Visoki Napon: Huitlacoche // Das Leiden: Chapter I, Dies Irae // Irradiador: Expediente Post-Industrial (1982 - 1993) // The Beyond - Music Inspired By The Lucio Fulci Death Trilogy

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 24 de noviembre del 2021.)

Llegan buenas nuevas desde Bilbao, España, a través de Kiko Monzón. Radicado desde hace muchos almanaques en la ciudad, el peruano ex Nudo De Espejos se ha unido al vizcaíno Jon Fernández bajo el alias artístico de Visoki Napon (¿guiño a la película croata de 1981?). Grabado de una toma a mediados del 2019 y mezclado un año después, su debut acaece en septiembre pasado, tras haber sido masterizado en Dublin. La rodaja recibe el extraño nombre de Huitlacoche, hongo del maíz que se consideraba alimento para pobres en los días del imperio azteca, y que hoy ha pasado a formar parte de la educación culinaria más exquisita.

Apoyada por el baterista mexicano Esau Nava, la mancuerna ha ensamblado un cohetazo al que alimentan tres tipos de combustible. Distintos, sí, pero no incompatibles: el de la psicodelia en su acepción más clásica, el del noise rock en su vertiente más áspera, el del post rock en su origen americano. Este último dato cobra relevancia al postularse la tesis del grupo como semi-instrumental: aunque Kiko (bajo) lleva la voz cantante y Jon (guitarra) le asiste en los coros, sólo a dos tracks de Huitlacoche se les puede considerar “canciones”. Un rasgo que comparte con la tropa comandada por Slint y June Of 44.

Dicha peculiaridad induce a pensar espontáneamente en Huitlacoche como fruto de dilatadas e intensas sesiones de improvisación -conciliábulos durante los cuales esos tres carburantes aludidos han interactuado hasta alcanzar un notable grado de miscibilidad. Contrariamente a lo que podría esperarse, esa característica dúctil no entra en conflicto con la compacta osamenta entre pétrea y diamantina del sonido VN, sino que le aligera. Tal vez ésa sea la paradoja paradigmática que sostiene a todo power trio, formato cuya piel más de una vez se calza el ¿dueto?/¿terceto?

Los volátiles acordes que aperturan “Desprendimiento” anuncian una filia space rock que sólo se manifestará cuando el maremágnum de la banda ingrese a periodos de relativa calma -esto es, de vez en cuando. Son norma para los indesmayables segmentos instrumentales, pues, el fragor imponente, la dureza inflexible, la tormenta estruendosa, el crescendo granítico. En medio de semejante agitación, la vital solución líquida permanece balanceada.

“Vuelvan Las Horas” y “Espacio” conceden margen para probar fortuna con otros formatos, sin exceder los límites que establece el binomio. Una intro de percusión mixta prologa -y determina- la ruta de “Vuelvan...”, mientras que en “Espacio” conviven dos tempos que se devoran al intercalarse. Lejos de esa implícita esquizofrenia insinuada, “Obstrucción” modela las sedas hard rock de principios de los 70s, en tanto “Yawar”, la pieza más larga del álbum, ofrece no pocas secciones de distensión -del prog más enérgico y sumarial a los límites del meta-stoner. Suculento entremés el de Visoki Napon, repleto de memorables pasajes para sacudir las carnes en medio de un pogo desenfrenado/para rolear esa yerba divina en compañía de la familia que elegiste -la amical.

Incierta evolución la que propone Das Leiden con Chapter I, Dies Irae, su estreno en 33 -comenzando por el concepto mismo de “evolución”. Lo que hacía del ¿EP? ¿mini-LP? Wounds una placa interesante era el denodado tesón del cuate Daniel Rossier por sortear los lugares comunes del gothic noventero, ofreciendo así una versión de éste en-gran-medida libre de afectaciones, melifluidades y empalagamientos. En ese sentido, al nuevo plástico le cuesta varios pasos en falso mantener la vara en alto.

Colgado en Internet hacia la quincena de junio, Chapter I... empieza reeditando virtudes y cualidades a través de “La Maledizione Di Amare” y principalmente “Dies Irae”, minimal goth a prueba de balas. Es a partir de “Cenizas” que al proyecto mexicano se le hace un mundo lidiar con la enfática pomposidad teatrera de la descaminada prole heredera de Andrew Eldritch y compañía. Incluso se puede aventurar un cierto paralelismo sutil entre cortes como “Cotard, Ich Werde Für Dich Beten” o “Forgiveness”, y el aura macabra de las obras de Goblin confeccionadas para los films del maestro del giallo Dario Argento (Profondo Rosso y Suspiria, respectivamente). Ojo, no estoy diciendo que suene terrible. De hecho hará las delicias de los amantes del género. Su concentración ferrosa, no obstante, sabe a salida fácil teniendo en cuenta lo avanzado por Wounds.

Afortunadamente, con “Sombras” -donde Rossier sostiene un duelo vocal junto a Suzi Sabotage, cultora finlandesa de coldwave- los afanes y pugnas del unipersonal por retomar el camino de la austeridad se hacen bastante evidentes. Pese a eventuales resbalones -“Weariness” y su llorón alegato de dark sintético, el excesivo tremendismo de “Alquimista”-, Das Leiden logra salir airoso gracias a “Blood”, “Sentir” y los magistrales 4.25 de “My Pale Face Weeps”. Un misterio por qué precisamente estos tres llevan el paréntesis de ‘Vinyl Version’. Coincidencia reveladora, también los tres sueltan los frenos para testear tiempos más acelerados, lo que les constriñe a un andar ligero.

Mención especial para “Curse”, que rescata el diálogo final de The Witch (2015) entre Thomasin y Black Phillip. Su estructura y asfixiante atmósfera testimonian la lucha entre el exceso y la templanza librada a través de los casi 58 minutos de Chapter I, Dies Irae; próximo a ser editado en físico por la peruana InClub Records (2022).

Desde hace algunos días en “pre-order”, acaba de editarse el muestrario Irradiador: Expediente Post​-​Industrial (1982 – 1993), concebido por At At Records. La tijuanense discográfica independiente del nuevo siglo, que fundaran los históricos Ford Proco, publicita a este título como medio hermano de ese célebre Backup: Expediente Tecno Pop (1980 - 1989) que ella misma editase en el 2005. Queda colmado, de este modo, otro de los muchos espacios vacíos que todavía descontinúan el mosaico biográfico de la música electrónica pop mexicana.

(Un mosaico igual de incompleto que aquellos pertenecientes a los demás países de la región. Lo dijo en algún momento el desaparecido Leonardo Bacteria -Insumisión, Pestaña-, al afirmar que la historia de la música electrónica en Latinoamérica todavía estaba por escribirse. Muchos años después, la frase del músico sigue plenamente vigente.)

Si Backup... apuesta por el legado de las formaciones primigenias adscritas al synth pop que se hizo en ‘Technotitlan’ durante los 80s, de ocasionales y por ende insólitos arrestos coldwave (Casino Shanghai, Vandada, Década 2) y minimal synth (el trío Avant Garde), Irradiador... otorga prioridad a las huestes que caminan decididamente hacia la coldwave y se adentran sin reservas en la EBM y el techno industrial. No importa si avanzan hacia estos territorios desplazándose aún desde el synth pop, como sucede con María Bonita (“Rezo El Rosario”), LLT (“Ficción”) y los oscuros Figuras Abstractas (“Proclamación Al Futuro”); o incluso si se resisten a abandonar ese estrato (“Se, Soy” de Duda Mata, que repite el plato de “Masticándote” en Backup...). El reto es no desentonar, y por suerte no lo hace casi nadie.

¿Ponderaciones? Varias. En primer lugar, la EBM de Ford Proco (“Militermia”), La Función De Repulsa (“Amor Es”) y Vortex (“Visión Oculta”). En segundo lugar, el techno industrial de LLT y Bostich (“Pieza Para Dos Radios”). En tercero, la cenagosa coldwave de Figuras Abstractas, El Escuadrón Del Ritmo (“Hierro Congelado”) y Artefakto (el otro nombre que ya consignaba Backup... con “Mundo Sin Viento”, aquí con “Omóplato”). ¿Defenestraciones? Sólo una: la deplorable “Dinámica” de Gestalt, demasiado cerca del techno pacharacón que asaltó las radios de todo el mundo a principios de los 90s.

Si el lanzamiento de Irradiador: Expediente Post-Industrial (1982 - 1993) te mueve a acercarte por primera vez a la historia de ‘Technotitlan’, te recomiendo que escuches antes a su directo antecesor Backup: Expediente Tecno Pop (1980 - 1989). En paralelo, consulta a From Trance To Cyber: An Electro Mexican Compilation (1994) y al subsiguiente Trance Formation (A Techno/Trance Compilation) (1995), registros de cariz arqueológico preparados por la escudería angelina Opción Sónica. Para darle una mirada a los antecedentes, consigue -ya sabes cómo, ya sabes dónde- el box set de siete vinilos Mexican Cassette Culture: Recordings 1977-1982 (2016), diseñado por la extraordinaria label alemana Vinyl-On-Demand: Hilozoizmo, Voldarepet, Vía Láctea, Oxomaxoma, el pionero Carlos Alvarado... Finalmente, dale un par de vueltas a Film (1985) de Casino Shanghai, a Odio Bajo El Alma (1997) y El Día De La Ira EP (1998) de Hocico, a la compilación homónima (1991) de los fundacionales Size, a todo lo que encuentres de Jorge Reyes (el otro tótem junto a Alvarado) y de Bostich (la semilla de la que nacería el sincretismo audio-cultural de Nortec Collective). Provecho.

Mira lo que son las cosas. Hace un rato mencioné al capo Argento y ahora es el turno de otro grande del giallo italiano -Lucio Fulci. Eighth Tower Records, subsidiaria de Unexplained Sounds, dio luz verde en las postrimerías de agosto a un volumen bautizado The Beyond - Music Inspired By The Lucio Fulci Death Trilogy. Sabiendo que disquera napolitana y subsede se han especializado en drone music, dark ambient y post industrial diríase pagano, a priori el homenaje al extinto cineasta romano parece tenerlas todas consigo en una confluencia soñada de sonido e imaginario/imágenes.

No sé si antes alguien haya dicho que Fulci es el Quentin Tarantino de la Santísima Trinidad del giallo, entente que completan Argento y Mario Bava. No es difícil llegar a esa afirmación, dada la mesmerizante fascinación del peninsular por las circunstancias surrealistas de ribetes desaforados y las escenas de ultraviolencia escatológica -a tal punto, que el propio realizador de Pulp Fiction y The Hateful Eight considera a E Tu Vivrai Nel Terrore! L'Aldilà como su largometraje favorito. Una entre varias -spaghetti westerns, comedias, parodias, documentales e incluso musicales (puajjjj)-, fue justamente la etapa giallo de su carrera la que elevó a Fulci a figura de talla mundial. De entre todas las películas rodadas bajo ese molde estético, sin duda sobresalen las que se agrupan bajo el rótulo de ‘Trilogía De La Muerte’: Paura Nella Città Dei Morti Viventi (1980), E Tu Vivrai Nel Terrore! L'Aldilà (1981, estrenada en USA como The Beyond) y Quella Villa Accanto Al Cimitero (1981).

Son catorce los capítulos de los que The Beyond... consta. Doce de ellos, prorrateados entre cuatro participantes, y el par restante firmado por un colaborador adicional. Nàresh Ran iza el telón con “Enoch”, que me transmitió muy poco. Sus otros dos surcos, “Eibon” y Freudstein”, tampoco son especialmente recordables. A “Enoch” le sigue “Rotta Dal Pianto”, de Mario Lino Stancati. El rollo es esencialmente el mismo: música iterativa, de ecos turbios y ambientaciones tenebrosas, que luce razonablemente convencional en comparación con otras producciones de la plataforma. Ídem las demás pistas de Stancati, “Se Parla Il Mostro” y “Perdono Sangue I Tuoi Ocche”. Y si bien podría entusiasmarte diciendo que es recién con “The Blind Woman” de Kloob que comienza en serio el vuelo, advierto que ya he mencionado de pasada la mitad de un compacto cuya locomoción es bastante díscola. Queda, sin embargo, la posibilidad de que el track list salve la situación distribuyendo con tino sus componentes; algo a lo que contribuye Kloob en la fúnebre “Hotel’s Blueprint” y sobre todo la sombría “Seven Doors Of Death” (el subtítulo que recibió The Beyond en la Unión Americana).

Es el turno de Bad Girl y el rumbo parece encaminarse para bien, porque este acto cumple pundonorosamente, en la línea opresiva y ominosa de Kloob (“City Of Death” y “He Opened The Gates Of Hell”). Pero, ay, el llamado a voltear el marcador tiene desiguales resultados. Aunque Progetto No Name + DuoSerpe se anota un acierto con la terrorífica “A Cuore Aperto”, su “Late Night Black News” y su “Ending Nightmares Of Beauty” fallan clamorosamente, dejando a este The Beyond - Music Inspired By The Lucio Fulci Death Trilogy como la primera referencia de los catálogos de Unexplained Sounds con la estadística igualada -mismo número de goles y de autogoles.

Y es que los grupos y proyectos de la disquera parecieran haberse planteado manufacturar los temas en una clave más accesible de la que usualmente enmarca sus trabajos, cuando debieron hacer exactamente lo contrario -con más ahínco, si pertenecen a Eighth Tower-. Es verdad que medio CD trata de estar a la altura del desafío que implica tributar a Fulci, y aún cuando los réditos no son malos, de ningún modo transmiten el horror de una toma como la de las tarántulas carnívoras de E Tu Vivrai Nel Terrore! L'Aldilà o la del fulminante cuchillazo transcraneal al inicio de Quella Villa Accanto Al Cimitero. Algo que los mejores esféricos del sello pueden re-crear sobradamente.

Hákim de Merv

Les Replicants: s l e e p / p a r a l y s i s / d ae m o n 金縛り鬼 // Cualquiera Puede Hacer Esto // Leñadores666: Leñadores666 // Bondage: 2010-2019

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 17 de noviembre del 2021.)

Varias han sido las oportunidades en que me he referido a Les Replicants como una de las propuestas más interesantes aparecidas en la escena peruana independiente de fines de los 10s. La última de estas ocasiones se dio a raíz de Ser/Ver, mini-álbum del 2020 que le dejaba en posición expectante. A éste, no ha tardado gran cosa en sucederle s l e e p / p a r a l y s i s / d ae m o n 金縛り鬼 -un largo que, lejos de corregir los poquísimos defectos de su predecesor y/o aumentar sus muchas virtudes, transmuta dramáticamente el registro de la dupla.

A todo esto, es válido preguntarse si sigue siendo Les Replicants un dúo. Porque en s l e e p / p a r a l y s i s / d ae m o n 金縛り鬼 vuelve a brillar por su ausencia Luz Cáceres a.k.a. Luxsie, y a ocuparse Walter Arellano del íntegro de la chamba. Con dos de dos, encima consecutivas, la pregunta por la ex Taneli Lucis al inicio de este párrafo se justifica plenamente. Cual fuere, la respuesta no implica en sí misma demérito alguno, como tampoco lo comporta el radical giro maniobrado respecto de Ser/Ver.

Tras surcar el elaborado maridaje entre notas etéreas, drone music, ambient de baja fidelidad y lecciones de renovación lisérgica dictadas por Loop, Spacemen 3 y los primigenios Primal Scream; el replicante Arellano reorienta la proa de su nave hacia esa zona liberada que habitan por igual el bliss pop y el post rock. Füxa, A Silver Mt. Zion, Flying Saucer Attack, Windy & Carl... Aún cuando podría argüirse que el grupo/solista pierde al dejar atrás el ácido coctel alquímico de su primera etapa a favor de una aleación menos multiforme, ello no es necesariamente verdad.

Por desgracia, en este esfuerzo de Les Replicants sí que lo es. Cuando s l e e p / p a r a l y s i s... despega de la mano de “3 3 3 3 3 3 3 3 3”, queda en evidencia el casi traumático golpe de timón en el historial de la banda/entidad. Arellano apuesta por una travesía de taciturnos encajes, de elegíacas urdimbres. Las sonoridades que pueblan el tema privilegian por igual la delicadeza y la armonía, la quietud y la duermevela, el retrofuturismo del post rock y las laxas vibraciones elongadas del bliss pop. Hasta ahí, todo bien. 

Las dudas comienzan a surgir cuando agoniza “d i m m e d v i s i o n”. A pesar de su angélica aura de embelesamiento, sientes cierta somnolencia debido a la falta de mayores vueltas que diferencien con claridad cada episodio de la jornada. Cuando ganas la orilla de “l i q u i d i n d u c e d c o m æ”, ya tienes buen rato devanándote los sesos pensando cuánto más va a estirarse un plástico que pudo haberse adecuado al formato del anterior, y que no consigue eludir el tedio y la monotonía que le acaban devorando. Decepcionante este s l e e p / p a r a l y s i s / d ae m o n 金縛り鬼, pero no por ende malo -regularón, nomás. Primer tropezón en la marcha de Les Replicants, todavía se pueden realizar las enmiendas necesarias para remachar el barco.

El más modesto repaso a su nómina, inaugurada en diciembre del 2011 con un four-way CD en el que metían mano Procrastinación 1 Yo 0, Angkor Wat, Juan Sáyago y Sparx; basta para corroborar que LaFlor Records se ha constituido en otra admirable trinchera de resistencia sónica contra la pasteurización de la música pop que el mainstream espolea. Amparada en una monolítica ética de trabajo y de activismo DIY, esta label celebra sus diez años de creación con Cualquiera Puede Hacer Esto, deliciosa recopilación que recorre el espectro global de su oferta.

Ésta germina y se desarrolla principalmente en torno a cuatro vetas: el post hardcore, el indie, el fastcore y el post rock. Por supuesto, existen permutaciones entre estos estilos, una de las cuales es la que más réditos artísticos ha reportado al sello -el indie/post hardcore. Procrastinación 1 Yo 0 (“Dos”), los desbandados Un Viejo Arcoíris (“Lo Hice Sin Pensarlo”) y Fiesta Bizarra (“Oh Summer Summer”), que rompen los fuegos del muestrario; se cuentan entre sus cultores, como asimismo Way 98 (“Dreaming”) y los ma-ra-vi-llo-sos Angkor Wat (“Cómo Construir Un Universo Que No Se Haga Pedazos Dos Días Después”, casi al finalizar la reproducción).

Otra de esas permutaciones es consecuencia del acoplamiento entre el post rock y el indie, permutación de la que menudean ejemplos antologados aquí: Incendios Forestales Del Viejo Continente (“Haru Ora Ora”), Avida (“Modo Dios”), Juan Sáyago (“Las Nubes No Son Del Cielo”), LÖRI (“Luna Roja / La Dicha De Lo Banal”), el cuarteto afincado en Massachusetts Dios Trio (“Japan”, interesante despliegue de urgencia y virtuosismo). Por otro lado, el fastcore se mimetiza con una poca de grindcore y otra de thrashcore en un segmento nítidamente perfilado de Cualquiera Puede..., donde la velocidad maníaca/sobrehumana linda con un tipo de ruido tan pestífero como insanamente sentido. Exponentes de esa puntual barbarie son Poncho Negro (“Algún Día Seremos Imperturbables”), el combo argentino Ostende (“Palabras, Palabritas (A Los Conservadores)”) y Kuroneko (“Cuántas Veces”).

Por todo lo expuesto, es lógico inferir que tal vez sea el indie el mayor protagonista no sólo de esta placa panorámica, sino de las producciones de LaFlor -habida cuenta de ser ésta, junto a la del stoner, la estética que más fácilmente se ha integrado al vocabulario pop contemporáneo. A las fusiones ya revisadas, hay que sumar los vasos comunicantes que tiende el indie hacia el pop, como en “Pigmalion” de POLVOS y en “Es De Lamentar Que La Tradición Sea Utilizada Como Guía Irrefutable Hacia La Belleza Y La Perfección” de Moholo Nagy. También, aditar las expresiones de ascendencia bedroom pop, como “Hueles A Que Me Vas A Romper El Corazón En Un Millón De Pedazos” de Rü (la célebre identidad de Bruno Cuzcano) y “El Amor Real” de Muñeca Globo (donde asimismo Cuzcano participa); y hasta las menos contaminadas, del tipo Cometa A La Deriva (“Rosé”) y Muchacha Punk (“Demi”).

La explosiva “Pando” de Parahelio, en versión actualizada del corte cedido para el three-way CD 7000 Metros Sobre El Nivel Del Mar (2017, con los chilenos Droste y los ecuatorianos Escape From The Machinery), es la única representante del post rock presente en el volumen. Esta situación la hace prácticamente una excepción, como acontece además con “Madrugada” de FM (insólito dark pop) y el surco homónimo de No Somos Lo Que Fuimos. Quien argumente que este último tiene tanto de indie como de hardcore e incluso de punk, debe igualmente admitir que, a diferencia de los primeros nombres mencionados; NSLQF parte del hardcore punk para trasladarse al indie.

Sustancioso artefacto que invita a descubrir y a deleitarse con los testimonios que saca adelante la excelente escudería limeña. Pese a la dificultad de los años pandémicos (los que ya hemos sorteado y los que aún tenemos por delante), espero que esta gente no tire la toalla.

“El único valor de Oasis es que termina siendo una urgente advertencia sobre los peligros del rock ‘puro’. Ser un autor puro es lo más difícil, ya que su música tiende a ser la más accesible y comercial”. Estas palabras, enunciadas por mi gran amigo Sebastián Pimentel, corresponden a un artículo desmitificador sobre los mancunianos más sobrevalorados de la Historia; redactado en 1998 para una publicación de cuyo nombre no me da la gana de acordarme.

Hoy, los purismos están en franco proceso de acelerada extinción. El dictamen de Pimentel ha terminado siendo profético, si bien por razones distintas a las que su autor consigna. Quién podría imaginar entonces que, veintitrés años después, viviríamos en un mundo totalmente interconectado, sin las vanguardias que impulsaron la evolución de los movimientos culturales y artísticos del siglo XX... abocados los/as creadores/as artísticos/as a experimentar las cruzas en apariencia más improbables.

En todo esto me ha hecho pensar el debut homónimo de Leñadores666, sexteto del que forma parte un animador histórico de la movida nacional, Óscar Reátegui (T.S.M., Dios Hastío). Como ya sospechas, lo de L666 limita con el purismo, punk en este caso. Y he ahí el primer problema que se aparece: donde actualmente las haya, a las nuevas hornadas punk rock no se les ocurre ni por hueveo alentar cierto parecido con sus pa(d)res del estallido ’77. De hecho, plantearse la cuestión está fuera de discusión. Ello es lo que hace, sin embargo, Leñadores666: re-crear lo que ya en 1979 la aguerrida Lydia Lunch definía como “un recalentado acelerado de tópicos riffs de Chuck Berry”.

¿Ser ortodoxamente punk es, ergo, un atavismo en pleno siglo XXI? Pues si un discurso tan manoseado como el gothic viene reverdeciendo laureles gracias a un proceso de desafectación que le ha otorgado nueva vida convertido en minimal goth, no queda responder a esa interrogante sino afirmativamente. Desde que la “Intro” de Leñadores666 apresura las notas de “Frustración”, no suena otra cosa que punk rock (ejem) “clásico”. Esto es, derivativo, añoso in extremis, por espacio de casi una hora. Y ése es el segundo problema que afrontar: los doce primeros números tienen una duración promedio razonable para ser punk, quedándose el decimotercero a segundos de arribar a los ¡¡¡21 minutos!!! ¿Es éste, por ventura, un número que proponga alguna novedad? No: es una colección frankensteiniana, con sonido paupérrimo, de tomas fragmentarias en vivo y ensayos de algunos canales previos -incluye una de las canciones reproducida al revés.

Una postal adjunta al ejemplar que recibí del CD afirma que éste recoge “toda la tradición oral de los trovadores pastrulos de San Martín De Porres”. Supongo que algo de cierto tendrá ese aviso, porque las letras de varias de sus tonadas -“Adicción”, “Sharon Love”, “Frustración”- podrían llegar a ser hasta bizarras si no fueran extremadamente ridículas: “...Frustración, Frustración/Que Me Aplaste Un Camión...”, “...Mientras Cae La Brisa/Ama A Tu Nodriza...”, “...¡Homenaje A La Mujer Maravilla!...” (la peor de todas). Lo que podría resaltarse/rescatarse de la ejecución del conjunto queda empañado por estos abundantes deslices.

Un estreno que deja muchísimo que desear -tal vez puedan salvarse “Todo Llega A Su Fin” y “Sábana Azul”, esencialmente por méritos que atañen a sus respectivas líricas, las únicas que no merecen el vilipendio del resto.

Días después del artículo que escribí el año pasado sobre Rip Off Records, la independiente trujillana enfocada en grind/drum’n’punk/fastcore/electrónica de bulla extrema puso a la venta un cassette recopilatorio de Bondage. Las circunstancias -un cuadro agudo de stress- me impidieron tener noticia de éste y otros trabajos patrocinados por la plataforma de Javier Panter y Mila Celis, y luego la hoja de ruta que seguí me eyectó hacia coordenadas bien distantes de las que frecuenta ROR. Se justifica, así, dedicarle algunas líneas a una producción que lleva más de doce meses circulando -bueno, es un decir: los 30 ejemplares del tape, que venían acompañados de un pin y un fanzine con letras y fotos, hace rato se agotaron.

¿Y qué es Bondage? Aparte de la primera y más evidente acepción del sustantivo, ligada a las prácticas BDSM, éste designa al proyecto unipersonal del liberteño Juan Carlos Paredes Jara. Bondage se granjeó cierta repercusión merced a un epónimo mini-LP facturado en físico a través de Discos Invisibles, hace siete años. Con código de catálogo “diso022”, el esférico reeditaba su ópera prima -también epónima, 2012, vía la desaparecida Prison Thatt Records-, y le complementaba estrenando tres composiciones más una versión live interpretando “Ghost Rider” de Suicide. Se habló por aquellos días de un sonido deudor del synth punk, etiqueta que también cultivaran los finiquitados Varsovia en Recursos Inhumanos (2014). Posteriormente liberó Bondage una nueva referencia discográfica (2019), otra vez desde el regazo de Discos Invisibles, que no he podido degustar.

2010-2019 arrambla completo el mini-álbum del 2014 en la primera cara de la cinta, rescatando en la segunda dos cortes no repescados del epónimo del 2012 (“Zombie Hardy Cum”, “My Boy Operated”), otros dos de un “pre-álbum” sin denominación oficial colgado el 29 de mayo del 2013 (“Tu Vida Y Mis Susurros”, “Hustler Blanco”), y dos lados B inéditos hasta el 2020 (“Castigos” y “Atardecer”). En el desván, se quedan por ahora los remanentes: “Contigo”, “Cerebro”, “Soñando Contigo”, “Oraciones Porno” y su single virtual del 2015 “Vendidoh”.

Es verdad que lo de synth punk le cae a Bondage como pedrada en ojo tuerto. Las sistólicas crepitaciones del teclado, las llanas percusiones seriadas, el cavernoso reverb de niveles potencialmente malignos, la terriblemente atroz ausencia de limpidez en sus grabaciones; todo ello remite por igual a los días fundacionales en que los teclados empezaron a adecuarse a la minimal estética DIY diseminada gracias al escupitajo punk. Por asociación de ideas, estas características también remiten a Suicide, el legendario dúo neoyorquino precursor en el uso altamente expresivo -hiriente, dramático, desespera(nza)do- de las nuevas tecnologías que estarían a disposición de músicos y no-músicos conforme avancen los años. No es equivocado alegar que el crujiente pitido de “Tu Vida Y Mis Susurros”, por ejemplo, le convierte en el “Ghost Rider” del individualista norteño.

El output del acto, sin embargo, no queda encorsetado por estas influencias. Paredes Jara experimenta con el noise de garage (“Hustler Blanco”), transforma el synth en proto-industrial del más escarapelante (“Zombie Hardy Cum”), fuerza a este último hasta convertirle en antífona que preludia al Apocalipsis (“Castigos”). Sus viñetas insinúan visiones a cual más pesadillesca del horror que se oculta en la fresona cotidianeidad auspiciada por la mass media y el desfile de imágenes technicolor con que se/nos acuna. Es la de Bondage una música intensa y caótica (“Adentro”), de ofídica performance vocal, sintetizada/recuperada a partir de huaycos anti-rockistas de ruido analógico en permanente colisión (“Algo”), que no defrauda ni cuando acomete formas más o menos convencionales -el rock’n’roll lyncheano de “My Boy Operated”. Puede que sea ésa su mayor fortaleza: un pavor por los lugares comunes, reconvenido en la búsqueda disciplinada de aquello que todavía no identifica pero sí intuye -vg. el harsh grind de “Instrumental” o el psicótico pigfuck de “El Fin De Nuestros Afanes”. Sumamente laudable.

Eso sí, me sigue pareciendo desordenado el cover de Suicide en directo.

Hákim de Merv

Silvania: Las Naves Vuelven A Dejar Atrás Los Puertos (II)

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 10 de noviembre del 2021.)

(BREVE) INTRO: UN SOLO DESEO (O UN DESEO SOLO)

Mientras reviso a vuelo de pájaro los resultados que arroja Google sobre textos publicados a raíz del segundo debut de Silvania -aunque no aparece nada, sé que se ha redactado ya por lo menos uno-, observo que algunos enlaces fechan en el último tercio del 2018. Que consignen el nombre no es ninguna sorpresa, porque ya es cosa sabida desde hace tiempo, pero acaso sí que adelanten ciertos aspectos de su temática y ciertas torsiones en su sonido. Ambas instancias, no está de más recordarlo, han sido convalidadas por las canciones que la renovada agrupación colgase en Internet desde noviembre del ’18.

LA CAMINATA MÁS ARDUA...

(...es la que antecede a la meta.)

El último de esos avances procurados, subido el 7/1/21, exalta desde el título -“The Farewell (Dedicado A Harold Budd)”- la vida y obra del insigne compositor y pianista estadounidense. Colaborador de John Foxx, de los hermanos Eno, de Andy Patridge, de Cocteau Twins; Budd murió el pasado 8 de diciembre debido a complicaciones relacionadas al COVID-19. “The Farewell...” se despoja de todo atisbo de distorsión para homenajear el minimalismo ambient con que el talentoso usamericano se identificase desde los tiempos del estreno en la arena del pop contemporáneo, The Pavilion Of Dreams (1978). Los sucesivos reflujos ribereños que formula la guitarra por encima de las siseantes líneas del sintetizador crean el escenario auditivo idóneo para emular la experiencia nocturna de vagabundear a orillas del mar. Una experiencia en la que más de una vez te sumerges cuando reproduces los trabajos del desaparecido músico.

Por suerte, “The Farewell (Dedicado a Harold Budd)” todavía puede escucharse en el BandCamp oficial de Silvania, algo que ya no puede decirse de D 7’’ (histórico single de regreso, 2018) y sólo parcialmente de los EPs Y El Satélite Se Fue y The Colors Of The Sunset (2019 ambos). Volveré a referirme a estas omisiones en un momento.

DÉJAME CAER SUAVEMENTE

Los procesos de concepción y producción que Silvania invirtiera en Todos Los Astronautas Dicen Que Pasaron Por La Luna se han prolongado tanto como la espera que hemos debido afrontar los fans. El plástico ya llevaba unas cuantas rotaciones de retraso respecto de la fecha inicialmente planteada para el lanzamiento -2 de julio, día en que el finado Cocó Revilla cumplía años-, cuando apareció Y El Satélite Se Fue EP (15/7/19). Para la veintena de abril del año siguiente, instaurada la emergencia sanitaria en el país, Mario libera un corto video de adelanto. Ésa fue prácticamente la última nueva relativa al regreso in extenso del combo, al punto que se empezaba a dudar si aparecería o no en lo que queda de este 2021.

El grupo, por otro lado, parece haberse estirado hasta alcanzar status de quinteto. Hace dos calendarios, Mario Silvania acoplaba a la reflotada banda a Rolando Serra y Antonio Ballester. Tras la salida de Serra, ahora ésta se halla formada por Mario, Ballester, Andrés Pérez Crespo, y el tándem FEM/BOT al completo -es decir, Oman Morí y Silvana Tello. Si se trata de una alineación estable o no, eso se verá con el tiempo. Lo que sí queda claro es que Mario sigue siendo el rostro visible y principal motor de Silvania -firma ocho de los diez episodios que dan vida al recién estrenado Todos Los Astronautas..., mientras que el repescado “Mozart” es un 50/50 con Ballester, y parte del crédito restante se le concede al sexteto chileno Los Ángeles Negros (versión proto-shoegazing de “Y Volveré”).

Acabo de referirme a “Mozart” y su condición de recuperado. En efecto, originalmente se listó en Y El Satélite Se Fue EP. Sucede lo mismo con “Los Amantes De La Luna”, que es liberado por vez primera en The Colors Of The Sunset EP. Si bien estos extendeds figuran aún en BandCamp, lo hacen prescindiendo de esos cortes. El estricto cerco de silencio y de inflexible celo que Silvania ha erigido alrededor de TLADQPPLL es la causa de esta censura parcial. También lo es de la negativa de la nueva formación a realizar el teaser promocional de rigor en estas eras, así como de la total ausencia del nuevo material en plataformas públicas y/o privadas de Internet (similar régimen se aplicó a ¿Cuánta Distancia Hay Entre Tu Alma Y El Sol? Un Tributo A Silvania, artefacto preparado por Trilce Discos en el 2018). Concurro en lo tocante a esto último, mientras que lo del teaser parece algo exagerado, pese a ser exclusiva prerrogativa de Mario y compañía. En cuanto al desbanque de “Los Amantes...” y “Mozart”, considerando que ya eran de conocimiento común, retirarlos me sabe a medida bastante desproporcionada.

DIE KOSMISCHEN KURIERE

Los tres lustros que separan a Campos De Espirales, Árboles Y Secuencias Posibles (2006) de Todos Los Astronautas Dicen Que Pasaron Por La Luna se van al archivo sin aspavientos, cual si hubiese transcurrido apenas un cuarto de hora entre uno y otro, con una canción abrumadoramente emotiva como “El Cosmonauta Que Se Fue”. En su primera mitad, la apertura del nuevo opus de Silvania nimba de una impresionante aura de fulgor cósmico al cálido flujo de melancolía que mana apacible desde las teclas del Roland Jupiter 4. Inevitable imaginar al espíritu de Cocó reencarnado en el cosmonauta Joseph de la letra entonada por la voz filtrada/procesada de Mario, starman que decide quedarse en el éter interestelar. A medida que este primer segmento se apaga, el miembro fundador de Silvania inicia un conteo -progresivo antes que regresivo, contraviniendo el uso impuesto por Fritz Lang tras su lejana Frau Im Mond (1929)- que da lugar a una segunda mitad cuya cadencia entre-jazz-y-trip-hop le hace volver la nariz hacia la Tierra, sin caer presa de la gravedad. Un inicio vítreo y límpido, como en las mejores épocas del legendario tándem...

¿Y el resto? Con muchas de cal y en-la-práctica ninguna de arena, restalla y evoluciona a partir del electrogaze de inflexiones sesenteras que Silvania exhibió en los sencillos y EPs del intervalo ‘18-‘21, mixtura que adquiere ahora más visiblemente la capacidad de transfigurarse para enfilar baterías hacia determinado componente diferenciado y en consecuencia ponderado; según sea el caso. Un primer ejemplo: “Canción De Amor En La Era Lunar” favorece el entramado de paños que tejen los theremines de Tello y Ballester, tapicería sobre la que planea a ratos el vaporoso acompañamiento de una lozana guitarra quebradiza. Sofocado el menor indicio de síncopa, la impresión final que reditúa el track es oceánica, digna de ese The Tired Sounds... que alumbrase The Stars Of The Lid en el 2001, con dosis extra de estamina.

Otros ejemplos de la proteicidad que asiste al antedicho electrogaze son “Alguna Vez” y “Stasia 14”, elegíacas pistas que decora el transmutado/contenido feedback de Morí a lomo del viento solar. La primera, suerte de vals espacial ejecutado durante un perenne atardecer en el borde del planeta, es una carta de amor a esa Marlene de las galaxias a cuya protección siempre han de haberse encomendado Cocó y Mario en su etapa “española”. La segunda emula la pedestre melodía de una cajita de música, ahogada en ecos celestes y sutiles reverberaciones, leitmotivs que no resienten el ingreso de una adusta programación synth. Y a propósito de esta última, manifestación del maduro componente electrónico presente en el redivivo sonido Silvania, momentos para lucirse -e incluso descollar- no le faltan...

Uno de ellos es “Los Amantes De La Luna”, cuyo electrogaze se levanta sobre loopeos incesantes que pavimentan el camino que surcan las vocales de Mario. La suave/trotona/naif secuencia que va emergiendo y después difuminándose conforme acaece la reproducción redondea/sella la bolsa amniótica diseñada para el nuevo ser humano, aquel sucesor nuestro que podrá integrarse a plenitud en la vieja ecuación ‘Hombre+Máquina’ soñada por Kraftwerk. Otro crisol de idéntica naturaleza -y mayor dinámica- es “Danzante Espacial”: o los irrecuperables matices del Ciëlo con que replicantes de un hipotético futuro inmediato son apachidos por catervas seráficas que se alimentan de arte sonoro en perfecto equilibrio psico-espiritual. Incluso “Mozart”, que defenestré en un primer artículo dedicado al reentré del conjunto hace un bienio, encaja con mayor propiedad en el marco de este lienzo de dimensiones mayúsculas.

NEGATIVLAND

Párrafos atrás, aludía a los numerosos aciertos de Todos Los Astronautas Dicen Que Pasaron Por La Luna gracias a la expresión “con muchas de cal”. También a ciertos pasos en falso, diciendo “en-la-práctica ninguna de arena”. En realidad, el disco carece de puntos flacos como tales. No me refería, pues, a ninguna canción en concreto de la rodaja que se ha puesto a la venta el último 2 de noviembre. Menos a los instrumentales “Tú Eres El Cosmos” y “Big Star” (¿homenaje al cuarteto de Alex Chilton?), delicado y precioso el primero, subacuático y conciso el segundo.

A lo que me refería es a un rasgo que antes no lograba vislumbrar/diferenciar/separar, y que se halla en relación directa con la performance canora del acto. Segunda voz en modalidad dual, ahora le toca a Mario ponerse al frente del micrófono. Incluso cuando se le parangona al registro andrógino de Cocó, es justo reconocer que cumple como voz central. Tampoco desentona al susurrar. El escollo aún por sortear aflora cuando Mario modula sus vocales para recitar. Eso es lo que me quemaba a “Mozart”, y lo que también juega en contra de “Danzante Espacial” -una especie de impostación afectada cuya génesis todavía estoy desentrañando. Aunque, por supuesto, tal vez sólo sea una percepción mía. Es un problema menor, en todo caso, que no empaña el retorno de la célebre banda ni la fantástica habilidad de Mario para fabular las historias de los personajes -reales, ficticios- que pueblan el largo.

PARA SIEMPRE Y DE NUEVO

Silvania lleva Todos Los Astronautas... al inevitable desenlace a través de la suite integrada por “Big Star” y el doble guiño de “Y Volveré”. La tesitura líquida de “Big Star” empata perfectamente con el dream pop de la pieza epigónica, que tributa en su letra -recitada por una grácil voz femenina- a la poesía de Blanca Varela (“Naces Como Una Mancha Voraz En Mi Pecho/Como Un Trino En El Cielo/Como Un Camino Desconocido/Mas Luego Retrocedes, Te Agazapas/Y Saltas Al Vacío/Y Me Dejas Al Filo Del Océano/Sin Sirenas En Torno/Nada Más Que El Inmundo, El Bellísimo Azul/El Inclemente Azul/El Deseo”). Más notorio es su tributo a Los Ángeles Negros -ahí está el antecedente de “Gene”, lado A del D 7”, levemente influenciado en el modo de cantar por “Non Si Può Morire Dentro” del italiano Gianni Bella (1976), que popularizase en Latinoamérica el puertorriqueño Germán Wilkins al año siguiente-. Empleando estos referentes, Mario dibuja una/otra playa infinita que el fan de The Durutti Column y de Klaus Schulze, de Jarre y de Duncan Browne, de Felt y de The Byrds; recorrerá como preámbulo hacia el iluminado Valhalla del avant pop.

El futuro, ergo, queda abierto ante las posibilidades que prometen los recursos estéticos con que ahora cuenta Silvania, y ante el renovado fuego que corre por las venas de grupo y frontman. En torno a lo primero, amén de Tello, Pérez Crespo, Morí y Ballester (los dos últimos han oficiado de ingenieros de sonido); la masterización del CD ha sido cosa de José Gallo (Theremyn_4), del catalán Migue Carrizan y de Juancho Esquivel (Catervas, Juan Nolag). Finalmente, Todos Los Astronautas Dicen Que Pasaron Por La Luna -cuya portada se arma a partir de una fotografía de Yuri Gagarin, intervenida por el propio Mario- sale bajo las enseñas de la discográfica Estación Aerostática (razón social fundada por Mario y Cocó hace más de tres décadas).

En torno a lo segundo, suficiente combustible proporciona la promesa bidireccional al amigo que ya no está, hecha hace tantos años atrás. “Mario, si algún día yo falto o si tú faltas, esto tiene que seguir”.

Compromiso honrado.

Hákim de Merv

Beat Cancino: Beat Cancino EP // Valet: Adore EP // Música Casual: Hegemonías EP // Hammuravi: Fuego Negro

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 3 de noviembre del 2021.)

#AguanteChile.

Durante las calendas de septiembre, la intrépida escudería independiente serenense Templo Sagital colgó para free download el epónimo extended debut de Beat Cancino (sic). Este EP ya se había colgado bajo la misma modalidad de descarga en agosto del año pasado, desde BandCamp propio, sólo que anunciado como demo. Para el relanzamiento de hace dos meses, no se opera ningún update respecto de las tomas originalmente subidas.

Lo de Beat Cancino asoma acto unipersonal santiaguino que se ciñe al anonimato tercamente -cero información pública. Templo Sagital, por su lado, nos cuenta que el man es Luis Valdebenito; quien batea para los noisers de Vaso De Leche, para los hardcore-punks de AlgoTerror y para los indies free-form-freak-out de Fracaso. La discográfica, además, glosa el material a disposición tildándole de post punk cinemático e industrial. Las toscas-pero-inalterables percusiones machaconas y filo-metálicas tanto de “Ruido” (el despegue) como de “Hay Tabla” (el amartizaje) proporcionan ribera suficiente, en efecto, para hablar de cierta inclinación hacia la música industrial. La parquedad y precisión de las síncopas en el resto del artefacto -con excepción de “Tema Para Un Final (De Película Que No Existe)”- avalan la alusión a piezas sonoras de movimientos tangibles/mesurables que acaecen en tiempo y espacio.

Post punk, en cambio, es un marbete más difícil de sustentar. Las primeras escuchas remiten por descarte al período ’77-’84, si bien no permiten establecer claras analogías con Wire, P.I.L. o Gang Of Four. Varias vueltas después, se hace factible pensar en una versión prehistórica de bandas más periféricas, tipo This Heat o The Pop Group en sus ratos menos accesible. Al final, aunque te das cuenta que el sonido de BC es ubicable en los días señalados, también notas que no proviene de la misma cepa. Lo suyo está más influenciado por “anormalidades” como Nurse With Wound (la errática “Cría”) o los visionarios Zoviet France (la impetuosa “Grises”).

Ígneas eléctricas angulares, un registro en el micro que prefiere el spoken word a la vocalización convencional, atmósferas brumosas que se alejan del cliché “oscurito”... Entre el after punk más experimental y el industrial de garage, Beat Cancino se ha hecho de un sitio despachando siete afilados zarpazos de rock agreste y raudo en poco más de quince minutos. Suficiente para empezar.

En activo siete años, Sello Fisura trabaja en los límites que comparten el indie del nuevo siglo y la electrónica de libre código que de-evoluciona hacia la música rock. Un catálogo de referencias puntuales, por demás atractivas, es el que maneja la label capitalina: ha sostenido el reentré de Columpios Al Suelo y Dolorio & Los Tunantes, aparte de haber reeditado tanto el Monstrws (2019) de Maifersoni como el disco de su guitarrista Enrique Elgueta en comandita con el aedo Juan Santander (Que Ningún Sentimiento Amanezca En Su Casa, 2020). Y ha liberado desde octubre la serie Laboratorio De Malestar: cinco entregas que recopilan improvisaciones realizadas por diversos músicos entre noviembre y diciembre del 2019 -esto es, las primeras semanas del levantamiento ciudadano en el hermano país del sur.

Encargado de los teclados en Niños Del Cerro, Diego Antimán reestrena faceta solista cambiando de alias -de CVSPER, clausurado en el 2016, a Valet. Adore EP consta de cuatro números que en realidad son tres. Emparejados/entrelazados el primero con el segundo y el tercero con el cuarto, escuchar el “pareado” de entrada deja en evidencia que “Espejismo” y “Vacío” son secciones de una única pista, lo que no sucede con “Febril” y “Halo”. Las influencias fagocitadas por Valet provienen del ritualismo rave de fines de los 80s: el angst pirético del trance, el house de consumo masivo, incluso el aborrecido eurobeat de los primeros 90s... Lo curioso es que dichas influencias no son abordadas siempre de manera frontal.

La dupla que arranca con “Espejismo” empieza enclavada en el ruido angélico del bliss digital. Después de un breve crescendo, al promediar minuto y medio sube a superficie una tremenda guiñada trance a lo Paul Oakenfold, desarrollada durante 60 segundos. Tras del diminuendo necesario para desacelerar las pulsiones, el lector pasa imperceptible a “Vacío”, donde a partir del  minuto  y  20   segundos   el  aura   rave se  apropia   rápida   y   paulatinamente  del escenario -sampleo del mamarrachiento “clásico” eurobeat de Sannie Charlotte Carlson (a) Whigfield “Saturday Night” incluido (malditas sean las neuronas de mi cerebro que retienen ésta y demás información similar).

El sucinto camino de “Febril” no es distinto. Los orgiásticos estallidos trance comienzan antes del minuto, y llegan a su punto culminante hacia el epílogo del tema, hermanado con “Halo”. El cambio se produce, si bien de golpe, también con naturalidad, sin traumas. Es éste el momento más valioso del EP, donde se apuesta por el techno tribal a un paso de metamorfosearse en IDM de tintes étnicos. Ojalá Antimán, se decida por este último rumbo.

Al  parecer,  cierra  Rodrigo Mardones para  Música  Casual la persiana del 2021 -Fluir, cuarto largo de la entidad, abría el listado de lanzamientos del año en Chip Musik Records- con un extended que modera la vigencia de algunos principios regentes en su estética sonora desde la concepción misma. Pese a que el arquimédico punto de apoyo continúa siendo la improvisación non-sense/surrealista, prima en Hegemonías EP una metodológica deconstrucción del Ruido engendrado por ese proceso.

Deconstruido aquello que produjese espontáneamente, en torno suyo Música Casual elabora despedazadas secuencias completamente desiguales entre sí, de tamaño y densidad variable, que yuxtapone y enhebra para lograr percutir los surcos recogidos en el extended. Fraguarlas hasta hermanarlas no ha sido tarea sencilla, no obstante. Si Mardones lo consigue, se debe a que son las microtonales texturas sónicas drenadas/desecadas las que conforman la substancia molecular que hace las veces de aglutinante denominador común para porciones y astillas tan dispares unas de otras.

Cuatro suites de nombre similar y numeración progresiva ascendente, rayanas en los márgenes/extramuros de las últimas vanguardias de fin du siècle con derecho a llamarse tales. De las aguijoneantes resonancias post-dub a lo Scorn que regurgita “Hegemonía 3”, a la informe tímbrica dominante en “Hegemonía 1”. Del escuezante morphing de “Hegemonía 2”, que se balancea entre el Scanner más minimal y el Seefeel más oscuro, a la sorda aridez abrasiva a lo PanSonic de “Hegemonía 4”, llena de punzantes zumbidos/murmullos nocturnos. Un suculento aperitivo, el primero para la nómina de la prestigiosa escudería Pueblo Nuevo, que deja en suspenso el camino a tomar por Música Casual en el futuro más inmediato.

El año no termina aún para Mardones, sin embargo. Acaba de salir la puesta de largo de Mesetas, dúo que integra junto a Luis Venegas (Argades, presente en el “lado B” de la compilación de Chip Musik Lego 13: Trece (El Final De Una Década)). Próximamente, el comentario de rigor en estos bytes.

(https://pueblonuevo.cl/catalogo/hegemonias/)

Como sucede en todo Chile (creo), el otoño en Gran Valparaíso es de contrastes marcadísimos. Llegué allá en medio de una tarde que fue obliterando al muriente estío gracias a una nubosa resolana pálida, por la noche comenzó una lluvia que no paró sino hasta la madrugada del día subsiguiente, y despidió mis pasos portuarios una calcinante ola calorífica. Me siento más a gusto en climas fríos más consecuentes, pero esa neurosis meteorológica también me agradó -a diferencia de la plomiza Lima, que sólo en el verano cambia de colores por obra de su fulminante sol.

Para su esperado segundo título -el primero, Espesura EP, data del 2015-, el binomio Hammuravi ha retrocedido un par de pasos en cuanto a estilo cultivado. El salto hacia adelante, empero, es cualitativamente enorme. De la aleación entre shoegazing e indie rock que martilleaba el extended, queda muy poco, acaso apenas el inicio con “Limbos” y no mucho más. El tándem porteño ahora navega a través de un dream pop de baja resolución, reinterpretado desde inequívocos planos pedestres, subrayando -a semejanza del otoño- el almíbar y la nostalgia según la composición que acometa.

Entre las que ensalzan el trote melodioso y tierno, cabe contar la placidez lacónica de “No Dejes Que Me Lleve El Río”, la emotividad contenida de “Estrella Lunar”, la vitalidad casi baggy de “Puñal” (donde participa Elisa Montes, de Slowkiss y los primeros tiempos de Supernova) o la ya aludida “Limbos”. Entre las que se acomodan mejor sublimando la aflicción y el bucolismo que innatamente soportamos los seres humanos, se puede enumerar a la rigurosa sobriedad de “Desaparecer”, al doble movimiento de “Esto Se Va A Terminar”, a la mirada lánguida de “La Ciudad” y al sutil feeling acibarado de “Dímelo”.

Acompañando a estos ocho cortes, Hammuravi adjunta otros tantos interludios, algunos de nombre tan extenso como breve es la duración promedio de todos ellos. Aplicando nuevamente la figura del otoño, estos fragmentos remarcan el dulzor o la melancolía que fermenta el grupo, pero no siempre para afianzar el color del track escoltado. Mientras la sincronía es un hecho para esquirlas como “Corre A La Estación”, “Sangres” o “Me Voy A Tirar Al Mar, Los Peces Me Esperan”; los contrapuntos llegan de la mano de “Bailando Con El Fantasma De Mi Abuelo”, la ¿cueca?/¿chacarera? acústica de “Mi Padre” y el postrer suspiro de “El Principio Es El Fin”. Magnífica jugada que agiganta la majestuosidad senescente de este Fuego Negro.

Palmas para los dos tercios de Adelaida que sacan adelante Hammuravi, el siempre elusivo Jurel Sónico y la gran Naty Lane -la mejor bajista de esta parte del globo, que tiende a relajar en las obras de la mancuerna valpeña su performance vocal, al punto mimetizarse con la de Alison Shaw (Cranes).

Hákim de Merv

Seefeel: Rupt + Flex 94 - 96

(Publicado originalmente en mi cuenta Facebook el 20 de octubre del 2021.)

Desde nuestra entonces miope perspectiva tercermundista, en los 90s lucía hasta cierto punto normal que sellos especializados en la vanguardia electrónica más rompe-esquemas del momento librasen auténticas batallas para fichar a los estetas que daban la hora a nivel internacional. Worm Interface (¡¡¡Squarepusher!!! ¡¡¡Solar X!!!), Mille Plateaux (¡¡¡Microstoria!!! ¡¡¡Thomas Köner!!!), Mego (¡¡¡Christian Fennesz!!! ¡¡¡Farmers Manual!!!), R & S (¡¡¡Ken Ishii!!! ¡¡¡Locust!!!), Warp Records (huelgan mayores comentarios aquí)... La descomunal bronca entre estos dos últimos por apropiarse de la rúbrica de Aphex Twin dejó de ser una leyenda urbana, por ejemplo, tras el triunfo de los de Sheffield sobre los belgas. Hoy se oye hasta ridículo, pero en aquellos tiempos -en que muchos llegamos a la primera adultez- le encontrábamos sentido.

Pienso en esa extravagante situación al verificar que Rupt + Flex 94 - 96, el cuádruple box set que Seefeel dispensó este año, ha podido concretarse gracias a la colaboración entre Warp y la ¿resucitada? Rephlex Records. Propiedad del Twin y de Grant Wilson-Claridge, Rephlex había cerrado operaciones a inicios del 2015, como parte de las actividades programadas por el primero para priorizar su carrera. Relanzarla, puntualizaría yo: tras el doble Drukqs (2001), el Gemelo no ha hecho sino recurrir a material almacenado en bóveda para soltar EPs y singles desprovistos de la monumental trascendencia que lograba cada endiablado lanzamiento suyo en la última década del siglo pasado. Un “has-been”, de algún modo, como otros de idéntica estirpe.

También Seefeel puede entenderse de esa guisa. Con la producción de sus mejores épocas desparramada entre Too Pure (Quique), Rephlex ((Ch-Vox)), Warp (Succour) y Astralwerks (Polyfusia, seminal recopilación tempranera de 7’’s y extendeds); el epónimo CD -Warp, 2011- que testimoniaba el rejunte del otrora célebre grupo -adelantado el año anterior con el Faults EP- no consiguió inaugurar nuevas direcciones en el cosmos de la música electrónica, tal cual hiciesen los principales títulos de entre los que he enumerado un par de líneas atrás. Y aunque luego la banda siguió editando uno que otro sencillo interesante, amén de la sesión radial para el finado John Peel (2019), la sensación que exudaba este retorno era la de haber perdido drásticamente el paso del Tiempo. Es más, si no fuera por Rupt + Flex..., ni idea de que Seefeel seguía existiendo como cuarteto -en el que Sarah Peacock y Mark Clifford son los únicos miembros de la formación histórica original, secundados ahora por los nipones Shigeru Ishihara y Kazuhisa Iida.

En las notas del BandCamp oficial, Seefeel afirma que Rupt + Flex 94 - 96 antologa 22 temas rescatados de sus archivos, nunca antes liberados. Sí y no. Los dos primeros volúmenes del box set están reservados para la versión redux del umbroso ambientcore de ciencia-ficción de Succour (1995), mientras que el tercero hace otro tanto con el homólogo de (Ch-Vox) (1996), destinando el cuarto volumen a los EPs Starethrough (1994), Fracture/Tied (1994) y Sp/Ga 19 (2019) -amén de otras piezas de difícil disponibilidad. El caso es que, a diferencia de su par de Quique (1993), que obtuvo luz verde en el 2007, la edición redux de Succour aparece por separado en triple vinilo el mismo día que la caja recopilatoria (14 de mayo). Encima, parte de su repertorio -“As One”, “Burned”- proviene del Reduct, extended eyectado en abril pasado. De esa misma fuente se repesca “Starethrough (Transition Mx)”, añadido al cuarto esférico del box set. De esa misma fuente procede también el magnífico “Evio”, que pasa a engrosar la versión redux de (Ch-Vox) -adivina qué día se pone a la venta el vinilo doble. Poco menos que agiotista esto de sacar reduxes “exclusivos” la misma fecha en que disparas una colección cuádruple que les abarca, ¿no?

Alguna vez los periodistas Víctor Lenore y Jesús Llorente escribieron un canónico dossier sobre el post rock para la excelente revista española Factory (número 10), en el que se decía de Seefeel que practicaba “el sonido de Cocteau Twins para el siglo XXI”. Curioso que ni el trío escocés ni los cuatro de Londres hayan llegado a voltear la esquina del milenio: los triates Cocteau se desintegraron en 1997, sin posibilidades reales de rearmarse a día de hoy, mientras Seefeel empezó a cocinar su reentré con el redux de Quique, hace catorce años y después de diversos proyectos sucedáneos (Scala, Disjecta, Sneakster, January). Igualmente curioso es que no se incorpore ningún LP de Mark Clifford y compañía en la discografía recomendada por el informe de Factory, como si el combo no encajase del todo en el “perfil” post rocker trazado, algo insólito considerando que el reportaje avala la opinión que indica que “detrás de cada grupo de post rock hay una etiqueta diferente por inventar”. Casual o voluntaria, esa omisión confirma un dictamen que casi nunca he visto por escrito: más que post rock, la de Clifford-Fletcher-Peacock-Seymour era una alineación híbrida que partía del shoegazing para saltar del post rock al ambient binario de avanzada, y viceversa.

Moonshake, To Rococo Rot, Laika, Tarwater... Son pesos pesados como éstos, entre quienes más a gusto se siente contado el alias londinense. No obstante, nadie podría siquiera insinuar que alguno de ellos se le parece. Como hiciera My Bloody Valentine, y en modo harto distinto del que encarase Main, Seefeel creó una nueva poética de la guitarra procesando su característico timbre a través de multitud de filtros digitales. Luego de una jornada celestial como la de Quique, el perfecto equilibrio sónico entre júbilo entusiasta, hermosura y noise dio pie al trip mitad tenebroso mitad lúdico de Succour. Imagino que remasterizado en el primer compacto de la tetralogía, su percusión minimal/seca/precisa explota las posibilidades expresivas y rituales de tribus que habitarán futuros incalculablemente lejanos. Sus texturas en cascada y su ambient borrascosamente febril parecen la banda sonora ideal para observar en fast-forward la convulsa y cambiante transformación de la geología de jóvenes planetas rocosos.

De cariz similar se revela la segunda rodaja del compendio, bautizada Succour (+). Observando las excepciones hechas, se nota por su acabado -o la falta de éste- que son outtakes de época. Pese a las ambientaciones oscuras/opacas (“As Track“, “As Well”), los inéditos son en su mayoría tanteos atmosféricos premunidos de la ingrávida placidez del ensueño (“Meol 2”, “Meol 3”). El que permanezca el impulso primitivo pero no el tribal/comunitario/gregario parece señalar que se trata de un Succour en estado larval -uno en que las programaciones recién retumban al paso de los tramos finales, como “Fractions 2”, “Rupt (Cut Mix)” y “Monastic”.

En entrevista concedida para la revista peruana Freak Out! (número 3, ver foto al costado), nos contaba Mark Clifford que (Ch-Vox) de póstumo no tiene sino la fama. Seefeel jamás tuvo una disolución formal (“sólo paramos de grabar”), y la placa saldaba un compromiso de palabra con Rephlex Records, compromiso pactado antes del contrato por cinco discos firmado con Warp. Al comenzar a escindirse la cohesión grupal, Clifford asume conducción y desarrollo del álbum, por lo que definir a (Ch-Vox) más como un ejercicio solista del frontman que como un esfuerzo colectivo no está nada descaminado. De ahí la brevedad de la edición primigenia, computable en 33 minutos. De ahí también acaso ese velo de smog que amortaja no sólo los seis cortes originales, sino además los seis adicionados en la correspondiente versión redux -con la excepción ya enunciada de “Evio”. Lejos de anunciar las aislacionistas vibraciones filo-industriales de la aventura personal de Mark (Disjecta), el desgarbo de (Ch-Vox) es un “todavía más allá” respecto de ese ambient desolado de Succour. Forjada al aire libre en desiertos helados, su intuitiva poiesis ofrece lacónicos tapices de áspero, casi yermo minimalismo electrónico: “Ch-Vox”, “Avatar”, el rework “complete” de “Utreat” (estrenado en Succour), la resonante “Ashime”... Haikus de sonido melódico que de tanto loopearse acaban generando suites apacibles/desapacibles como “E-Hix⁵”, “Net”, “E-Hix²”, “Ashdecon”. (Ch-Vox) guarda incluso espacio, poco eso sí, para números que por su rítmica hubieran podido inscribirse en el catálogo de Warp. Ése es el caso de la hiperkinética “Hive”. Una fascinante obra de perspicaz exploración digital reñida con el pop-como-género, ahora redondeada gracias al material extra.

Finalmente, el cuarto plástico del box set recibe el chaplín de St / Fr / Sp, dizque por recopilar en su totalidad los EPs Starethrough, Fracture/Tied y Sp/Ga 19. La información es correcta en relación a los dos primeros, pero no en lo tocante al tercero, ya que se insertan “extended live versions” de “Sp19” y “Ga19”. Seefeel añade asimismo “Spangle (Autechre Remix)”, que se edita por primera vez en abril del 2003 como single de Polyfusia Records (propiedad de Clifford), y “Starethrough (Transition Mx)”, que ya se dijo fue obtenida del Reduct EP. Si cabe, éste es el plástico más físico, más corporal de Rupt + Flex 94 - 96: música evocadora y eminentemente rítmica, rotunda en su efectividad y de gran capacidad viral. Todo en orden, salvo por el hecho de que bajo un rótulo similar -St/Fr/Sp- apareció un vinilo doble con dos surcos menos... el 14 de mayo del presente.

Para quienes recién se adentran en el bursting-out a cámara lenta de Seefeel, Rupt + Flex... funciona relativamente bien. Construye una imagen fidedigna de lo que hizo la banda a partir de su ingreso en la nómina Warp, con Starethrough EP, pero no ilustra la cristalina fase repleta de enteógeno ambient líquido que surcó en Quique y en los singles precedentes. Para quienes estamos bastante familiarizados con ese universo, la caja tiene sensiblemente menos que ofrecer: el tomo extra de Succour, el mapa total de (Ch-Vox) y la remasterización de rigor. Se echan en falta las tomas originales del Sp/Ga 19 EP, así como el íntegro del Faults EP. Es, con todo, un testimonio de los días en que Seefeel y afines daban una vuelta de tuerca tras otra en el panorama de la música pop contemporánea de avanzada -y un recordatorio de ese futuro a la altura del cual sólo estuvieron muy pocos de los que arribaron después.

Hákim de Merv