L-Ror: The Presence And Absence Of A Swerve Heart In The Birth Of Evil

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 25 de mayo del 2022.)

Uno de los sucesos con que la desaparecida label Internerds Recors empezó a escribir su corta-pero-intensa historia fue el lanzamiento a fines del ‘04 de Mixtape!, sustancioso muestrario triple que probaba suerte pasando revista a la mayor cantidad posible de sonidos florecientes en el underground peruano. De la jornada participaron tanto músicos/no-músicos de expectante kilometraje como debutantes absolutos, ubicándose entre los segundos L-Ror, nombre del que apenas si se supo lugar de procedencia (Arequipa). Hubo que esperar dieciocho años no sólo para escuchar la correspondiente puesta de largo, sino además para obtener mayor información sobre el elusivo acto sureño.

Resulta que L-Ror es la identidad paralela de Víctor Miranda Ormachea, factótum de Ruidósfera. Pensar que nos vimos en el ’18, cuando estuve de paso por la Ciudad Blanca, y no me confió que el seudónimo era suyo, que se lo había creado en el ‘01, que le reservaba para experimentos de código abierto bastante más ligados a la electrónica que lo mostrado con Ruidósfera, y que era de actividad intermitente/discontinua/vacilante/irregular. Prueba fehaciente de ello es que, recién en el año de la Pandemia, su BandCamp recupera el exiguo material grabado bajo esa chapa -Principles Of Nothing (1997​-​2010) (2010), extended donde se cuela el número cedido al voluminoso compi de Internerds (“0001”), y el single “Injuction To Cease Hostilities” (2014). A la par recibiría luz verde Ending EP (2020), de registro heteróclito respecto al de sus primeros escarceos.

En efecto, Ending EP poco o nada mantiene en común con lo antes publicado. En rounds como “First”, “Amusing Horrifysong” o el 45 del ‘14, L-Ror se perfila más como entidad electrónica que tenta por igual la indietrónica o el ruido digital -y, ya más tímidamente, la IDM o el downtempo. Freak noise que el extended rechaza, en favor de un avant bliss folk patcheado de baja fidelidad. Mares de distancia separan, pues, a Ending EP de sus predecesores; de la misma manera en que éste se halla millas por detrás de The Presence And Absence Of A Swerve Heart In The Birth Of Evil.

Primer rasgo sorprendente del esférico: la duración. Contados son los episodios discográficos de combos nacionales que se acercan a la hora y cuarto de extensión, y éste lo hace (con algo de esfuerzo, agrego). Segunda instancia a aquilatar, la más importante: el sonido. Esos accesos de bliss, de folk, de IDM, de ruido; han sido transmutados con naturalidad en melodías neoclásicas enmarcadas por aires sinfónicos -siendo éstos de tal magnitud, que levantan en torno a los diez canales de TPAAOASHITBOE la idea de una nueva sacralidad. Tercer elemento diferenciador, dicha impresión se ve reforzada por la carátula -intervención/recomposición de Valeria Valdivia Conde- y por los títulos que el ex Quilluya ha escogido al bautizar la mayoría de nuevas composiciones: “Diva Mortis (Cantata And Mantra)”, “Contemplation And Fall Before The End (Second Movement And Scherzo)”, “Strange Stillness In My Heart (Adagio)”...

El concepto de un ritualismo metamorfoseado/¿evolucionado? remece sobre todo la primera mitad de The Presence... Allí se concentra el arsenal de cuerdas sintetizadas y de teclados ¿virtuales? en plan órgano-de-iglesia, el incesante aliento de sinfonías que hesitan hieráticamente entre la desmesura de la barrocada y la simplicidad del renacentismo, la violencia sublimada que comporta adoptar procesos como la ascesis que el disco sugiere ha abrazado Miranda Ormachea en esta nueva etapa de su unipersonal. Una en la que, afortunadamente, también han encontrado cabida tonalidades de variopinta raigambre.

No es, en consecuencia, una espiritualidad atosigante la de The Presence And Absence Of A Swerve Heart In The Birth Of Evil. En “World Coming Down Over Me (Gala Mix)”, emergen un feeling jazzy que domina sus casi cuatro minutos y medio de improvisación al piano, y una voz filtrada hasta tornársele ininteligible. Este último es uno de los detalles en que difiere la versión ‘Waiting Mix’ del mismo track. Igualmente, en las relecturas de las vernaculares “Quenas (Symphonic Version)” y “Hanaq Pachap Kusikuynin” los guiños a las músicas altoandinas están muy patentes, a pesar de las eSTRINGdencias de inimaginables armonios -lo que no impide que, en la postrer recta de “Quenas...”, L-Ror exhiba una faceta a lo Jean Michel Jarre. De otro lado, las secuencias programadas/planteadas en “Contemplation And Fall...” o “Excerpt For A Kitten Called V” nada más sobrevuelan la atmósfera sacra que irradia el álbum, sin afectar tónica ni colores.

En el balance general, la placa pudo haber prescindido de un par de temas -no necesariamente de la segunda mitad. Dije que aquella nueva devoción mística en la que ahora hurga el proyecto estaba presente sobre todo en su primer tramo, no que se le obviase en el segundo. Una solución alterna se relaciona a aplicar más estrictamente el criterio de concisión. En aras de éste, quizá hubiera sido buena proposición recortar las dimensiones de “Strange Stillness In My Heart (Adagio)”, que progresivamente explora niveles de caos y distorsión a los que el plástico casi nunca es afecto. Quizá también extirparle a “Diva Mortis (Cantata And Mantra)” algunos de sus momentos finales, en los que acaba poniendo patas arriba la religiosidad  antes  pregonada.  Coincidentemente,  ambas  pistas  son  las que más se  elongan  mientras  el  CD  es reproducido -sobrepasan los diez minutos.

Como fuera, The Presence... acaba siendo una rara avis en la producción discográfica de la movida perucha, y literalmente un ovni en el contexto arequipeño. Así le posicionan su fervorosa neo-escolástica, su sinfonismo funcional, el perfil bajo de su sincretismo auditivo, la artificiosa limpidez que ahora posee su registro lo fi. Edita en físico Discos Astromelia, hogar de Sacre-X, Silvana Tello y Artaud.

PD: Completan la obra de L-Ror un ¿sencillo? ¿EP? homónimo, cedido a la rojinegra Noxa Recs, que contiene “Mi Vida Involuntaria A Bordo De Tus Fragmentos” (soundscape de once minutos y monedas); así como “Alone With Everybody”, rastreable en el “lado B” de la compilación Ciudad Sónica: Sonidos De Arequipa (El Blog Del Bam, 2015).

Hákim de Merv

Aloysius Acker: Otoño / Invierno EP / S/T // Kaiser: Cállate, Mira Y Escucha EP

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 18 de mayo del 2022.)

Se ha mostrado asaz diligente José Rodríguez vistiendo desde hace algunos meses las sedas de sólo uno de sus proyectos personales. En la veintena de noviembre pasado, Aloysius Acker colgó cuatro pistas en un link que cumplía la función de lanzamiento, aunque originalmente éste carecía de nombre (“...agrupadas sin intención de conformar un disco o EP...”, expuso el músico en su muro). Ya en febrero del ‘22, salió un mini-álbum con la enigmática denominación de S/T, genérico marbete del que siempre he descreído -a menos, claro, que realmente lo que se quiera decir es “S/T” y no “Sin Título”. En la medida en que uno y otro registro no se distancian entre sí, y dada la brevedad de ambos, reseñarles por separado se hace tarea difícil de encarar para cualquiera; pero sobre todo fútil.

Si en Vergel (3/21), Rodríguez había comenzado a maniobrar el timón del excelente unipersonal hacia estéticas electrónicas favorables a/coincidentes con el refinado shoegazing de sus primeras referencias, tanto en Otoño / Invierno EP como en S/T el cambio de curso ha parado en seco. Incluso podría decirse que el viaje inexorable hacia el ambient digital no sólo no continúa, sino que ha desandado uno o dos pasos. Para bien, subrayo: Aloysius Acker se echa el clavado sumergiéndose hasta el fondo en el lagar de un post rock vítreo, cristalino, cuya superficie se mece tupida por opalescentes vapores. Las delicadas notas de sus composiciones se derraman sin entrecortarse, como en un ensueño -propiedad que no se arredra ni siquiera en sus viñetas de mayor apasionamiento, como “Lejanía” o “Recuerdo Que Eras Como Las Nubes”.

Los tersos tramados oníricos que teje el limeño reconfortan y cobijan por igual a quienes les escuchan en el mini-LP y en el extended. No obstante, es en este último que noto una mayor similitud con el sofisticado muzak neoclásico del fallecido Harold Budd. No sólo por una mayor presencia del piano -“Pequeña Elegía” y “Un Día En Invierno Muy Temprano” no serían lo mismo sin esa distintiva sonoridad-, sino también porque en S/T Aloysius Acker se permite sumar al output programaciones y/o secuencias en estado embrionario. Las tímidas/elementales figuras que éstas sugieren/bosquejan, espaciosas y discontinuas, ciñen de una extravagante aureola de voluptuosa irrealidad a canales como “Nadie En Casa”, “Olvidar” o “El Jardín Por La Tarde”. Presencia menor en S/T, el lo fi dosificado de “Eguren”, “Hallar Tu Sombra” y la final “Solitud” acaba por darle al álbum un brillo distinto del que nimba al EP -el del dream noise.

Dos exquisitas miniaturas con que Rodríguez nos recuerda algo que a veces solemos olvidar prontamente: en ningún lado está escrito que es imperativo estar descubriendo la pólvora a cada rato -y aún si así fuera, hasta puede ser indispensable retroceder dos pasos para poder adelantar tres.

Intrigante el transitar de Jean Paul Kaiser por los vericuetos de las escenas independientes nacionales identificadas con el rock grávido/áspero/iracundo. Ha formado parte de los históricos Kaos General (clásico perteneciente al movimiento del rock subterráneo ochentero), de la misma forma en que ha integrado Yiggael, 3AM (otro de los tantos rostros de Miguel Ángel Burga) y Los Entierros. Su diversidad de registro es, pues, cuando menos encomiable: hardcore punk, doom metal al mango, garage space, psych drone, meta stoner...

Desde el ‘20, este devoto de la saga The Omen -Yiggael es el enloquecido monje que pinta los rostros del Anticristo (descubiertos en la segunda entrega de la franquicia), el primer CD de Los Entierros se llama Discípulos De La Vigilia (satánica feligresía que ayuda a Damien Thorn a cumplir sus designios en Omen III: The Final Conflict)- lleva adelante una travesía solista que debutase a fines de marzo, vía extended eyectado por Tóxico Records (escudería de Gatoebrio, Mazo, Reino Ermitaño y Tortuga). Grabado con el concurso del bajista Carlos Vidal (Ciudad Veneno, La Ira De Dios) y del hiperprolífico Herrmann Hamann, quienes vienen secundando al ex KG a partir del ‘21, Cállate, Mira Y Escucha EP ilustra el espinoso/enrevesado crossover donde se volatilizan muchos de los ingredientes antes listados -además de otros como la new wave, el post punk y la psicodelia.

El extended se compone de dos piezas, si bien entrelazadas, diferentes. Rompe los fuegos “Encerrado”, sampleando parte del diálogo entre Dean Brooks y Jack Nicholson (One Flew Over The Cuckoo’s Nest, 1975). El corte es una contundente demostración de resonante proto-punk garagero acunado por cavernosas oquedades megalíticas, con una ácida vibra entre stoner feral y dark necrofílico. Sediciosa combinación la suya, que de por sí concita rápidamente el interés.

“Autómata” marca vehemente contraste al tratarse de una canción de revoluciones sensiblemente menores. Preso de un cansino agobio y de un sentimiento de insondable desasosiego, su espíritu yace en el mausoleo del dark rock de los 80s, poseído por lúgubres climas de exasperante tensión y atribuladas atmósferas de teclado (cortesía de Hamann, también a cargo de mezcla y masterización). Coronan la faena en “Autómata” esa performance vocal a lo decrépitamente aguardientoso crooner de carretera que Kaiser escupe, así como la pesada hipnosis cuasi industrial que destilan las eléctricas de Jean Paul y Herrmann -heredadas tanto de Alien Sex Fiend como de Killing Joke, influencias capitales para este acto.

Entiendo que ambos temas han sido grabados entre el ‘20 y el ‘21. Teniendo en cuenta lo mostrado en ellos, el saldo es alentador, pero asimismo breve. Demasiado, diría yo. Ojalá pronto haya nuevas noticias de Kaiser, que con este EP -un single, en la práctica- nos deja apenas con la miel en los labios.

Hákim de Merv

Trampaluz: (Im)Pulsos

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 11 de mayo del 2022.)

Al abrazar la causa de la independencia artística en la órbita de la música pop, ocurre -más veces de las que te imaginas- que lograr una razonable consolidación del estilo personal para componer y tocar es arduo, o como mínimo fatigoso. Incluso se te pueden pasar años pugnando por alcanzar esa meta -en cuyo caso, la recompensa suele ser doblemente generosa, al arribar por fin a aquella consecución.

Fernando Arce ha perseverado mucho tiempo en la ruta, tesón que ha comenzado a rendirle plausibles frutos desde hace algunos meses. Empezó en el 2000 junto a Daniel Vega y a Rodrigo Gómez, escudados los tres tras el seudónimo de Chamico. Con elaboración artesanal, para la cual la austeridad de recursos era una condición antes que un precepto, la terna mapocha grabó a partir de entonces ingentes cantidades de material -se habla de diez horas en cintas cromadas, de las que hoy casi todo se ha extraviado. Apenas si queda una impro de 23 minutos sin título, empacada como Registros Di Inviernos (’21) y debidamente acreditada a Chamico, para libre descarga en el BandCamp del actual proyecto de Arce: Trampaluz.

Apoyándose inicialmente en Jason Norwood, Trampaluz despegó en el ‘13, siendo su debut un epónimo registro fechado a principios del ’15. En la actualidad, lleva publicados trece álbums completos, sin contar ni EPs ni singles; ni tampoco los tres trabajos que han visto la luz al amparo de la peruana Chip Musik Records entre noviembre y enero últimos (todos en modalidad free download). Algunos de esos primeros pasos están signados por la liberadora/libertaria exploración que desde el post punk emprendía Dif Juz, pasos obviamente atenidos a su contexto tercermundista. Sin embargo, cuando menos con Trampaluz EP (abril del ’14) y sobre todo con el largo Refracción (junio del mismo almanaque), el chileno se despoja de muchas de las influencias que aún le marcaban el imaginario -jazz modal, sonido Canterbury, post punk, primera psicodelia, post bop- a efectos de instalarse en ese mayo francés del ‘68 que para las vanguardias sonoras fueron los 90s.

Instalación tumultuosa, por lo demás. Reflejos En Calles Desoladas (11/21) mostraba a Trampaluz tratando de mantener el equilibrio sin despeinarse, en medio del fuego cruzado entre un bliss pop emotivo y un post rock proceloso. Valiéndose de(l desfase de) la tecnología vintage para incrustar grabaciones de campo, loops y digitalizaciones; el músico tentaba matizar la sañuda borrasca a cámara lenta de “Separando Luces De Fondo”, “En Algún Ángulo O Una Esquina” o “Habiendo Recorrido Las Calles”. Mejor resuelto brotaba 45 días después Un Silencio, que cuenta con el plus de una pedalera inspirada -si bien todavía insuficiente.

Corrigiendo y desbastando las romas salientes de inmediatos predecesores, puedo arriesgarme a decir que (Im)Pulsos (25/1/22) es el primer esfuerzo redondo que le audiciono al alias spinettano de Arce (el inolvidable Flaco bonaerense editó Fuego Gris en 1993, soundtrack de la película del mismo nombre, donde figura “Trampaluz”). Rotundo y decidido paso adelante, el disco gana en concisión acaso por la enérgica soltura con que su timing condensa y tonifica el estilo del individualista santiaguino. Sin poseer la certeza de un diseño premeditado, pareciera que este plástico tiene dos mitades idénticas, proporcionando “El Movimiento Habitual” la rugosa/hosca coda a manera de descanso/bisagra entre ambos hemisferios -generosos en crujientes artesonados de eléctricas que deslumbran paradójicamente sedantes, en compactos dédalos seductores de sonido, en imperturbable introversión oceánica...

De otro lado, el soporte rítmico cumplimenta una discreta presencia constante, pero no siempre íntegra. Mientras que en instrumentales como “Acentúan Un Tiempo” y el vigoroso “Una Señal Transitoria” puede apreciarse entera, en temas como ”Incluso Una Forma Regular”, “Tiene Similar Recurrencia” y ese tratado de texturología que responde al nombre de “Con Una Longitud Común”; esa presencia se aferra a líneas de bajo que son apenas musitadas/sugeridas.

Los días en que cierta turbiedad hacía presa de la música de Arce son, pues, cosa del ayer -no es que ésta haya desaparecido, sino que ahora yace controlada/concentrada, lista para el desembalse cuando es menester. Ídem la dispersión que atormentaba al acto capitalino en episodios anteriores -aunque, en el caso de ésta, sí debe subrayarse su prescindencia absoluta. (Im)Pulsos es Trampaluz en pleno dominio de todas sus posibilidades -como lo demuestra “En Un Espacio Continuo”, que adapta interesantemente el patrón polikinético del drum’n’bass a la ebullición bliss. Su primer home run en ligas mayores, rebosante de post rock ingrávido, beatífico, sin lastres; que se abrillanta al invocar las imágenes de crepúsculos inacabables.

Hákim de Merv

Beach House: Once Twice Melody

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 27 de abril del 2022.)

Grupos y artistas de primera categoría, que con caracteres de fuego grabaron en la historia de la música pop la expresión más acabada de la brillante fórmula estética destilada a través de su música, no precisamente escasean. Una cuestión más espinosa, empero, es la relacionada a cómo afrontar la propia carrera tras haber arribado al punto culminante de su evolución. Algunas bandas no salen airosas de ese predicamento y desaparecen, mientras que la mayoría prueba suerte tratando de avanzar más allá. De estas últimas, casi todas toman la inexorable cuesta descendente que las conduce a su disolución. Pocas alcanzan a refinar exitosamente el sonido de su(s) mejor(es) jornada(s), y todavía menos son las que consiguen superarse a sí mismas.

De momento, Beach House parece sentirse a gusto entre aquellos de sus pares capaces de sintetizar las virtudes de sus más valiosos largos para seguir habitando en las alturas sin girar una y otra vez la tuerca. Si con Depression Cherry y Thank Your Lucky Stars (ambos lanzados el ‘15), Alex Scally y Victoria Legrand sacaron chapa de headliners gracias a una surreal sonorización pop, nacida allí donde el indie post-noventero y el nügaze del nuevo milenio se daban la mano/se agarraban a trompadas para fusionarse; con 7 (‘18), ese output adquiría dimensiones majestuosas, augustas, gracias al protagonismo que el CD confería a la lúdica electrónica seráfica abrazada por los usamericanos y a la psicodelia reverdecida que impulsó el siglo XX en sus postrimerías. Así, y hasta ahora, 7 es la valla más alta que los de Baltimore han impuesto.

¿Dónde queda Once Twice Melody, entonces? Luego de cuatro años en los cuarteles de invierno, lo nuevo de Beach House es un imponente álbum doble que en total se aproxima a la hora y media de duración. Aunque minutajes de idéntica extensión anuncian normalmente volúmenes de factura irregular, infestados de material de relleno que les hace imposible soportar intactos la erosión a que el Tiempo somete todo, el binomio ha tenido el buen tino de dividir el díptico en cuatro  capítulos  diferenciados unos de  otros,  como  si  se  tratase  de  un  box set de cuatro EPs -dos para cada rodaja: ‘Pink Funeral’ y ‘New Romance’ en la primera, ‘Masquerade’ y ‘Modern Love Stories’ en la segunda. Compartimentado OTM de esta guisa, aún el/la más quisquilloso/a se quedará sin alegatos para criticar dicha amplitud.

De todos los proyectos que alimentó a partir de los 00s el primigenio shoegazing, contados son los que optaron por enfatizar el ingrediente pop de esa supersónica aleación. Whirr, el lo fi de Nicholas Nicholas, los australianos de VHS Dream, los fantásticos Glaare... Ninguno de ellos se arriesgó antes que Beach House, descontando a modo de antecedentes algunas canciones de Fleeting Joys o de M83. El grueso de herederos apostó por hermosear el noise a través de la pedalera -de 93MillionMilesFromTheSun a The Stargazer Lilies, de Autolux a Tennis System, de Dream Suicides a Catch The Breeze. Con la discografía de Victoria y Alex, pues, se inaugura en el nügaze una veta donde la fúlgida melodía de estoque ostenta sobre el ruido una preeminencia que antes era prorrateada.

De la increíble apertura epónima del disco a la crepuscular “Modern Love Stories”, cuya segunda mitad se despide en clave semiacústica, cada maldito minuto invertido en Once Twice Melody ha reportado generosos réditos. Dado el notorio declive de carga distorsiva (“Through Me”, “Only You Know”, “Superstar”, “Runaway”), la dupla ha empeñado todo su talento en una performance instrumental que se agiganta íntegra a lo largo de los dieciocho temas de la entrega. El placentero, apacible dulzor de las líneas melódicas guarece en su interior mínimas dosis de pesadumbre y melancolía, suficientes como para no olvidar ese desconsuelo impersonal que lleva siempre el ser humano en el alma (incluso en la de quienes se muestran a toda hora joviales). “Many Nights”, “ESP”, “Finale”, “The Bells”, “Sunset”, “Another Go Round”... La lista de aciertos codificados en un formato más-pop-que-dream es nutrida. Injertadas en ese catálogo no sólo aparecen las canciones más identificadas con el baggy líneas atrás enumeradas, sino también aquellas donde el aditamento electrónico se exhibe en toda su tórrida intensidad: “Over And Over”, “Once Twice Melody”, “New Romance”, “Masquerade”.

Circulan verosímiles e insistentes rumores sobre la pronta disolución de la mancuerna. De confirmarse, este Once Twice Melody, mezclado por monstruos de la talla de Alan Moulder (Death Cab For Cutie, The Smashing Pumpkins, Depeche Mode, Nine Inch Nails) y Dave Fridmann (Mercury Rev, The Flaming Lips, Luna, Elf Power, Mogwai, Low); se convertiría en el magistral epílogo de una carrera ejemplarmente ajena a las consideraciones del mercado. El colofón idóneo para el que Beach House ha preparado escrupulosamente una espectacular contraparte visual -dieciocho videos en animación por computadora y con las líricas añadidas, disponibles en YouTube por separado, de un porrazo y/o agrupados de acuerdo a los cuatro capítulos dispuestos en ambos esféricos. El remate cuyo objetivo nunca fue clavar nuevas banderas en territorios vírgenes a mayor gloria del dueto, sino sublimar/extractar/condensar en poco más de ochenta minutos las cualidades y hallazgos que los de Maryland han acreditado a la vez que ofrecido a la música pop del siglo XXI. Prefiero centrarme, por ahora, en este bellísimo obsequio para sus fans -dándole vueltas hasta literalmente levitar. Después habrá tiempo para lamentar su pérdida y decirles hasta siempre.

Hákim de Merv

Mensajes Del Agua: Nuevos Sonidos Desde Perú Vol 1

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 20 de abril del 2022.)

Nueva antología Buh Records, cuyo nombre ya anuncia intenciones de enderezar la mirada hacia aquellos/as sobre quienes recae el futuro de las músicas experimentales en nuestra movida independiente. Inicio con buen pie, que le aparta del sesgo cansino/reiterativo del precedente Territorio Del Eco: Experimentalismos Y Visiones De Lo Ancestral En El Perú (1975​-​1989). Valga la aclaración, algunos comentarios han incidido en cierta unánime condición bisoña de los/as colaboradores/as. Apreciación algo inexacta: la totalidad de temas no corresponde a debutantes absolutos/as -pero incluso las trayectorias de quienes ostentan cierto kilometraje no exceden el lustro de duración.

Mensajes Del Agua: Nuevos Sonidos Desde Perú Vol 1 arranca aludiendo al líquido que nuestra especie ha catalogado como el solvente universal. Si piensas en la característica más notoria, su dinámica/informe fluidez, como que el panorámico queda en debe. Es en las propiedades menos evidentes -veloz propagación del sonido, alta absorción del calor, elevada tensión superficial- que se revela adecuado el guiño del título. De entrecortada circulación, el tape resiste con porfía digna de elogio la tentación de asimilar la abrasión textural del ruidismo, si bien se vale de su yuxtapuesta/acumulativa dialéctica.

La cinta despliega el lado A y despide el lado B con dos alias reconocibles del underground perucho: Mauricio Moquillaza y la hiperprolífica artista escudada tras el seudónimo de Grave For Amanda. El primero trabaja delicadas piezas de melancólico ambient modular, mientras que la segunda despacha por igual -también usando los noms de guerre de Ojeras De Damita y Everynell- apacibles suites de melodioso post rock y compactas ráfagas de reluciente ambient glacial. Uno y otra refrendan background en las respectivas “Carácter Transitorio” y “Grounds Of Negligence”, así como avisan acerca de la naturaleza unitaria de cada proyecto que estampa su firma en la presente jornada.

Como advertía en el primer párrafo, aquí escuchamos por igual a debutantes relativos/as y a pesos wélter camino de convertirse en medio. Entre los/as primeros/as se encuentran Isabel Otoya (“Ansiedad, Futurismo & Incertidumbre”, atonal ventisca non-sense de factura compositiva contemporánea), Michael Magán (“Quick-A” emula las agudas vibraciones que emitiría una imposible capa de cristal en permanente ondulación), #DMTh5 (la inclemente desolación post rock de “En Honor A Los Caídos” es sólo visitada por vientos sobre los que cabalgan fantasmales psicofonías del ayer), Lucía Beaumont (extirpándole la furia, la breve “Escondite” se inspira en la primera etapa de Einstürzende Neubauten para retratar el mugido del simún percutiendo sobre diversas superficies) y Vered Engelhard. Este último merece un comentario aparte, por ser “Dirty River” el episodio de Mensajes... cuyas grabaciones de campo utilizadas dejan por fin escuchar la voz del agua -aunque tampoco logra permearse de su armonioso discurrir. El número acaba siendo jaloneado por ¿quenas?/¿pincullos?, mientras el trueno brama en el fondo.

Entre quienes acreditan un mayor recorrido se cuentan el propio Moquillaza, Ayver (“Reconciliación Con La Vida”, muy en el estilo neoclásico/electroacústico a lo 4AD ‘80-‘87 de José Luis Arango), la antedicha Grave For Amanda, Vrianch (el de Víctor Chang es el acto más curtido, como lo prueba la estética polimorfa de su output electrónico, que en “Brief, Cruel And Anonymous” emite una leve iridiscencia bliss) y S O A R E R. Este último me ha llamado la atención por introducir en mi vocabulario dos nuevos términos: “phaserwave” y “slushwave”. Esos microgéneros no son exactas derivaciones del vaporwave, pero sí provienen del mismo nicho -las comunidades online de músicos de dormitorio, productores virtuales y melómanos. “Causa Y Efecto” es esencialmente un asalto dreampunk que, pese a desentenderse de las programaciones percusivas, no prescinde de la rítmica. Lo suyo es un ambient de veleidosos medios tiempos aupado por multitud de plugins VST y phasers.

Artefacto concebido como parte de una serie producida para la nueva plataforma Centro Del Sonido, Mensajes Del Agua: Nuevos Sonidos Desde Perú Vol 1 también testimonia el quehacer artístico-sonoro producido fuera de Lima (Huancayo, Cajamarca, Piura, incluso New York). Igualmente, el cassette visibiliza el papel protagónico de nuestras creadoras, antes ignorado. Ojalá iniciativas idénticas, promotoras de la participación igualitaria y de la descentralización geográfica, se sucedan pronto en mayor cantidad.

Hákim de Merv 

Jucsay: Kuntur Raymi

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 13 de abril del 2022.)

Si bien ya avizorada a través de “Girasoles Tricolor” y de “Spiderdance”, tracks cedidos respectivamente a las compilaciones de Dorog Records Premoniciones (‘20) y Nuevas Anormalidades (‘21), no deja de sorprender la dramática metamorfosis que Jucsay ha experimentado durante los años pandémicos. Entre Mutante (marzo del ‘18), registro colectivo al alimón con los individualistas Pascal y Movan, y Kuntur Raymi (octubre del ‘21), rebotado hace unas pocas semanas por la independiente de Giancarlo Samamé; ciertamente parecen haber transcurrido muchos más años de los que ambas acreditaciones alegan.

Acrónimo ideado por el chachapoyano Juan Carlos Salazar Yalta, autodidacta en las técnicas de inspiración audiovisual y con una licenciatura en informática, Jucsay dio inicio a sus múltiples actividades culturales en el ‘04 atravesando trochas muy distintas de las que hoy recorre. Plasmadas a partir del ’13, las primeras experiencias discográficas que publicase se encontraban plenamente instaladas en los ámbitos del arte sonoro puro: composiciones electrónicas cuya retórica del Ruido epata un despiadado minimalismo -el propio músico describe su estilo como harsh techno. Presiden la mecánica de esa primera etapa la modelación de frecuencias, el incisivo procesamiento de sonidos analógicos y digitales. Las grabaciones resultantes retratan hoscas ambientaciones de distorsión reconvertida, que sutilmente aluden a crispantes sacralidades precristianas -ahí están como ejemplos “Río Negro” y “Final De Tu Dolor” (mini-álbum Pétalo De Lata, 2014), o la post-humana “NHMDLG” y el inesperado vacío de “Oración” (mini-álbum Muda, 2013). Esta faceta del artista amazónico continúa vigente en otras actividades multimedia en las que despliega su talento...

Como músico, empero, Jucsay ha virado hacia expresiones sónicas muchísimo más cercanas a formatos pop -esto es, imbuidas de armonía y melodía. A este respecto, los antecedentes de “Girasoles Tricolor” (ludismo proto IDM) y “Spiderdance” (jubilar electrónica de linaje house) daban cuenta ya de la nueva topografía en que iba a trabajar nuestro connacional del oriente. Sobre ella se aposenta resueltamente Kuntur Raymi, producido gracias al beneficio de las Líneas de Apoyo Económico para el Sector Cultura dispensadas por el ministerio ad-hoc. El disco, cuya denominación guiña a la Fiesta del Cóndor con que se rememora cómo los pueblos ancestrales del actual departamento de San Martín recibían el solsticio de invierno (21/06), tiene dos mitades perfectamente definidas: una empieza en “Río Marañón” y termina en “Aliento De Tella”, mientras que la otra va de “Puyu” a “Shuka”. Ambos segmentos se diferencian únicamente en los matices -mientras el primer tramo subraya entusiasta la síncopa y se descubre favorable para intensas sesiones en las pistas de baile, el segundo atesora una mayor inclinación no exenta de hedonismo hacia la escucha no estática/el deleite en horizontal.

Descontando esa distinción, en conjunto lo nuevo de Jucsay se adjudica suficientes trazas que le categorizan como vigoroso update de los descubrimientos que los precursores de Detroit y de Chicago hicieran en el período ’90-’92. Justo antes de la asonada ambient noventera: es interesante paladear cómo el unipersonal emplea los potentes patrones de ascendencia electro-funk que sacudieran la Ciudad de los Vientos y los mesmerizantes graves ofrendados por la Ciudad Motor, para operar en territorios muy cercanos al intelligent techno con un concepto infinitamente más elástico que el de sus primeros días.

Golpea trepidante el house en canales como “Huayra”, la dulzona “Aliento...” o “Allko”, de fuerte flirteo esta última con el canon chill out. Aflora aplastante el techno otro tanto en “Tingorbamba”, la exquisita “Puyu” o la enigmática “Duende Azul” (dancefloor neuronal si cabe), confirmando esa plausible habilidad con que Salazar enhebra contundentes programaciones y melodías seductoras/adictivas. Alusiones a la tímbrica de la selva peruana y a los imaginarios de sus etnias mil terminan por darle homogeneidad a este excelente esfuerzo con que se reinventa el solista. Edita su propia plataforma, Seqes Records.

Hákim de Merv

Asunción: Materiales Y Símbolos // Ciudadano Kane: Límites Deshabitados

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 6 de abril del 2022.)

Iba a empezar escribiendo que, hasta poder hablar/chatear con él, no puedo saber qué había querido hacer Cristian Sánchez en el nuevo opus de Asunción. Sin embargo, ello presupone que en esta oportunidad el ex tecladista de El Diablo Es Un Magnífico se revistió de nuevos ropajes y/o se premunió de nuevas herramientas, accidental o voluntariamente. No es ésa, en definitiva, la situación -porque cuando menos desde el estreno en regla El Paisaje Interior (2019), el santiaguino ya tenía definidos los elementos que identificarían a su faceta solista, y el fino balance de éstos se ha depurado sorteando cambios traumáticos.

Más adecuado es afirmar, entonces, que no sé qué expectativas esperaba colmar Sánchez con Materiales Y Símbolos. Lo que sí tengo por seguro es que las ha dejado muy atrás a absolutamente TODAS. Las propias y las ajenas. En poco menos de una hora, el chileno dosifica los efluvios de iteración lisérgica que permeaban en abundancia su maremágnum creativo, canalizándolos de manera que favorezcan evoluciones exponenciales de la otra gran constante en su música como Asunción: el kraut rock, principal pero no excluyentemente en fase Berlin school.

Las sibilantes cintas que Sánchez manipula, sus sidéreos sintes a medio derretir, el estoico chisporroteo que le arranca a la drum machine; se condensan en tres gemas cuya extensión ya guiña a las gigantescas suites que el venerable kraut alemán concretó en irrepetibles sesiones de kosmische musik y perennizó en un puñado de históricos vinilos. Sobre la deconstruida síncopa motorik de “Los Vestigios Circulares”, por ejemplo, Asunción desliza la pegadiza placidez embriagadora de unos armónicos en permanente reverberación futurista. Esa impronta de ascendencia Düsseldorf es evocada de nuevo, sin llegar a materializarle, en la segunda mitad de “El Viento Eleva Una Esmeralda” -su primera parte, en cambio, vuelve la cara hacia insistentes oleajes de proto ambient que titilan/vibran en la misma frecuencia del track antes mencionado.

Con “Comunión Y Vigilia”, el capitalino me transporta allende Próxima Centauri, un lugar al que muy pocas experiencias sónicas me han catapultado. La primera vez que le escuché, quedé como alguna vez dijo Cerati, “...Flotando Así/Sin Tocar El Suelo...”. “Comunión... puede abordarse como una sucesión de informes abstracciones sonoras por casi 29 minutos. También, como una epifánica manifestación multimedia: a veces me parece que el surco trasciende su mera naturaleza auditiva, transformándose en un haz de luz con que escudriñar/atravesar las realidades de tiempo y espacio. Impresiones que encuentran su origen en el hecho de encomendarse inequívocamente Asunción al amparo de Tangerine Dream. La cósmica austeridad de la ambientación predominante en “Comunión...” se condimenta con una voz filtrada/procesada, mientras las notas exploran geografías etéreas que se transfiguran periódicamente en melódicas, atmosféricas, experimentales, disonantes. Se desplaza el unipersonal entre las telemétricas secuencias de Atem (1973) y el space noise de Phaedra (1974), hasta que cerca del minuto 11 entra a tallar la emotiva pulsión de Stratosfear (1976). El último golpe de timón se produce hacia el minuto 20, cuando Sánchez atraviesa el Rubycon (1975), rumbo al centro de la Vía Láctea.

Extraordinario logro del pop mapocho de vanguardia, eyectado por la avispada Poxi Records. Donde quiera que esté, Edgar Froese seguro dirigirá la mirada hacia la Tierra cuando las notas de este MYS alcancen sus oídos.

Supe un poco más de Crisis Records a propósito de un texto que redacté sobre Miradas Y Doncellas (2013), cuyo debut (1995) se ha visto por fin recuperado en edición digital autorizada (2021). Iniciado su andar en 1992, la independiente sureña se convirtió durante un quindenio en la referencia a consultar si querías enterarte de la movida synth chilena. En efecto, Crisis editó hasta el ‘06 no sólo el epónimo EP de MYD, sino también DIM de 2CV6, La Última Tierra EP de Arteknnia, el hoy inhallable Olranigaminis de Halugar-128 Bajo, A La Chuña de Mankacen y Visiones Nocturnas de Invierno; entre otros trabajos más. Tras un receso de casi tres lustros (interrumpido por No Lights de Automatique en el ’13), la label ha salido de animación suspendida el año pasado mediante una seguidilla de singles y reediciones coronada con el estreno formal de Ciudadano Kane, programado para el postrer día del ‘21.

Extraña historia la de este trío formado a fines de los 90s con el concurso de Iván Guajardo, Cristián Riquelme y Tonko Yutronic; procedente el último de Miradas Y Doncellas, y futuro animador de Lesbos In Love y Astradyne. Ya para el ’01, Ciudadano Kane tenía listo el plástico. Imagino que por razones circunstanciales, que luego se prolongaron indefinidamente, el lanzamiento de Límites Deshabitados se ha efectuado veinte años después. Con el update de rigor, claro: dos decenios de avance tecnológico en materia de software y hardware no están para desperdiciarse -y sí para reformular/dinamizar/hacer madurar algunos aspectos de los temas considerados.

Como (casi) todos sus camaradas de discográfica, la terna concilia darkwave y synth, siendo mixta la naturaleza de este último componente. Por un lado, la tradición europea se percibe en guiños al Depeche Mode inmediatamente posterior a la partida de Vince Clarke, a los brillantes LPs de Pete Shelley, incluso a los germanos de Camouflage. Por el otro, la escuela usamericana deja sentada su huella en influencias a lo Seven Red Seven, Anything Box y Red Flag -no por nada los 90s fueron la edad dorada del synth estadounidense. El crisol vierte sobre Límites Deshabitados un oscuro synth pop de correcta factura, que se despacha palpitante cuando más membrudo se exhibe: “Sonambulismo”, “Mirada Ausente”, “Tulipán Amarillo”, “Espiando A Venus”...

Existen, además, otras composiciones que se ajustan a un perfil predeterminado por la reluctancia y la niebla cegadora del fúnebre romanticismo inglés. Muchas de las letras rubricadas por Ciudadano Kane y sus compañeros de trinchera reflejan ese lóbrego tenor. En Límites..., la pluma lastimera asoma inmaculada en “Antes O Después”, y matizada en semi-baladas tipo “Hacia El Final”, “1899” (o Gary Numan bajo en serotonina) y la animosa “En Tus Alas”. Sin necesidad de palabras, pliéganse asimismo a este molde los instrumentales “Nowhere To Run” y el urgente/denso/tenso “Metrópolis” (ninguna relación con el clásico de Kraftwerk).

Lo que son las cosas, pues. Si el CD hubiera salido en su momento, tal vez se le habría catalogado como algo anacrónico -demasiado tarde para participar del banquete synth latinoamericano o para considerarle antecedente a subvertir por el electrocläsh. Hoy, que vivimos una desmodernidad donde las barreras estilísticas son constantemente destruidas para ser reedificadas, Límites Deshabitados ostenta el fuelle que ya entonces enarbolaba, y que le sobra para conseguir el aprobado en esta ocasión. Virtudes no le faltan -todas reunidas con mucho tino y sensatez en el estupendo cierre, “Viuda Negra”.

Hákim de Merv