terminan de enloquecer cuando la parrafada habla de “...industrial musical latinoamericana...” y sumar “...sonidos más urbanos a su esencia R&B...”.

¿Es para tanto? Sí y no. Admito que el álbum ha sido más que cumplidoramente producido. La imagen que proyecta es la de una obra cuya totalidad/tonalidad de notas queda justificada con una masterización 10/10, calzando perfecta para estos tiempos en que ídolos de barro han hecho del rhythm & blues cualquier huevada. Presionas play, y le puedes dar dos e incluso tres bises como música de fondo mientras limpias tu habitación y zonas aledañas.

Te sacude un giro de 180 grados, empero, si te sientas a escuchar con todos los sentidos este Meditaciones. Aunque los indicadores de sacarosa se mantengan dentro de las dosis tolerables, no puedes evitar sentir esa incomodidad que suscita un r’n’b plastificado y lustroso, revestido de una pátina de aséptica sofisticación que causaría vergüenza ajena en los rostros de gente como Howlin’ Wolf, Muddy Waters o Aretha Franklin. Inhábil para trascender la imagen vistosa y la superficialidad rochosa, al cantar intenta Evah abrir su registro y evitar quedar encasillada. No sólo no lo logra, sino que además evidencia sus coqueteos con mierda auditiva tipo trap (“Marea”) y reggaetón (“Despertar” bastaría para coger Meditaciones y estrellarle contra la pared, o echarle al bote de basura más a la mano).

Hay un puñado de cortes que redimen a esférico y cantante, sin embargo. Cortes todos emparentados al funk y al soul de vieja escuela. “Pausa”, por ejemplo, apuesta a practicar un update minimalista de ambos códigos sonoros. Similar ruta trashuman “Latitud” y “El Corazón Se Acelera” -un George Clinton atiborrado de sustancias barbitúricas podría haberle firmado-. “Let It Go”, por su parte, es la única recreación r’n’b atildada del CD. Para su desgracia, este puñado no consigue borrar el mal sabor de boca que impone el resto del menú. De regular para espantoso.

A juzgar por lo editado desde “Camino De Los Sacrificios” (noviembre del ‘19), no deja de ser curioso cómo las personalidades escindidas de Carlos French pueden desdibujar los contornos que las definen para absorber elementos identitarios propios de cuanto otro yo habita ese mismo cuerpo, para después reconstruir con severidad los exactos límites que les separaban. Ídem cuando se trata de expulsar lo que no se condice con los perfiles de los que dichas personalidades blasonan.

Ya hace mucho rato que el bajista de El Jefazo parece haber tirado la toalla con el primero de sus proyectos, Coca Negra, cuyo último 7” apareció en noviembre del ‘20 con el indiciario nombre de Totalmente Abatido. Que se trate de un estancamiento temporal es tan probable como que parte del ADN de CN haya sido reconfigurado en los lanzamientos que French publicase usando nombre civil. Con éste, en cambio, su actividad se ha mantenido indesmayable -con un 45 subido en diciembre último y tres placas completas concebidas durante el ‘21. De éstas, escojo la que mejor condensa la estética que Carlos ha desarrollado tras “Camino De Los Sacrificios” -Battledoge (mayo) es un tanto más reposada, y Arkham huele a nuevo giro, guiño a Lovecraft incluido (no el primero de su prontuario).

Tecnoética (agosto) es una magnífica faena de cyberpunk. No en un sentido Tetsuo The Iron Man (1988) o Blade Runner (1982), referentes ambos muy válidos, sino en un sentido Black Mirror (2011), Altered Carbon (2018) o la excelente Sleep Dealer (2008). Es decir, una mirada a la cotidianeidad de ese futuro cristalino que las élites no se cansan de pregonar, una vez que gadgets y adelantos tecnológicos pierdan la novedad y pasen a engrosar el catálogo de herramientas de lo más corrientes. Así, Tecnoética funciona como invisible lado B de los “brochures” que seguirán gritando las bondades de los avances científicos en ese hipotético mañana, cuando éstos ya empiecen a generar hastío y tedio.

Si en Battledoge se insinuaban conexiones con el IDM e incluso con el drum’n’bass, en Tecnoética el ambient que pergeña French no teme protagonizar a cielo abierto esas insólitas aleaciones. El intelligent techno de “Replicante”, verbigracia, homenajea a los ¿antagonistas? de Blade Runner con un nerviosismo que remite a la circularidad del jungle. “Producto Programado” se pega al IDM para capturar el zeitgeist de esos días por llegar en que las tecnocracias no revistan mayor novedad. Y aunque “Esterilización” prefiere revisitar las jornadas aurorales de la EBM, su mecánica interna es empujada por el género que llegase a su mayoría de edad con Brian Eno.

Reconozco que la primera parte del mini-LP tiende a ser algo más conservadora. Yo la aquilato como el prefacio de visiones peligrosas que depara el porvenir a las nuevas generaciones: neuromantes drogándose con el olor a cromo quemado (“Tecnoética”), abrazos de silicona mientras esperas en la densa oscuridad la aparición de ángeles con ojos de televisión (“Pulso”), rosas holográficas sólo perceptibles en las proximidades de murientes estrellas rojas (“Ojos De Dicroico”). Una inquietante ventana al futuro, la que ausculta French.

Sostenido y perseverante, el camino que ha recorrido Maribel Tafur hasta su feliz hora actual. Supe de ella un par de meses antes de anunciarse la fecha de Slowdive en Lima (2017), en la que figuró como telonera sin llegar a presentarse -para mejor: el arranque de la tocada demoró un poco, y el público peruano no destaca precisamente por la paciencia con quien(es) precede(n) al headliner.

Cuenta cuatro debuts la talentosa limeña. El primero data del 2002, capitaneando el mástil del bajo en Valium. El segundo, cuando echa a andar Intune (2011), empresa peruana que escribe/licencia música mayormente ambiental para spots y locaciones de negocios comerciales. Y el cuarto, como parte de Budapest, combo que completan el multi-instrumentista Neto Pérez (guitarra y charango) y la vocalista Giuliana Origgi, y donde Maribel se encarga de beats y sintetizadores. La mixtura de canto coral, indie folk y tradición sonora peruana que proponía el extended con que Budapest se estrenó, Conífera (2017), concitó mucha atención de parte de un sector de la prensa especializada.

En plan solista, el tercer debut se vio diferido a diciembre del 2013. Colgado ad portas de la Nochebuena de ese año, el mini-álbum Mysteries Of Love interioriza esa cálida y confortable estética de electrónica chill out que a partir de entonces se ha visto potenciada/estilizada con cada nuevo fogonazo de la autora -salvo “Luna”, surco cedido a Surrounding: South-American Women In Electronic Music (2017), muestrario de la independiente Surrounding donde Tafur revela una faceta más propia de los tiempos inmediatamente anteriores al estallido IDM de los 90s.

2106 ha sido anunciado como el cuarto extended de la artista. Disiento. De los cuatro uploads que suceden a Mysteries..., el único compatible con esa definición es el que motiva estas líneas. Tal vez forzando el significado, el otro que calificaría es “Grevillea” (2019): sus más de once minutos le ubican a medio andar entre el EP y el single. Porque “Coral”, improvisación elaborada durante la transmisión online del documental La Terre Vue Du Coeur (2018), califica como 45 pese a su carácter conceptual.

Concurramos o no en esos usos, 2106 EP es un registro pletórico en nostalgia, esencialmente de la clase que los lusohablantes han llamado saudade. Desde la portada, una fotografía tomada por la madre de Maribel y que el paso del Tiempo ha desgastado, hasta el genial recurso de utilizar la sonoridad analógica de cintas VHS, digitalizadas muchos años atrás por el padre de Tafur; el artefacto deviene en bitácora de memorias (y emociones asociadas) que la compositora atesora sobre su infancia -y, por ende, remite constantemente al pasado. Un ambient digital de tosca fidelidad que vuelve la mirada hasta perderse en los recuerdos más lejanos: los presets como vidrios golpeados por la lluvia donde se refleja la ocasión en que supo el por qué de su nombre (“Soñó Maribel”), el piano que se adhiere a las voces de sus compañeros/as en el nido (“Portal”), el borroso audio verité de su cuarto cumpleaños (“Mi Papá Me Regaló Esta Flor”), la titilante textura del MIDI que rememora el hogar familiar en el distrito de Jesús María (“La Casa”)... Difícil de creer que semejante rush del hipocampo pueda acontecer en apenas 18 minutos.

Me quedo con la pista epónima de 2106 EP -otra vez el piano, ahora envuelto por la brisa marina, arropado por las olas que terminan de extinguirse a la orilla de la playa, escondiendo en su seno y casi del todo los graznidos de las gaviotas. Un shot de serotonina a la vena -con un cuarto de miligramo de oxitocina- para rubricar la sorpresa del año. Congratulaciones.

Hákim de Merv

La Terminal: Acuérdate Que Morirás // Ayver: Ayver // Earthwomb: Becoming Immanence EP // Territorio Del Eco: Experimentalismos Y Visiones De Lo Ancestral En El Perú (1975​-​1989)

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 26 de enero del 2022.)

LOS DISCOS PERUANOS DEL 2021 QUE NO ALCANCÉ A RESEÑAR (I)

Desde que comentase su epónima puesta de largo hace casi un lustro, he sabido de nuevas tan esporádicas como contradictorias concernientes a los arequipeños de La Terminal. Nada más publicar la reseña, de hecho, José María Málaga -segunda guitarra y voz- anunciaba la disolución del cuarteto. Si ésta se llegó a concretar, no duraría mucho, porque -bien como banda, bien como asunto del mayor de los Málaga- La Terminal continuó apareciendo en el scroll de las news feeds. A la muerte de un obispo, eso sí, presentando algún desamparado sencillo virtual o anunciando su colaboración en uno que otro compi (o eso creo recordar).

Hacia la veintena de octubre último, ese bastión trujillano del ruido corajudo, barriobajero y guapo que es Rip Off Records rescató una de las primeras maquetas del grupo. Nunca editada a escala masiva (lo mismo que Mala Práctica, demo del 2008 que completa el legado “prehistórico” del combo), Acuérdate Que Morirás ha sido recuperada por la escudería norteña en el hoy revalorado soporte del cassette. Perdió en el camino fragmentos de su nombre -Acuérdate De Que Morirás (2007-2014), se le denominó inicialmente-, pero ganó a cambio casi una cara completa de material inédito (o, en todo caso, rascuachamente difundido).

La versión 2021 de Acuérdate... respeta escrupulosamente el track list original, destinando cuatro de sus cinco números al lado A. El quinto y último de la primera edición, “Besando El Suelo”, encabeza el lado B seguido de una pista en la que se han encajado tomas en vivo de “17 Golpes”, de “Estar Peor” y de la que sospecho es la forma primordial de “Mientes”. Remata el side “La Fresa”, registro del 2007 en el que meten mano Málaga, Luis Cueto y Raúl Guzmán. De ellos, es Cueto quien no participaría en el debut oficial.

El valor de Acuérdate Que Morirás, que ya se percibía en su primer alumbramiento, es el de mostrarnos cómo lucía el repertorio de La Terminal en crudo -y, por supuesto, cómo sonaban los mistianos en estado “puro”. Esto es, sin Camilo Uriarte ni José Javier Castro tras la consola del estudio. Que La Terminal (2017) fue un opus de rock concebido en el corazón del Ruido no es un secreto para nadie que lo haya audicionado. Es con Acuérdate... que llegabas a ser consciente de cuánto de ese ruido delirante y audiotóxico tuvo que ser encausado y mitigado/cercenado para que pudiera brillar su pathos a través de encarnaciones algo menos informes -noise rock usamericano de los 80s (“Los Surfistas Nazis Católicos Deben Morir”), grunge (“NonXime”), rock alternativo (“17 Golpes”), tal vez punkgaze...

Consciente de ello, y de que no todo el impulso creativo primario de los rojinegros se codificaba siempre en raspantes (des)acoples y distorsiones mil. Ahí están “Besando El Suelo” o “La Fresa” para atestiguarlo.

Encantadora sorpresa la de José Luis Arango a.k.a. Ayver. Al caballero no lo conozco de ningún lado, así que empiezo lo que se dice tarde con quien ha venido labrándose una cumplidora reputación como músico desde agosto del ’19, cuando se estrenó gracias a su mini-LP Firmament. Última de sus entregas a la fecha, en Ayver (2021) muestra el proyecto un elevadísimo nivel de composición y ejecución. Pese a no haber tenido la oportunidad de escucharle anteriormente, pues, se me hace razonable suponer que dicho nivel es fruto de una evolución acaecida a través de dos mini-álbums y dos largos.

Moneda de cambio harto difundida en las músicas nacidas con posterioridad a 1977, Arango parece regirse por ese principio estético (y vital) que consiste en dosificar lo que se tiene para usarlo con sabiduría. Ello le mueve, ignoro si por vez primera, a hacer de su homónimo paso menos un disco que una gigantesca suite de doce movimientos que frisa los 2/3 de hora. Los temas en Ayver figuran todos entrelazados, y esa continuidad no sólo les hermana, sino que además tiende a asemejarles. Segmentos como “Towards The Uncanny Shores”, “Imaginary Friends (Reunion)” o “Spherical Abstraction In Progress” fluyen siempre orlados por vívidos y emotivamente solemnes arreglos de preciosismo y paisajismo sonoros, como pocas veces se han oído en la escena local -un plus que el limeño no resigna ni siquiera en sus momentos de mayor contundencia percusiva, como el colofón “Yenifrontiers” (que flirtea a la distancia con la indietrónica) o la sutil programación que asoma en la segunda mitad de “Newpocity”.

Me desconcierta algo el empleo que el propio músico hace de ciertas etiquetas en su BandCamp. Quizá el dark ambient o la experimentación tengan cabida en otros episodios de su discografía (episodios que acometeré con prontitud). No aquí. Tampoco la propuesta artística de Ayver empata con el post rock, como sí con un ambient de ascendencia neoclásica. La artesanía de sus cuerdas es abundante en toda la placa: desde el piano, con el que Arango se ha compenetrado mucho (“Glow Metamorphosis”, “Mellifluousleep”), hasta el violín (“Heaven Abscene”, “Essence Of Ayver”). Esa generosidad, sumada a los ocasionales efectos acuosos de sonido -el arroyo que discurre entre “Restored Consciousness” y “Glow...”, el mar en la crepuscular “The Souvenirs Of Enma”-, se traduce en cinemáticos soundscapes de nostálgico/melancólico talante.

Emocionante hallazgo, que mana evocación y resiliencia por todos sus flancos. Inevitable compararle con lo que hiciera en su última etapa el colectivo This Mortal Coil (cf. Blood, 1991), pero también con el recordado dueto noruego Secret Garden.

Destacar un surco por encima de los otros no me parece justo, así que recomiendo la escucha del álbum completo vía BandCamp -o mejor aún, su adquisición física.

Emergiendo del fondo de ese bullente agujero negro que es en todas partes la escena metalera independiente, propina su primer zarpazo una agrupación capitalina relativamente nueva. Fundada hace unos cuatro años, Earthwomb, terna compuesta por los guitarristas Eduardo Yalán y Pedro Zamalloa (encargado este último de mezcla y masterización), así como por el vocalista Giancarlo Melgar; dispara en octubre pasado el pistoletazo de salida Becoming Immanence EP. 31 minutos y monedas enmarcados con el inconfundible mazazo opresivo y oscuro del black metal atmosférico que restallase a inicios de los 90s -y que, a diferencia de su precursor ochentero, integra el manejo de teclados, sintetizadores y secuenciadores según corresponda.

Apertura el extended “Cosmic Revelation”, planteando sin atosigar lo que se escuchará de allí en más. Pétreo, titánico, ominoso; el instrumental anuncia tempos y contornos épicos, tras los que se parapetan ambientaciones glaciares constantemente quebradas por los agudos/rasgados chillidos de Melgar. Y si bien las guitarras pueden hacer gala de agilidad o desplazarse cachazudas, dependiendo del timing, nunca abandonan la crispante densidad del género metálico. En efecto, de “Fractal Phenomenon” -cuya versión demo se diera a conocer en abril del ’19- a la postrer “Vital Flux”, el pugnaz murallón de azorante ruido no concede tregua, salvo quizá en el breve interludio de tenso reposo que ofrece en su ecuador “Trespassing The Paragons Of Consciousness” (otro instrumental), o en las notas finales al piano de “...Flux”.

¿El resto? Queda ya dicho: una sucesión de sacrílegas sonatas fúnebres que van del desaliento y la desolación más negros a la exaltación y a la efervescencia más vehementes; con apenas lo justo para el brochazo melódico que confiere a tracks como “Walkscapes” o “The Gathering” ribetes de gestas legendarias.

Palmas para el díptico que arman “Ulterior Revelation” y “Vital Flux”. El primero funciona como reptante crescendo para que el segundo explote en toda su extrema oscuridad y cósmica locura. El cierre perfecto de un volumen trabajado a consciencia, cuyas letras -créditos para Yalán y Melgar- se inscriben en la mejor tradición pagana/anticristiana de sus pa(d)res escandinavos. El tenebrismo de Wolves In The Throne Room, Burzum, Evilfeast y Summoning puede darse por satisfecho con la fresca cosecha que su maligna semilla ha propiciado en meridión: aquí están los jóvenes (turcos).

Douglas Tarnawiecki, Luis David Aguilar, Arturo Ruiz Del Pozo, Manongo Mujica, Julio “Chocolate” Algendones, Miguel Flores... ¿Qué tienen todos ellos en común? Lo más evidente es su proveniencia de inciertos circuitos sónicos concebidos tanto a la periferia del jazz y de músicas similares, como erigidos alrededor de determinadas teorizaciones propugnadas por el accionismo avant garde de mediados del siglo XX. Algunos de estos músicos se han conocido en décadas pasadas, y se ha dado el caso de haber colaborado entre ellos. No tomaron nunca, sin embargo, parte en ninguna escena articulada en torno a figuras señeras o a manifiestos culturales. La mendicidad que antaño padecía una escena pop tercermundista como la peruana hacía imposible siquiera contemplar la posibilidad.

Todos ellos, junto a Corina Bartra y a Omar Aramayo, han sido considerados en Territorio Del Eco: Experimentalismos Y Visiones De Lo Ancestral En El Perú (1975​-​1989). La rodaja pasa a engrosar en agosto del ’21 el catálogo de la línea de lanzamientos ‘Essential Sounds Collection’ que desde hace ya varios años cura Buh Records tenazmente. Diría que incluso de manera pertinaz -con la excepción de Aramayo y Bartra, el resto ya ha visto material propio editado por la misma disquera, lo que empieza a hacer un poquito quáker la insistente reiteración.

Tal cual apunta el subtítulo, este artefacto documenta la creatividad de los/as mencionados/as durante el período ‘75-‘89, un lapso de tiempo especialmente complicado en nuestra reciente historia nacional. El punto focal de convergencia para estas piezas repescadas es su diversa/múltiple aproximación hacia las distintas vetas del acervo autóctono peruano. Así, se postulan revitalizaciones de las tradiciones amazónicas, altoandinas y afroperuana; incorporando instrumentos vernaculares característicos de cada una. En el caso de las primeras, no pueden estar mejor representadas que por la tríada de inicio: “Nocturno” de Aramayo, “Invocación” de Mujica y “Jungle” de Bartra.

En lo tocante a la fusión afroperuana, sólo podemos contar el sabroso “Eleegua” de Algendones. Y refiriéndonos a los registros de filiación altoandina, figuran “La Tarkeada” de Aguilar (bautizada así debido al rol estelar de la tarka, flauta de seis orificios frontales y uno adicional en la zona inferior) y un resultón/fintero “Bosques Girando Al Ritmo Del Sol” (Espíritus, seudónimo de Tarnawiecki). Un poco más de méritos hacen el urbanita surrealismo jazzy de “Indio En La Ciudad” y el peculiar visionado caótico que el espacio citadino filtra a los vientos de “Llegué A Lima Al Atardecer”, visionado impuesto al migrante recién llegado. El detalle es que ambos cortes son protagonizados por Miguel Flores -a título personal el primero, como miembro de Ave Acústica el segundo. Ello me remite de nuevo al rollo de estar insistiendo constantemente con los mismos apellidos.

Y no sólo eso. Más allá de su valor arqueológico y testimonial, el menú de Territorio Del Eco... tiene muy poco que resaltar per se. Novedades respecto a lo que anteriormente la disquera ha rescatado, apenas. Quizá lo de Bartra (devenida con los años en cantante de jazz afroperuano que para las últimas elecciones presidenciales decidió apoyar la candidatura de la mendaz primogénita de los Fujimori), de todas maneras lo de Algendones, y de cabeza lo de Mujica -al lado de Paracas Ritual (2020), en comandita con el noruego Terje Evensen, lo más rescatable de un músico excesivamente inflado para mi gusto.

Hákim de Merv

Evamuss: Despierta, Remedio, Cuenta // Escenario Post Apocalíptico Vol. 3 // Wilder Gonzales Agreda: Rojo // Fukuyama: Fukuyama

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 22 de diciembre del 2021.)

Responde por fin Christian Galarreta una pregunta que este escriba formulase durante la primera mitad del 2018. Acababa entonces de salir Ajq’ij, artefacto que resucitaba a Evamuss tras tres lustros de permanecer archivado, y la interrogante se refería a si el otrora músico rimense continuaría publicando bajo esa denominación -o si sólo la había reflotado para esa puntual edición a colar en el catálogo de la lusa Favela Discos. Por supuesto, de lo que no cabía duda era de que eso que sonaba en Ajq’ij -y en Antitekno, marzo del 2019- no era DiosMeHaViolado ni Sajjra, sino Evamuss.

Ahora a través de Schematic Records, la recordada label del dueto Phoenecia (Joshua Kay y nuestro connacional Rómulo Del Castillo), el peruano despacha Despierta, Remedio, Cuenta adjudicando el título nuevamente a Evamuss. Media docena de tracks compuestos/ejecutados entre el 2018 y el 2020, elaborados dos de ellos a partir de grabaciones de campo que el mismo Galarreta realizase en Yurimaguas (Loreto), allá por el 2002. Queda explícita, en consecuencia, la intención de seguir utilizando cada tanto el reflotado seudónimo a la par de su obra como Sajjra.

Antitekno y Ajq’ij dirigían la mirada hacia las épocas en que la electrónica instintiva y huraña de Galarreta se cebaba en las paradojas que implosionaban su estética -contemplación versus febrilidad, proteicidad contra iteración, fluidez frente a corrosión-. Despierta... retrocede dos pasos respecto de ese período y se encuentra con el Evamuss que virase bruscamente para adentrarse de lleno en la electrónica, dejando atrás el post rock y el bliss pop de sus primeros lances. Episodios como “Shitanero” y “Qapaq Inti Raymi”, por ejemplo, sugieren una dramática racionalización y una tonificación de los hallazgos del doble Noika Koita (1999): medularmente rítmicos, poco o nada tienen del Galarreta que en el Año del Milenio polucionaba ruido en tres funciones diarias. Por otro lado, números como “Orgía De Bordados” y el gigantesco “Baila Laikja Jaguar” proponen una emulación similar, sólo que tomando al Arritmia (1999) como modelo. Aunque no prescinden de secuenciaciones sincopadas, las aguas aquí discurren dentro de sus cauces, de rato en rato agitadas por entrecortadas corrientes metronómicas e incómodas variaciones espectrales de ruido.

La oveja negra del repertorio es “En Aguas De Yurimaguas”. Como si la bandeja eyectase violentamente el CD para reemplazarlo por otro, Evamuss desaparece de escena y su lugar lo ocupa Sajjra. Las grabaciones de campo que documentan los sonidos vernaculares de la mentada localidad selvática colisionan con mucha violencia contra los filtros y la distorsión que Christian les aplica durante los procesos creativo y de mezcla. Concluidos sus cuatro minutos y medio, Despierta, Remedio, Cuenta te devuelve a la orilla de los océanos estelares que prometía desde las primeras de sus notas.

Estrenó la airada Rip Off Records en marzo el tercer volumen de su serie de compilaciones Escenario Post Apocalíptico, con seguridad el más logrado a la fecha. Esa sólida certeza es respaldada por empeñarse ...Vol. 3 en ampliar sustancialmente la oferta de sus antecesores. Lo logra de sobra, si bien por poco tiempo -el cassette se queda a segundos de la media hora de extensión.

A diferencia de los que le precedieron, ...Vol. 3 determina colores muy marcados para cada cara de la cinta. Se han designado para la primera aquellos géneros que más asociados están al perfil del sello trujillano. Aquí la hegemonía es, por ende, mayoritariamente hardcore punk y noise/grindcore/grind noise. Tales son los arrebatados brochazos que descargan los quiteños Disbrigade (“Prisión”), los medellinenses Ley Sucia (“Sin Reacción”), los binacionales Terrore (“Sociedad Secreta”) y los santiaguinos Chakay (aún cuando “La Paradoja De La Jaula” es algo dilatada para encajar en estos formatos). El quinto ‘malo’ es otro alias santiaguino, Peorhumano & Detestables, que descerraja en “De Cirrosis Y Sobredosis” un iracundo drum’n’bass asesino, injertado de grindcore. Con bastante naturalidad, se puede afirmar que este lado A del panorámico lo es también de la nómina de la escudería.

Es el lado B, sin embargo, el más interesante. Encuentran allí cobijo el santiaguino Thanatoloop, el valpeño Bilisnegra, el arequipeño Fiorella16 y el trujillano Desorden Auditivo. En esta segunda cara la apuesta es por sonidos muchísimo menos convencionales que los de la otra. “(Sobreviviendo Al) Nihilismo Liberal” de Thanatoloop debe ser de lo más quemado que ha aparecido en el BandCamp de Rip Off: un cavernoso output mutante de anarcodark, post punk psicodélico, punk industrial, dubcore y dronecore que ruge dantesco. Igualmente ominosas son las colaboraciones de Desorden Auditivo (“Obedece Y Muere”) y Bilisnegra (la orwelliana “Guerra Es Paz, Libertad Es Esclavitud, Ignorancia Es Fuerza”), si bien la primera suena a emisión inalámbrica de dubcore mántrico y la segunda a estallido de sampladelia creepy. En semejante compañía, los trallazos  de  ambient  noise  digital  que expele Fiorella16  con  “Calle  Panteón”  asoman  bastante  más accesibles -sólo en comparación, nótese.

Debido a su cortedad, los placeres viscerales que prodiga Escenario Post Apocalíptico Vol. 3 no fueron suficientes para satisfacer la angurria que genera su escucha. A ver si para la próxima Javier Panter, responsable de la plataforma, persiste en esa senda e incrementa la dosis.

Al momento de colgar online la reseña de Patrocinado Por El Gobierno (abril), desconocía que el beneficio de la línea de subvención económica estatal para el sector cultural obtenido por Wilder Gonzales Agreda comprometía tanto a ese plástico como a su sucesor. Tiempo después (agosto), aparece Rojo, que desde nombre y portada tiene la pinta de ser una provocadora declaración de principios políticos en un país en el que todavía la derecha se resiste a abandonar posiciones de privilegio.

Pese a que el surco de apertura guiña a priori a Labradford, honestamente “Mi Media Naranja” poco o nada tiene que ver con el post rock del trío virginiano. De hecho, no encuentro en Rojo el menor indicio que me haga sospechar que Gonzales trate de acercarse a esa música. Más bien, Rojo concentra su atención exclusivamente en la electrónica de vanguardia. “Mi Media...” se asemeja al ejercicio lúdico de una inteligencia artificial crackeada que compone y ejecuta, ambas cosas en tiempo real. Por desgracia, el efecto va diluyéndose de a pocos. “Ritornelo” sigue el mismo sino, con menos colorido y acierto.

El batintín virtual con que arranca “Serapio 7 Balas” -ya sé que no es tal, sólo me estoy tomando esa ‘licencia poética’- parece ungirle de segundo y verdadero despegue de la jornada. La “percusión” va desapareciendo paulatinamente, internándose en las espesuras de un mar de los sargazos binario al pasar de los minutos. Sita en territorio ambient ruidista, esa masa acuosa va desvaneciéndose al acercarse a su final, una llanura árida y desértica donde ni siquiera florece el cactus. También en clave ambient, pero con mayores (r)evoluciones y una naturaleza esencialmente hídrica, ha sido concebida “Butes”, de registro devocional.

“Gracias Spacetime Continuum” es un homenaje no muy logrado al legendario proyecto noventero de Jonah Sharp, un crisol de IDM y sonoridades ambientales que no consigue integrar con prestancia los patrones vocales de Wilder. Esto puede deberse a que el músico/no-músico no ha estado lo suficientemente fino para hilvanarles a la odisea que gesta la música del tema, o a que su voz carece de las cualidades para convertirse en una herramienta expresiva más a sumar a las permitidas por este discurso de vanguardia. Me inclino por esto último, algo que ya le había comentado al norconeño cuando comenzó a soltar referencias bajo nombre civil (Cantos Electrónicos Para Mamá EP, 2006).

Finaliza Rojo la pieza epónima, que parece recuperada de otras eras. Brillante prodigio asistólico, las pulsaciones de “Rojo” delinean una suerte de IDM hemipléjico lleno de vibraciones transgalácticas que le permiten atravesar las barreras entre dimensiones. Junto con “Gracias Spacetime Continuum”, lo mejor de uno de los esfuerzos más modestos en la discográfica de Gonzales Agreda como tal, al lado de Terrorista! (2019).

Ahora que ya es una realidad y que incluso ha sido destacado por el sitio Tesoros Mundanos como uno de los más prominentes lanzamientos del 2021, la paciente espera con que se aguardó el primer larga duración de Fukuyama va convirtiéndose en anecdótico recuerdo. Pero cómo jodió el parto de más de un año, que ya se anunciaba a inicios del 2020, y que finalmente aconteció en la veintena de octubre último.

Había quedado Fukuyama reducido a dúo desde los tiempos de Los Días Son Aterradoramente Calmos EP. El 33 refrenda esa condición: son, pues, Gonzalo Pichihua (teclados, batería) y Juan Pablo Villanueva (guitarra, voz, metales ocasionales) los responsables de los siete cortes que incluye la nueva incursión de Fukuyama -apoyados por Martín Coaguila (bajo) y el gran José Javier Castro (piano). También corrobora el esférico, epónimo como su primer extended, que la influencia capital del binomio es el noise rock -y que, si hay que decidirse por alguna cepa, ésta es usamericana; pero de ninguna manera cual corsé. Siempre se las ha arreglado el tándem para sortear etiquetas que los vinculen a referencias específicas. Lo suyo es el ruido y punto.

O casi, porque en este disco prueban otros sabores. Desconcertantes algunos de ellos, chocantes otros. En el primer rubro se ubica “Preludio”, un sorprendente y fugaz instrumental que coquetea con la electrónica. En el segundo rubro, “Flor De Mayo”, que también tiene su apertura marcada por elementos identitarios digitales; pero que se metamorfosea sin descanso durante diez minutos y medio, uno de cuyos estadios es el hip hop (gusto declarado del grupo, que no necesariamente se traduce siempre en influencia), y otro una melodía pop de abotagados plomos (donde más se lucen las cuerdas de JJ). Curioso que ambas piezas se constituyan respectivamente en prólogo y epílogo de Fukuyama.

En el trayecto entre los extremos, predominan los medios tiempos, eventualmente atacados por el punk y por el hardcore de viejísima escuela. Ahí están para ilustrarles el incendiario grito remiso de “4 De Noviembre” y el significativamente bautizado “Panki”. La semilla ’77 también puede rastrearse en la actitud y en la vocalización gritona del cantante, como en “La Tragedia De Yattah” (de fragoroso intro). Pero son cortes del tipo de “Tierra Baldía”, de “Aura” (para la que Coaguila empuña la primera guitarra) y del propio “La Tragedia...” donde la potencia del macizo basamento noise queda en evidencia: los estruendosos riffs del primero, la corrosiva distorsión del segundo (que, sin embargo, no ahoga su melódica columna vertebral) y la rabiosa acometida decibélica del tercero dan cuenta de ello.

Consejo de pata: una composición tan larga, pero sobre todo tan cambiante como “Flor De Mayo”, da para dos e incluso tres tracks. Consideren esa opción antes de mandarse otras jugadas similares. Una vez, vaya y pase. Dos o más...

Hákim de Merv

El Otro Infinito: El Axioma De La Incertidumbre // Carlos Mancha: Flat Fill //Dios Hastío: Girel/Disfilia EP // Habø: //Textura//Difusa//

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 15 de diciembre del 2021.)

Muy poco después de que El Axioma De La Incertidumbre se colgara (7/11/21), me crucé con Alfonso Noriega en un evento donde se presentaban varios proyectos de Chip Musik. No era la primera vez que nos veíamos desde que se iniciase la emergencia sanitaria, pero sí de las pocas que pude hablar en persona con él transcurridos estos inacabables meses. Y es que, de los músicos/no-músicos identificados con la discográfica oroíno-limeña, Noriega es el que ha observado más rigurosamente las normas de aislamiento debido a complicadas circunstancias familiares.

Tampoco es El Axioma... el primer material del que el capitalino participa durante estos cerca de dos años de asoladora pandemia. Como parte de Puna, su nombre figura inscrito en Rare Tracks II: Oikeiosis (2021) y en Transmisores II (2021), y usando su alias solista colaboró con dos temas en Transmisores (2020). Pero sí es, exceptuando el pobremente bautizado Recopilatorio, su primer esfuerzo post-pandémico registrado a título individual -ocho canales que nacen al avanzar las primeras semanas de confinamiento obligatorio, y que recién adquieren forma definitiva en este 2021. EADLI, entonces, hace las veces de atestado artístico-sonoro que ilustra los duros tiempos a los que la Humanidad todavía hará frente por algunos calendarios más.

Arguye el autor que este artefacto exhibe, por momentos, un rango de sonoridades distintas a las que El Otro Infinito ha interrogado en sus 7/8 años de vida. Tiene razón en parte. Estas sonoridades aludidas se han extraído de instrumentos como la guitarra, el teclado y el casiotón. Su fuente de origen no es digital, pero sí el proceso al que se les ha sometido después, filtrándoles utilizando software a discreción.

Así y todo, el resultado no tendría por qué sonar minimal y/o desasosegado. Ése es, sin embargo, el caso. Muy pocos son los pasajes en El Axioma... que puedo tildar de recargados. Tal vez “ELUV”, que luego de dos minutos comienza a burbujear, bombardeado por poderosos crescendos. Ojo, he escrito “recargados”, no “abigarrados”. Si bien EOI rarísima vez ha sido esto último, en muchas ocasiones sí ha sido lo anterior, en el buen sentido de la palabra. No aquí. El Axioma... es Alfonso Noriega abandonado/entregado a impulsos primarios que le conminan a la sencillez y a la urgencia. O a la sencillez en la urgencia. Una máxima que subrayan las programaciones elementales e insistentes de “Al Margen De Los Hechos”, el trepidante ímpetu de éstas y el epilogal repique synth de “DLC/LEX”, la progresiva/ineluctable declinación de toda secuencia en el ambient grisáceo de “Las Sombras De La Tarde”...

No sólo es la naturaleza de las sonoridades, entonces, sino asimismo su causalidad. En la cansina rítmica de “XXI”, en el intermezzo asfixiado de ruido de “Cíclopes, Cisnes”, en los latidos con que “Sesión5” apresura el cierre de la placa; se subleva un espíritu abrumado por la intranquilidad que le rodea, golpeado por la angustia que le ciega, sobresaltado por la duda que le tortura. Ese espíritu reacciona entregando una versión de El Otro Infinito que tal vez no existe en ningún otro mundo posible. Notable testimonio, digno par de otros que han visto la luz en la región -cf. Antiviral de Lluvia Ácida, verbigracia.

Grata sorpresa/revelación la del músico ayacuchano Carlos Mancha, que llega vía SuperSpace Records. Guitarrista de Cholopower (fusión peruano-mexicana) y de Bluestuta (blues), grupos ambos creados en el 2013 y también oriundos de Ayacucho, el man se aventura como solista muchas millas más allá de los feudos visitados por cualquiera de las formaciones en que se desenvuelve. En un año en que la producción sónica allende Lima sufrió un bajón cuando menos brutal, Flat Fill asoma como claro vencedor en la categoría “mejor disco del interior del país”. Argumentos, puede acreditar de sobra.

Lo primero que salta a la vista, o a la oreja, es la absoluta falta de prejuicios del altoandino para tomar por los cuernos géneros disímiles entre sí. El que tiene más a la mano, correspondiente a la sublimación del folklor andino, está lo bastante estilizado como para sortear con comodidad la etiqueta del mestizaje -funciona, eso sí, mejor en “Percutivo” que en “Intriga”. Los más ajenos podrían ser el difuminado ambient synth de “Formación” (que a partir del minuto cuatro se enciende multicolor), el melodioso round Hi-NRG de “La Pikota”, la erosiva estética de avant garde digital que se adueña de “Fraccionado”, o el tempo ‘trip pop’ que sostiene a “Manifiesto” y a “Chan Chan” (insólita relectura del clásico de Buena Vista Social Club).

El segundo rasgo que de este Flat Fill puede resaltarse es la homogeneidad que le cohesiona. La disparidad de códigos sonoros que sus nueve episodios abordan se reduce a una mínima expresión. No hay saltos súbitos, continuidades amañadas o vacíos imprevistos. Ayuda, ciertamente, que el plástico sea abundante en arreglos de ejecución impecable, generoso en delicados acordes, paciente con la densidad agridulce que esconden algunos de sus tramos más oscuros...

Pero el principal catalizador que utiliza Mancha para absolver esta infrecuente alquimia, y he ahí la tercera particularidad del disco, es el pop de tintes jazzy y lounge. Escudado en segundos y discretos planos tras la evidencia de las influencias más notorias, ese pop es el trasfondo que hermana de cabo a rabo FF, y que sólo se hace visible al promediar su mitad -en la cadencia diapasónica de “Ascenso Funky” y en el perfecto pop electrónico de la radiante “Luz”. Extraña artesanía la de esta exquisita travesía post pop -que con lo justo trasciende el límite de la media hora, ratificando una vez más aquello de “lo bueno, si poco, dos veces bueno”.

Hacía casi dos decenios que no escuchaba a Dios Hastío. Lo último que había degustado de la célebre alineación crustcore liderada por el vocalista José Morón y el guitarrista Óscar Reátegui, que instantáneamente se convirtió en referente latinoamericano del género gracias al furibundo escupitajo de su estreno Raza De Gusanos EP (1996), era la compilación de splits varios Cérvix Inferno (2003). Un acto consciente, por cierto: a propósito de ese título, me preguntaba si el trío que completa el batero Óscar Antúnez De Mayolo -no fue reemplazado el bajista original Eduardo Nova, asumiendo Reátegui sus funciones- podía sostenerse indefinidamente sin evolucionar más allá de los coercitivos límites estilísticos abrazados por esa variante feroz y virulenta del sonido hardcore. O si, por el contrario, abandonaría aquella tormenta de Júpiter en busca de firmamentos más clementes.

Un buen día, no hace mucho, el guitarrista me hizo llegar el más reciente extended del combo en formato 45. En su infinita sabiduría, quiso el Destino que añadiera a ese obsequio un ejemplar de Historias Ficticias Para Carybdis Vol. I (2019), recopilación de cortes extraídos de sesiones grabadas entre el 2006 y el 2015, todos ellos inéditos. Historias Ficticias... no es una muestra representativa de lo que DH ha venido publicando tras Cérvix Inferno, pero sí un indicador de los estados que la música del cuarteto/terceto ha atravesado en el curso de una década, y la constatación -como postulase en aquella reseña a propósito de Cérvix...- del techo al que llegase demasiado pronto (apenas algo más de un lustro).

¿Vale la pena, pues, insistir en un camino que se ha hecho innumerables veces tanto de ida como de vuelta? Aunque la respuesta de facto es no, la pena lo vale cuando se trata de estos experimentados limeños. El tóxico audio de herencia subte que anega Girel/Disfilia EP proporciona el marco idóneo para los vertiginosos tempos inhumanos a que Dios Hastío se somete de continuo, para las guitarras aniquiladas/acribilladas/rostizadas por esa demencial distorsión que copa cada traste con amorfas masas de ruido, para la apocalípticamente gutural voz rasposa y sangrante que identifica a la banda -vocales a las que los almanaques ya comienzan a pasarles factura, empero-, para la incesante energía que impele la apisonadora de Morón/Antúnez/Reátegui, para la inapelable pertinencia de unas letras nunca más vigentes que hoy -oscilando entre el horror material y la despiadada arcada de denuncia social: “La Confusión Reina/Y Es El Orden Natural” (“Girel”), “Necesito Una Nueva Decepción” (“Disfilia”), “Es Tu Perdición/Lo Que Empieza Como Un Inocente Juego” (“Out”)...

Hace muchísimo tiempo, un amigo usaba el vocablo “monorritmia” para hablar de los peligros a los que se exponían Dios Hastío y nombres similares, peligros que podían terminar siéndoles mortales. Girel/Disfilia EP plantea para mí exactamente el mismo dilema... dieciocho años después, y en el contexto de una carrera ininterrumpida que ya rebasa el cuarto de siglo.

(AVISO DE SERVICIO PÚBLICO: Amén de “Disfilia”, el lado B de este 45 incluye “¿Qué Es Lo Que En Verdad Importa?” y “El Ataque De Los Cuásares”, recuperados respectivamente de Historias Ficticias... y de A Medio Camino De Ur EP, 2001. Una mala costumbre -adicionar tracks sin acreditarlos- de la que DH no se ha desembarazado.)

Vuelve Alberto Carbajal (a) Habø, ahora por partida doble. Primero, presentando flamante plataforma propia, in.mundo (sic). Y segundo, con nuevo trabajo acreditado a su inspirado a.k.a. artístico.

//Textura//Difusa// es un decidido paso hacia adelante para Habø. El Aviador Dro Y Sus Obreros Especializados y Grauzone son las improntas que han quedado varadas en la ruta, mientras que las huellas que Suicide y la Berlin school imprimiesen en el epónimo mini-álbum debut del unipersonal persisten. Reformuladas las primeras, potenciadas las segundas. En cuanto a Suicide, ya no es el de “Ghost Rider” o “Rocket USA”, sino el de “Cheere”. Cierto, sus arreglos de teclado son ahora más accesibles, pero no más complacientes. No si el registro sigue irradiado con el mismo lo fi que revoloteaba en Habø (2020).

En cuanto a la escuela berlinesa, al acercarte al nuevo esférico debes tomar en consideración más a sus herederos y supervivientes que a sus fundadores. El norconeño se la juega arriesgando el despegue de //Textura... con “GRIETA_”, once minutos y medio que revisitan la pertinaz simplicidad del proto-synth nacido al  amparo  de  los  Suicide  menos  intratables. Parte el proyecto desde esa basal remembranza -una suerte de alucinada reconversión sci fi de “Cheere”- para dotar a la síncopa de mayor vitalidad y a los teclados de un paulatino avivamiento ante la inminencia de la ascensión. Puede discutirse la duración, pero no el intento de Habø por desligarse de su pasado más inmediato, intento que califico de exitoso.

No hay que pensar, ergo, en Ash Ra Temple o Tangerine Dream; sino en la andadura a solas de Manuel Göttsching, en el legado que Klaus Schulze dejó bajo el chaplín de Richard Wahnfried, en la obra de Harald Grosskopf. Las cuatro piezas restantes del CD canalizan las consecuencias de la metamorfosis en modos consonantes. Mientras que “Viral​[Tape]” y “Voo_Doo” cuajan un synth más pulido y vistoso que a toda hora evita dejar de sonar minimal, “GRIETA_X” y “OleajesDeSer” son ejemplos glaciales e inconmovibles de melodías sintéticas que consiguen un débil balance entre la austeridad y la evocación. En otras palabras, con //Textura//Difusa// Alberto resigna la comodidad de su nave espacial, desmagnetiza sus botas de astronauta y se adentra en la cósmica negrura que le rodea. Apenas si está empezando.

Hákim de Merv

Diego Hernández: Radiofonía // Mesetas: Materiales Y Minerales // The Slow Voyage: Soul's Whisper // Esqueleto · Decálogo De Errores: Selección De 2007 A 2021

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 8 de diciembre del 2021.)

#AguanteChile.

Diego Hernández, líder del ¿colectivo? ¿quinteto? La Banda’s -Discogs consigna además a Martín Kaulen, Álvaro Daguer, Rodrigo Astaburuaga y Francisco Cabala; pero la foto de su apartado en esa página incluye a más de diez-, ha optado por iniciar su carrera solista en este 2021 que ya fenece. Lo hace a través de la plataforma coquimbana Nonlocal Research, utilizando un lenguaje harto divergente del que frecuentasen La Banda’s o cualquiera de sus encarnaciones/emanaciones -el de la electrónica estrapada por un ambient que mora en los límites del convencionalismo y de la condescendencia.

No cabe esperar de su mano, entonces, armoniosos colores y/o cálidas texturas. No ahora, al menos. Desde “Brevedad Y Sencillez”, Radiofonía proclama su devota entrega a cacofonías articuladas en torno a reluctantes y siniestros soundscapes. Con la discutible excepción de “Limbo Electromagnético”, que pinta para certero ajuste de clavijas, la artillería de espectrales estructuras disonantes arropadas por un aura sórdidamente nocturnal hinca el diente en todos los canales de la cinta. Ejemplos de esa supremacía: los ecos pantanosos de Ruido en la chapoteante “La Orquesta Fantasma”, el irrespirable score de crispantes variaciones electrostáticas que responde al significativo nombre de “La Marcha Termoiónica” (a lo largo de cuyos siete minutos vagabundea una voz femenina como alma en pena), la chirriante manipulación de frecuencias azules en “Apagón Analógico”, las retorcidas vibraciones de las cuerdas tratadas/intervenidas -violín, piano- en “Caja Faraday” (que guiña al fenómeno de nulificación del campo electromagnético de un conductor)...

No deja de sorprender que Radiofonía sea resultado del avezado procesamiento (¿hertziano?) de cintas analógicas, de videos colgados en YouTube, de transmisiones am/fm y de reproducciones en servicios de streaming. Un tratamiento de todas estas muestras que hace pensar en una locomoción circulatoria antes que en dinámicas asaz menos flexibles. Ésta y las demás peculiaridades antes descritas confluyen en “Modulación De Frecuencia”, la suite final de casi doce minutos, suerte de inevitable escalada que Hernández encara hacia la abstracción total -y conspicua evidencia de la posibilidades que ofrece el Ruido para liberar zonas/espacios aún en un contexto caníbal como el del urbanismo contemporáneo.

Otrosí, el confuso inicio de la historia del ¿quinteto? ¿colectivo? La Banda’s ubica a un grupo de chilenos en el Valle del Cauca -Popayán (Colombia)-, hacia 1995. Su epónimo primer paso, sin embargo, se difiere hasta el 2007. Desde entonces y utilizando diversos seudónimos (Los Knock Knock's y Jesus Freaks, entre ellos), esta asociación ha tenido un andar lo bastante nutrido como para que una sola discográfica le tome el pulso. Bajo diversas identidades, en efecto, sus referencias se hayan esparcidas entre Hueso Records (Procrastinación de Los Knock Knock's, 2017), Pastabase (el estreno del ’07), ETC Records (los dos trabajos de Jesus Freaks y el Digital Garage Days de Los Knock Knock’s, 2015), el sello propio (Las Band's Records) y Cosmovisión Registros Andinos (La Libertad Guiando Al Pueblo? y MySpace Virtual Days de La Banda’s, respectivamente en el 2017 y el 2019). Precisamente es MySpace..., recopilación de jams fechados entre el 2009 y el 2011, el único de sus títulos al que he podido acceder hasta hoy. Paulatinamente, La Banda’s se ha ido desgajando en otras pieles más, como The Psychedelic Schafferson, La Hell Gang, Non Local Society y A Full Cosmic Sound -ente este último que llegó a presentarse en el Perú durante la tercera edición del Festival Integraciones (cf. el Live In Perú 2013 publicado en enero del 2017).

Menos escarpado descuella el mini-álbum con que Mesetas se ha presentado en sociedad en octubre último. Se trata del tándem integrado por Rodrigo Mardones, de Música Casual, y Luis Venegas, de Argades. De Música Casual, he escrito lo suficiente como para que no sea un seudónimo ajeno a los lectores que me siguen. A Argades lo he mencionado alguna vez, pero la verdad es que se halla lejos de ir a la saga de Mardones. Su ópera prima, Vía (2018), corre al albur de transfigurarse constantemente -de la IDM de enfoque étnico al avant garde de rugosidades mil, y viceversa.

Seleccionados en primera instancia de un fecundo archivo de grabaciones, los siete tracks finalistas de Materiales Y Minerales fueron escogidos por Venegas, Mardones y Manuel Knwell. Colaborador estrecho de Venegas desde las jornadas de Vía, que masterizó y co-editó, Knwell repite el plato aquí -ya que también edita y masteriza el debut motivo de estas líneas. Un debut que verifica lo que ya gritaba a voz en cuello el background de los santiaguinos: la adscripción de Mesetas en el circuito de escenas electrónicas independientes de Chile.

Los movimientos iniciales del primerísimo “Levantando El Vuelo” ya hablan de poéticas catarsis que oscilan entre la demencia y la ingenuidad. Esa esquizofrenia evita que el magma eyectado e intervenido/moldeado por Mardones-Venegas avance con parsimonia, aunque su timing rítmico esté dominado por la inconstancia -desaparece a ratos- y la irregularidad -muta de un tiempo a otro-. Pese a que esta descripción permite amparar una filiación intelligent techno, la verdad es que el dúo se acomoda mejor bajo la etiqueta del ambient, que así y todo tampoco le describe a plenitud.

Porque en números como “Estratósfera”, “Montes Australes” o “Exploración”, se percibe una cierta tensión que desintegra la predictibilidad de patrones meramente ornamentales; tensión que favorece el surgimiento de un sonido cáustico y urente, tormentoso y desestructurado, chirriante y borrascoso. Es, pues, un impulso en continuo angst el que parece empujar a Mesetas entre el ambient, la IDM y una versión minimal/descarnada del illbient neoyorkino. El fragmentario/oblicuo registro que resulta de esta presurizada rigidez se propaga a veces hacia coordenadas distantes, como cuando absorbe la cósmica iteración de los primeros Experimental Audio Research -presente en “Micro Universo” y “Procesión”. Acaso sea este último el lunar de Materiales Y Minerales, pieza que parte de una melodía introspectiva para cabalgar hacia las habituales viñetas de sideralismo no-narrativo abundantes durante los 24 minutos del disco. Sólido y conciso.

Mesetas · 05 - Micro Universo

No ha sido un año especialmente fértil para los riffs duros, sean éstos de ascendencia hard, heavy, psicodélica, metal, prog, space o stoner. De modo que un retorno como el del cuarteto biobiense The Slow Voyage, tras cuatro años de mutis en lo tocante a lanzamientos, es más que bienvenido. Diferenciar entre una sustancial evolución con respecto de Time Lapse (2017) y el entusiasmo que genera el robusto reentré que supone Soul’s Whisper, no obstante, tomará algo más de tiempo.

En realidad, hay un poco de esto y otro poco de aquello. Por un lado, lo dicho: ni los géneros aludidos ni otros convergentes -como el blues, el grunge, el sludge o el garage-, ni tampoco sus descendientes -el heavy psych, el hard prog, la neopsicodelia o el stoner doom-, han visto reverdecer demasiados laureles en este 2021. Por otro lado, es innegable el progreso que ha logrado el combo desde las épocas de la puesta de largo. Dos circunstancias a tomar en cuenta. Una: el cambio de baterista en la alineación -al abrigo de la bifronte entidad formada por los guitarristas vocalistas Rodrigo Salamanca y Freddy Lepe, Demian Soto ha reemplazado a Mauricio Pinilla, mientras que Camila “Milila” Muñoz sigue inamovible en el bajo.

Dos: si bien podría especularse sobre si el material encapsulado en Soul’s Whisper es de la misma procedencia que el de su antecesor, es decir un gigantesco cúmulo de disipados ejercicios improvisatorios, lo que pone de relieve el nuevo opus es que TSV ha decidido darle protagonismo apabullante a un discurso enteogénico no por duro menos caleidoscópico. A pesar de todavía poder distinguirse matices -el vigoroso asalto stoner que se abre paso entre la tupida mixtura psicodélica de “Explosion”, la vibrante intensidad de “Recover” (cuya genial acometida hard/stoner/space nace y muere en la dosis precisa y el tiempo justo)-, es una corpulenta psicodelia de sofocante lisergia la que toma las riendas del largo.

El uso a discreción que de los arabescos hacen las eléctricas en pistas como la oriental “Exotic Mirror” o la desértica “The Conquest” abrillanta algunos de los imponentes medios tiempos que enhebra el conjunto. Éste es el formato que más dominan los angelinos -el single de adelanto “Sunset”, “Primavera De Octubre”-, el que más retumba mientras la aguja recorre el acetato, consagrando así a éste como un delectable trip pletórico en placidez sensorial y asimismo trascendental. Rédito final: una perdurable sensación similar a la que en la India llaman “amsara”.

El insólito dub-reggae psicotrópico de “Slow Down”, que con su isócrono deambular devuelve a la normalidad las pulsaciones del/de la escucha, es el encargado de dar por concluido el excelente vuelo al que Soul’s Whisper invita. De su producción física se ha encargado la independiente penquista SurPop Records, tanto en vinilo amarillo de 180 gramos y formato gatefold como en CD (100 ejemplares para cada tirada).

En medio de la avalancha de referencias que me llegan diariamente en forma de notificaciones, en una oportunidad me topé con algunas que remitían a Infinito Audio, label mapocha orientada hacia las distintas encarnaciones que la música electrónica adoptase de mediados de los 90s en adelante. Los descubrimientos que me reservó aquella ocasión fueron Bipolar y Esqueleto, primeras publicaciones de una nómina que hoy supera las 70 entradas.

Entonces no sabía que Esqueleto era el a.k.a. individual de Ottavio Berbacow, miembro fundador del seminal dueto LEM. Sin salir de mi ignorancia, escuché la recopilación que la escudería había colgado en su BandCamp: bajo la reveladora denominación de Mini Album + Microsaurio EP (2017), el cassette recogía en el lado A el fugaz LP del 2001, así como el extended del 2004 en el lado B. Masterizados ambos por Christian Heyne (Shogún, Tormenta), la propuesta del Berbacow solista frisaba esa microscópica digital de rigurosa observancia abstracta, que aún así se las arreglaba para disponer ígneas parcelas donde cada quien podía volcar los propios pensamientos y/o las propias emociones. A despecho de la excluyente frialdad que con proverbial mala leche se le atribuye a la electrónica, Esqueleto es un otro ejemplo de las atmosféricas armonías etereosónicas susceptibles de ser conjuradas incluso al amparo de hielos imperecederos.

Lanzada en septiembre a través de EMA Records, discográfica impulsada por LEM, Decálogo De Errores: Selección De 2007 A 2021 es una nueva recopilación de Esqueleto. El repertorio se compone de temas inéditos facturados a lo largo de casi tres lustros -y, contrariamente a lo que señala el texto en BandCamp, se trata de composiciones lo bastante homogéneas como para inducir excéntricas alucinaciones localizadas en fascinantes lugares abiertos (reales o imaginarios). El apolíneo ambient digital se diluye para mejor asumir/adoptar diversos rostros según cada corte: el del glitch en “El Ambient Del Gásfiter” y en “Espeleología De La Memoria”, el del bliss pop en “Sin Nada Que Ofrecer”, el de la IDM en “Contra Todo Evento”, el del post rock en el pareado “E1”-“E2” (concebidos como profilaxis propedéutica contra las dañinas madrugadas insomnes)...

Incluso el rostro harsh noise paladeado en “Fuego Amigo” participa de la metafísica que postula Berbacow a la base de su input sonoro -una que convierte a toda estética en efusiva, resplandeciente, eufónica, distendida, acuosa, llena de litio y de saudade. Colabora en la guitarra, que aparece de cuando en vez, Óscar Burotto (su partner en LEM).

Hákim de Merv